Arquivo para HQs - interrogAção

A criação de Pico do Petróleo, parte 1: minha escolha do tema

Acabo de lançar meu mais recente e maior quadrinho, o Pico do Petróleo.

Mantendo minha tradição de publicar artigos sobre a criação de meus trabalhos, discutirei aqui minhas reflexões sobre o processo criativo do Pico do Petróleo.

Este é o primeiro, de uma série de sete artigos, que abordam vários aspectos do processo de criação dos quadrinhos.

Meu papel como cartunista-comunicador de ciências

Como um cartunista-comunicador de ciências, eu escolho deliberadamente tópicos que são pouco compreendidos pelo público em geral.

Meu objetivo é atrair temporariamente a atenção dos leitores através de quadrinhos profundos e bem desenhados, e depois desviar essa atenção de mim e direcioná-la para especialistas que têm soluções e informações abrangentes.

Flavor Flav e Chuck D., do grupo de hip hop norte-americano Public Enemy

Em outras palavras, sou uma espécie de Flavor Flav, e Hubbert, de Chuck D.

Sou apenas um hype-man para a ‘voz da autoridade’, M. King Hubbert.

Hubbert: “Não acredite no hype sobre o crescimento da produção de petróleo!”
McMillen: “Yo Hub, eles devem estar fumando um, tá ligado?”

Escolhendo um tema sobre o qual o público tem pouco conhecimento

O Pico do Petróleo é um excelente exemplo de um tema importante que é mal compreendido pelo público em geral. Tenho conhecimento do problema há 10 anos e ainda me deparo com uma ignorância gigantesca ao falar com outras pessoas sobre o assunto:

“Ah, o petróleo vai acabar? Bom, nós podemos simplesmente mudar para outro combustível.”
“Mas eu ouvi dizer que encontraram um novo campo de petróleo enorme na costa [do Brasil, da Rússia, da Suazilândia…].”
“Mas o preço baixou. Problema resolvido, certo?”
“Ótimo! Mal posso esperar pelo Pico do Petróleo! Finalmente os árabes vão falir!”

Esses são exemplos do caleidoscópio de respostas mal informadas que ouço sempre que cito o Pico do Petróleo, ou outras questões relacionadas à sustentabilidade energética.

Meu quadrinho não aborda questões mês-a-mês, como a queda do preço de Dezembro de 2014. Também não entra em temas importantes como EROEI (sigla em inglês para Energia Retornada sobre Energia Investida).

Eu queria que meu quadrinho fosse mais “generalizado e atemporal”, em vez de “atual, mas prestes a se tornar obsoleto”.

Meu objetivo: criar a cartilha definitiva sobre o Pico do Petróleo

Eu sabia que não conseguiria produzir um compêndio absoluto sobre o Pico do Petróleo por meio de um quadrinho. Eu não poderia simplesmente incluir todos os fatos, números e nuances do assunto.

Em vez disso, decidi escrever a cartilha definitiva sobre o Pico do Petróleo, que funcionaria para o leitor como um curso básico de 20 minutos sobre o tema.

Meu objetivo era fazer um quadrinho que levasse uma pessoa com nenhum conhecimento sobre o Pico do Petróleo a uma compreensão razoável dentro de 20 minutos.

Mais importante: eu queria que fosse um recurso online gratuito, disponível no maior número possível de idiomas, dependendo apenas de quantos tradutores voluntários eu conseguisse recrutar. Ele está disponível atualmente em francês, alemão, espanhol, chinês, português do Brasil e outros idiomas (clique na ‘bandeira’ no canto direito superior do meu website: ).

Uma plataforma de lançamento para pesquisa independente

Espero que, após lerem meu quadrinho, os leitores sintam o desejo de aprender mais sobre o assunto por meio de suas próprias pesquisas e reflexões.

É através delas que as pessoas entenderão a EROEI (Energia Retornada sobre Energia Investida, em inglês). É através da pesquisa que as pessoas perceberão que a queda de preços em dezembro de 2014 não altera o problema fundamental: de que nós estamos queimando petróleo a uma velocidade muito maior do que o processo geológico da Terra o regenera.

Meu quadrinho leva os leitores à metade do caminho do conhecimento, mas conta que eles completarão a jornada por conta própria.

Pico do Petróleo: o irmão incompreendido do aquecimento global

Na minha experiência, a maioria das pessoas já ouviu falar de aquecimento global, mas nunca ouviu falar do Pico do Petróleo. O que é uma grande vergonha, pois acredito que ambos os fenômenos têm a mesma importância. Além disso, esses dois fenômenos provavelmente acontecerão simultaneamente.

Uma vez que o público já detém um conhecimento sólido sobre o aquecimento global, tratei o Pico do Petróleo como um fenômeno isolado no meu quadrinho.

Na realidade, o Pico do Petróleo e o aquecimento global serão fenômenos politicamente relacionados, com influências de um respingando no outro.

O Pico do Petróleo vai acontecer independente do aquecimento global e vice-versa. Mas seremos forçados a considerá-los como parte de um problema interligado.

Por exemplo, a necessidade de descarbonizar nossas economias pode resultar em uma “bolha de carbono não-utilizável” de combustíveis fósseis cuja queima consideramos inconcebível, dado aos conhecidos efeitos do aumento de gases do efeito-estufa. Isso respingará nos mercados de ações, e então, em economias maiores.

Nessa situação, a inclinação da “montanha-russa” será muito diferente do funcionamento da curva do Pico do Petróleo. Podemos ser obrigados a reduzir rapidamente a nossa utilização de petróleo, construindo uma montanha-russa que cai rapidamente e deixando muitas de nossas ‘treliças’ trancadas no estoque.

Esses são cenários além da minha previsão, e além do escopo do quadrinho. Com o Pico do Petróleo eu quis simplesmente aumentar o conhecimento público sobre o fenômeno de Hubbert, para que discussões bem informadas possam ser feitas sobre as decisões que precisam ser feitas.

Um chamado para apoiadores

Se você desejar, pode contribuir para a sua próxima experiência de leitura de quadrinhos no stuartmcmillen.com

Caso possa, por favor, compre uma cópia de $5 do Pico do Petróleo via PayPal, cartão de crédito ou Bitcoin. Caso deseje fazer uma doação maior, basta editar o valor de $5 no carrinho de compras. Uma outra alternativa é se tornar um apoiador mensal via Patreon.com. Desde já, agradeço!

Outros artigos sobre a ‘criação do Pico do Petróleo’

Este é o primeiro, de uma série de sete artigos, que abordam vários aspectos do processo de criação dos quadrinhos. O próximo da série é A Criação do Pico do Petróleo, parte 2: a filosofia do storytelling.

Tradução: Alana Carvalho
Revisão: Daniel Kossmann Ferraz e Mara Vanessa Torres
O interrogAção é o tradutor oficial do Stuart McMillen. (Texto Original)

01/07/2015

Pico do Petróleo, por Stuart McMillen | Quadrinho

O interrogAção é o tradutor oficial das HQs do Stuart McMillen.

30/05/2015

Três Dedos: Um Escândalo Animado (2009), de Rich Koslowski | HQ

Quando éramos crianças, corríamos para o sofá (ou cadeira) com o intuito de assistir aos desenhos animados que envolviam personagens-animais, tais como Taz, Pernalonga, Tom, Jerry, Mickey, entre outros. Mas o que não sabíamos acaba de ser revelado na obra “Três Dedos: Um escândalo Animado” (2009), de Rich Koslowski.

O que muitos críticos acusam como um trabalho vazio ou uma “leitura parodística do mundo encantado dos desenhos” reflete uma tentativa para silenciar a gravidade no interior do escândalo exposto neste livro.

Em forma de HQ-Documentário, Rich investiga os bastidores da indústria cinematográfica hollywoodiana através de um levantamento detalhado que nos mostra seu surgimento, desde o fim do cinema primitivo nos Estados Unidos.

Nesse contexto, o leitor conhece a vida do cineasta Dizzy Walters, fundador do “cinema animado” ocidental. Com uma trajetória de vida marcada por crises e sucessos, Rich aponta que o grande diferencial de Dizzy deu-se na coragem de retirar do submundo, os artistas – que, por serem “desenhos animados” — eram demonizados pela sociedade tradicionalista norte-americana.

Vivendo uma fase sombria, “ele começou a freqüentar partes cada vez mais perigosas e pouco recomendadas da cidade, até que finalmente, uma noite, encontrou-se vagando (…) pela ‘Animalândia’” e conheceu – tocando numa boate escondida — o ratinho Rickey”. Esse encontro muda toda a história do cinema.

O talento e carisma de Rickey no palco fez Dizzy tomar uma atitude arriscada: levar para as telas os “animados”, mesmo correndo o risco de perder sua dignidade, pois nessa época, esses bichinhos sofriam bastante preconceito, vivendo na marginalidade e esquecidos pelo poder público.

Ser um “animado” era nocivo, repugnante e assustador. A sociedade composta pelos humanos excluiu a raça animada do convívio social e a jogou — sem o mínimo de cidadania — nos bairros periféricos, no qual muitos deles viviam da prostituição, tráfico de drogas e animação em festas infantis, onde as crianças contratavam os “animados” para violentá-los em orgias envolvendo recheio de chiclete sintético, refrigerante com alto teor de gás e brigadeiros industriais.

O risco em tornar um “animado” ícone pop era alto, mas Dizzy Walters investiu todo seu dinheiro no filme “Rickey na Ferrovia”. Surpreendentemente, o sucesso foi imediato! Mesmo com todo o ceticismo enraizado na crítica de cinema especializada, as plateias humanas aclamavam o filme como “revolucionário”.

Rich Koslowski afirma que:

Rapidamente, todos os grandes estúdios de cinema começaram a produzir filmes estrelados por atores animados. Seis meses após a estréia de ‘Rickey na Ferrovia’, quatro dos maiores estúdios lançariam produções estreladas apenas por elencos de atores animados.

Assim, a indústria cinematográfica de animação promove uma avalanche de filmes marcados pelo fracasso de bilheteria. Por algum motivo desconhecido, o público não respondia positivamente ao lançamento dos novos filmes que surgiram após o “fenômeno Rickey”.

O autor entrevista (entre ex-atores e testemunhos da época) Hans Wurstmacher:

Enquanto os filmes animados não estrelados por Rickey causavam prejuízos aos atravessadores, produtores e exibidores, a fama de Dizzy e seu parceiro lotavam as capas de revista, jorrando dinheiro por todos os lados!

A alta cúpula do setor de animação em Hollywood estranhou como Dizzy e Rickey tornaram-se, do dia para a noite, os novos magnatas do cinema. Algo errado estava acontecendo nos círculos internos do setor.

O sucesso de Rickey aumentava a cada filme realizado, mas para atingir a fama imediata os artistas sempre pagam um alto preço.

Até o ano de 1946, apenas os filmes da dupla prosperavam, fazendo Rickey tornar-se o maior super-astro animado de todos os tempos, o que o levou a casar-se com uma humana! A união afetiva com Rosa Belmont promoveu uma grande discussão étnica nos anos 40 nos Estados Unidos: Humanos podem unir-se a Animados? Mesmo com a fúria do público conservador norte-americano, sem dúvida, Rickey e Rosa quebraram os tabus em torno do amor entre seres tão distintos.

A vida de Rickey e Dizzy estava no seu melhor momento, até que os segredos sobre o Ritual são revelados à imprensa a partir de uma denúncia anônima realizada em 1948, que trouxe à tona um dossiê fotográfico responsável pela desgraça da carreira de ambos. As imagens confirmam: o Ritual é uma terrível realidade.

A partir das imagens expostas por Rich, “Três Dedos” promove um debate com ex-atores animados fracassados para compreender a possível ligação dos personagens centrais com o escândalo envolvendo o Ritual.

Seria essas práticas macabras que o levaram à fama absoluta? É a partir desta fórmula bizarra que os desenhos animados conseguem hipnotizar milhares de crianças atualmente? Seria o “horror” a palavra de ordem nas animações que formaram gerações de homens e mulheres?

Numa rara aparição à Rich Koslowski, Rickey polemiza:

Comentários bombásticos buscam questionar a indústria cinematográfica e avaliar o raio‑X do maior escândalo da cultura pop nos anos 40.

Quem lembra do Pato Daniel? Engasguinho? Tonto? Liu Liu? Rapidinho Rodriguez? Gafanhoto Cantante? Pernalouca? Freidrich Von Gatze? Millie Marsupial? Pato Nildo? Antigos grandes astros da animação que hoje vivem em condições precárias, na maioria dos casos vendendo-se à indústria pornográfica ligada à categoria Zoo-Shemale-Gagfactor ou trabalhando nas zonas boêmias da Animalândia.

A repercussão em torno do Ritual promoveu ataques de artistas e políticos famosos (como Marilyn Monroe, o senador Theodore Iverson, Martin Luther King e J. F. Kennedy), que “se levantaram contra o abuso e tratamento ruim dado aos animados”. Poucos meses após a manifestação de apoio aos animados, os mesmo críticos que acusavam a indústria hollywoodiana por tais crimes sofreram trágicos “acidentes de percurso” até hoje inexplicáveis. Haveria alguma ligação entre essas mortes e o Ritual?

Pernalouca, após ser questionado por Rich sobre sua possível ligação com ritual, reage de forma surpreendente:

Desse modo, “Três Dedos” apresenta aos leitores o processo de construção dos mitos animados da TV e cinema. Analisa como a indústria da animação lucra milhões de dólares, investindo em filmes e séries televisivas infantis que movimentam um mercado macabro, obrigando os artistas a se submeterem ao Ritual em troca da fama, luxo e reconhecimento de público. Quando os produtores lucram tudo que podem, os jogam no esquecimento absoluto.

O que está por trás do universo dos filmes infantis? Até que ponto nossos filhos devem consumir tais conteúdos, marcados por uma atmosfera de horror e submissão? “Três Dedos” é um livro que precisa ser lido e divulgado imediatamente nas escolas, creches e aos pais mais cuidadosos, como um alerta moral sobre a maldição envolvendo os desenhos animados.

20/06/2014

Trilogia Nikopol (2012), de Enki Bilal | HQ

Somos todos monstros de nós mesmos

Ao ler “Trilogia Nikopol”, do Enki Bilal, nos deparamos com a seguinte reflexão gilbertiana: “Quem hoje fala de futuro, sabemos que fala num tempo que já é quase presente, tal a rapidez com que estamos passando de presente a futuro. Nunca mais do que hoje o homem viveu tempo aparente só moderno já tão alcançado pelo pós-moderno e ainda influenciado pelo pré-moderno”. O que um pernambucano tem em comum com um iugoslavo?

Ao abrir “Além do Apenas Moderno”, de Gilberto Freyre, e ler esse trecho, fiquei com vontade de escrever sobre Bilal, um autor muito novo e difícil pra mim, mas que me desafiou a formular algumas considerações sobre sua trilogia.

A Editora Nemo fez um ótimo trabalho ao reunir “A Feira dos Imortais”, “A Mulher Armadilha” e “Frio Equador” num encadernado audacioso lançado em 2012 por aqui, traduzido por Fernando Scheibe.

Enlaçando resumidamente as histórias, Bilal afirma que “se sucedem nos três livros, cacos obsedantes e grotescos de nosso mundo, deuses egípcios vergonhosamente maltratados, um homem com nome de cidade da Ucrânia (…), uma emblemática e aberrante mulher de pele branca e cabelos azuis naturais, animais, verdadeiros, falsos (…) uma pirâmide voadora (…) e também histórias de amor e sonhos de cinema”. Este é o mosaico que vamos explorar a seguir.

Estamos em março de 2023, Paris. A atmosfera “facistizada” da cidade — multipovoada e seccionada em distritos desiguais – é alterada (em plena farsa eleitoral) pela aparição de uma pirâmide, estacionada no céu cinzento, proporcionando um mal-estar coletivo aos habitantes, sobreviventes desse “universo de degenerescência, miséria e imundície”.

Os ocupantes da pirâmide voadora exigem combustível ao ditador Ferdinand Choublanc. O silêncio dele a respeito do fato “não tranquiliza ninguém”.

No interior da pirâmide, os deuses egípcios estão preocupados com o sumiço de Hórus, condenado a perder sua condição eterna por deserção e práticas subversivas contra a “ordem universal e a santa eternidade”. Nesse momento, Anúbis, Bes, Bastet e a cúpula inteira tramavam os caminhos necessários para recapturar Hórus e obrigar Choublanc a ceder combustível à pirâmide.

O processo de negociação entre o ditador e os deuses fica tenso, pois Choublanc sugere algo nada amigável: “Estou pronto a ceder-lhes todo o combustível de que vocês necessitam, (…) mas sob a condição de que vocês me concedam a imortalidade em contrapartida”, proposta que é interrompida bruscamente pelo chacal: “Basta, Jean- Ferdinand Choublanc! Está fora de questão contrariar a ordem universal!”

O ditador é expulso da pirâmide, encerrando as negociações. Paralelo a esse acontecimento, o jornal “A Voz Legal” (instrumento puxasaquista de Choublanc) publica um conjunto de notícias que pode tumultuar ainda mais os rumos de Paris.

A imprensa local trata das negociações entre Choublanc e Anúbis com cinismo e vista grossa — típico dos jornalistas “lambe-botas” dos dias de hoje -, atribuindo tal como processo à “fineza diplomática”, deturpando o que testemunhamos nos bastidores piramidais.

Corte para a linha 4 (Metropolitano): Porte D’Orléans de Clignancourt. Em processo de descongelamento, Alcide Nikopol ainda não consegue lembrar como chegou ali. Jogado na beira dos trilhos, a única sensação que o tortura é a forte dor na região da perna amputada no acidente aéreo da sua cela criogênica. Um sono de 30 anos.

Eis que Hórus surge para “auxiliar” Nikopol com o grave ferimento, mas como para tudo é precisar trocar, o pássaro lança sua proposta: oferecer uma “perna” (de ferro, extraída dos trilhos) para Nikopol, e este conceder seu corpo para hospedar o espírito de Hórus. “E foi assim que teve lugar, no dia 03 de março de 2023, no metrô Alésia, a posse do corpo de Alcide Nikopol por Hórus de Hierakonópolis”.

Tal encontro, promovido na primeira sequência da trilogia (“A Feira dos Imortais”) gerou uma resultante de forças que irá sacudir a suposta tranquilidade do governo de Choublanc, alimentando conflitos políticos terrestres e divinos, prendendo a respiração do leitor.

Nikopol e Hórus. Dois desertores, dois inimigos do poder, dois corpos em perfeita sintonia e conjugação. Corpos e espíritos unidos, Hórus começa sua empreitada e define para Nikopol seus objetivos na Terra: depor Choublanc e construir seu império. Após burlar todas as barreiras, finalmente Hórus manipula a mente do governante e vai direto ao ponto:

O prolongamento da história (iniciada nos anos 80) segue com “Mulher Armadilha”, expondo a fase de Nikopol dois anos após seu internamento (eles e Choublanc enlouqueceram com a experiência mental via-Hórus).

Através de um levantamento hemerográfico da época, Bilal costura o panorama político do período que Hórus/Nikopol promovem o golpe à Choublanc, para situar o leitor historicamente.

Após ser condenado e isolado numa câmara criogênica, Hórus é libertado acidentalmente e volta com tudo, reincorporando-se ao corpo de Nikopol, à contragosto.

Paralelo a este núcleo narrativo, Bilal nos apresenta mais dois personagens: o filho de Nikopol (idêntico, com a mesma idade do pai) e Jill, uma mulher branca, de lábios, lágrimas e cabelos azuis. Hórus articula um encontro entre Jill e Nikopol, iniciando um triângulo amoroso-sexual muito útil para os objetivos da ave. Os três viajam ao Egito, em busca de um esconderijo adequado para escapar da pirâmide voadora, que está caçando novamente Hórus.

“A Mulher Armadilha” busca construir um espaço de convivência entre os personagens, criando os laços necessários para desenvolver as afetividades entre Jill e Nikopol, habilmente controlada por Hórus, que visualiza em Jill uma arma potente para concretizar seus planos megalomaníacos.

E assim, Hórus foge do Cairo (Anúbis descobre seu esconderijo) com sua artilharia protegida: o seu império inicia aqui, pois a ponte para a eternidade estava devidamente acertada. Jill acredita que:

“Nossa partida precipitada, provocada pela chegada da Pirâmide voadora ao Cairo, tinha um certo ar de jogo que não me desagradava. Isso me permitia, em todo caso, não me fazer perguntas demais sobre o nascimento de minhas estranhas relações com a dupla Nikopol/Hórus, sobre a qual ignoro até hoje, quase tudo”.

A nave segue rumo ao “Frio Equador”, onde os dois se separam e o amor vira sonho de cinema. Bilal gosta de produzir novos horizontes para suas histórias, transitando dos quadrinhos para o cinema sempre que possível. É o que podemos conferir em adaptações audiovisuais como Bunker Palace Hotel (1989), Tykho Moon — Segredos da Eternidade (1996) e Immortel (ad vitam) (2004), baseado na trilogia Nikopol.

Nas suas leituras cinematográficas, a adaptação resulta numa “desconstrução” do núcleo narrativo das HQs, para gerar um novo sentido aos personagens em conflito, como se fosse uma “extensão” do que lemos, um pós-história, o que arrisco a chamar de pós-história experimental, para efetuar novos rabiscos no corpo dos atores, uma performance em processo de reescrita do texto original. Bilal acredita que suas tramas podem ir além dos desenhos e faz uma exigência: compor novas possibilidades aos seus mundos, ele quer música, movimento, mise en scene. Outros desfechos para criar outras sensibilidades.

A trilogia é reconfigurada num mix de histórias que cruzam outros interesses de Bilal no universo Nikopol. Mais nomes, outras cores, tensões políticas reescritas surgem para o autor explorar livremente, tornando o cinema fundamental para suas vivências estéticas em andamento.

O peso dos tons envelhecidos de um futuro em crise é substituído pela leveza azulada de Jill e da animação computadorizada, que distancia-se dos odores mal-cheirosos, da neve suja de lama, do concreto mal conservado e da imagem visceral expostas na HQ.

A paisagem audiovisual de “Immortel (ad vitam)” é composta por uma nova estrutura narrativa, que serve como suporte para construir variados exercícios de criação na jornada dos personagens centrais. Aqui podemos sentir uma Jill menos radical. Aqui ela é carente de suas origens, amável e frágil.

Nosso Nikopol é menos rústico, sedutor e firme em seus posicionamentos perante Hórus. Este mantém sua rigidez — como lemos na trilogia — criando sua plataforma de perpetuação e controle do planeta a longo prazo, tomando o corpo de Nikopol como ponte para a vingança contra os deuses magistrados do Egito (no filme, tal ação é mais “explicativa” do que no texto-base).

Uma oportunidade para ampliar os horizontes criativos de Paris pós-tudo. Um caminho sofisticado para perpetuar o legado de Hórus, mais difundida ao público não-leitor ou já fã do trabalho de Bilal (talvez os mais “ligados ao texto-HQ” não aceitem este percurso, mas, quem se importa? Se o filme é uma partitura regida pelo próprio criador?). Goran Vejvoda produz uma sonoridade-sensorial penetrante em todos os momentos, cortada bruscamente por um happy-end que deixa a desejar, mas nada prejudique o conjunto da obra. Lançado em 2004, “Immortel (ad vitam)” merece atenção e uma cuidadosa análise comparativa com os quadrinhos.

E assim, tomo essa obra como elemento de reflexão sobre o mal-estar do autor perante o futuro, que se aproxima-chega de forma assustadora. Um futuro cinza, demarcado pela desesperança do homem pelo homem, este atirado numa disputa animalesca pelo controle do Outro e de si.

Vejo nesta trilogia a expectativa de um vir-a-ser despedaçado, corpos endurecidos pelo fascismo triunfante, governado por tiranos cada vez mais enlouquecidos pelo poder. Uma sociedade regida pela separação e violência aos “panfletários”.

O homem e a mulher: suicidas em potencial. É preciso tomar os comprimidos de Jill? Os gatos telepatas serão nossos melhores amigos em tempos de engessamento do amor e do esgotamento da confiança? Como escapar ao olho mortal do KKDZO? Seria a selva de Equador City o Eldorado pós-pós-tudo? As prisões criogênicas são penalidades ou o passaporte para a fuga desta geração? Hórus e Choublanc encarnam temporalidades que revelam ruptura o continuísmo com o presentepassadofuturo? Nikopol é a zona intermediária do tempo tríbio gilbertiano? Nosso destino está selado ao impulso autodestrutivo? Somos Além de Apenas Modernos ou Aquém de Nossas Expectativas?

Nikopol é uma “realidade [insurgente] na qual se cruzam sobrevivências, [projeções] e antecipações”. Seu corpo é a “fusão temporal [que] completa [Hórus] e o pereniza. Eterniza‑o em épocas para além e para aquém do pensamento”.

Bilal provoca uma série de questões que somente as próximas gerações irão responder, num futuro bem próximo, possível e cruel. Nikopol nos deixa uma lição que fica clara aos leitores do passadopresente: somos monstros de nós mesmos.

25/05/2014

Local (2008–09), de Brian Wood e Ryan Kelly | HQ

À primeira vista, quando peguei, por acaso, o material de Brian Wood (roteiro) e Ryan Kelly (arte) na livraria Quinta Capa (a mais legal de Teresina), tive basicamente a intenção de atualizar algumas leituras ainda desconhecidas por mim na cena dos quadrinhos. A sensação que tive (não sei explicar o motivo) ao tatear “Local” foi de encontrar algo na linha narrativa de Craig Thompson em “Retalhos”, por imaginar que o eixo temático seria parecido. Felizmente estava enganado, e o universo que se abriu foi outro bem diferente, lindo por sinal.

“Local” expõe a importância dos lugares e das caminhadas que fazemos pelos espaços. No início da leitura, tive preconceito em achar que a história não teria uma potência poética universal na linha de trabalhos autorais como de Emilio Fraia e DW Ribatski (“Campo em Branco”) ou do próprio Craig, mas não. Mesmo com uma narrativa que freqüenta ambientes/paisagens estadunidenses, o impacto da obra universaliza o que somos e o que podemos ser… É surpreendente!

Estruturado em 12 capítulos “autocontidos” (encadernado em dois volumes: “Ponto de Partida” e “Fim da Jornada”, pelo Devir Livraria), as histórias estão demarcadas na vida de Megan McKeenan, uma jovem em busca de novas experiências, que segue viajando pelos EUA atrás de si mesma.

Cada capítulo situa Megan numa cidade-aventura, no qual ela vive uma série de situações cotidianas com pessoas normais, que vivem seus problemas, suas conquistas, afetividades e desesperos, que nem sempre é fácil de entender: um mergulho nas particularidades.

Entre empregos, namorados, sustos, experiências culturais, decepções e imaturidades, Megan nos encanta com sua vontade de descentrar o Eu que a habita, pulverizando as raízes que a prendem no chão, carregando nas costas sua mochila recheada de desejos e sonhos. Quebrar as linhas rígidas do mapa e compreender-se enquanto cartografia: se jogar sem medo ou culpa, pelo Não do previsível.

Megan caminha pela cidade encarando‑a como um laboratório de sensibilidades. Talvez ela não compreenda inicialmente a força dos elementos afetivos que está criando, mas do decorrer da narrativa é possível acompanhar que cada espaço praticado representa uma micro-revolução fundamental na construção da sua personalidade.

Megan muda seu olhar para o mundo a cada aprendizado vivido. Potencializa os estilhaços recolhidos dos confrontos urbanos interiores e das pessoas que habitam estas tensões. Ser a soma dos cruzamentos das avenidas, dos gritos e estouros alheios, dos parceiros de quarto mal-resolvidos, do irmão problemático e dos corações-fantasmas. Histórias muitas vezes inconclusas, encerradas às pressas com um bilhete de despedida.

A paixão de Megan pela fuga/deambulação/desprendimento dos centros de fixidez vem desde a infância, quando avisava para a mãe que estava fugindo para algum lugar e tinha como resposta: “Mas daqui a pouco é hora de jantar. O que você vai comer? Quem vai cozinhar pra você?”.

Sua primeira tentativa de explorar o mundo foi frustrada, pois não passou do “carvalho no nosso quintal da frente”. A suposta “indiferença” da mãe em torno das fugas era, na verdade, um incentivo para que Megan seguisse seu destino sem medo de sonhar.

Enquanto nossas mães nos sufocam com proteção e mimo, “ela estava removendo qualquer obstáculo que surgisse no meu caminho. Ela queria que eu me sentisse livre”. A mãe era vítima de uma profunda prisão interior, e não desejava o mesmo à filha.

A mãe atua como espaço livre de travessia para o mundo em construção. A figura paterna aparece como elemento repressor na jornada, mas nada que atrapalhe seus objetivos: “Meu pai nunca a desafiou [mãe], nunca levantou um dedo para tirá-la da sua rotina diária. Acho que na cabeça dela, me limitar seria uma forma de mau trato”.

Aprendendo com a mãe que o desprendimento representa os sonhos e a esperança da liberdade, Megan só encerra sua caminhada quando a pontes entre o coração materno e o mundo rompem-se com a violência inesperada da morte.

Após o falecimento da mãe, é hora de voltar. A dispersão e a identidade flâneur convertem-se em fechadura-porta-casa. Agora é preciso sentar no sofá, tomar um leite quente e ser importunada por todos os espíritos que o passado guardou na mochila. Quantos territórios te perseguem? Quando amores não enterrados te perturbam? Quantas feridas não cicatrizaram na memória? Qual o preço de percorrer tantos universos em busca da liberdade? Os fantasmas “querem saber por que você os abandonou?”.

O trânsito pelo mundo é encerrado (por enquanto) na casa da falecida mãe, em Vermont, sozinha. O lar materno é chave para o auto-conhecimento. Recolher-se para o descanso, até que novas aventuras e convites para futuros saltos apareçam por aí.

“Meu primeiro instinto é fugir, ir embora, simplesmente se esquivar da questão e evitar a situação. Mas não há pra onde fugir. Por que fui embora todas aquelas vezes? Eu não sei por quê!”

Num encontro com o espírito da mãe, ela confessa que suas fugas pelo mundo resultaram em profundas crises existenciais. A solidão da caminhada a obrigou a entender seus conflitos pessoais sozinha, já que, até então, nunca compreendeu por que as pessoas foram tão horríveis com ela, porque estava deslocada de tudo.

Precisamos sentir saudade, talvez esse foi o erro de Megan: negligenciar tal sentimento.

Sentada na varanda da velha casa, ela pensa: “No fim, o que realmente importava era o que eu pensava, como eu respondia às minhas próprias perguntas. Demorei muito tempo pra perceber isso. E com o tempo, eu fiquei verdadeiramente feliz comigo mesma.”

O retorno ao antigo lar move a pergunta final: “A sua cidade natal se importa com você?”

Somos como Megan. Sujeitos em construção/contradição. Um pedaço de muitos lugares, cacos de muitas esquinas, retalhos de amores feridos, rupturas em busca de aconchego, mutações diárias, ilhas desconhecidas. Somos conexões de olhares e sabores de cidades passadas. De nenhum lugar, de todos os lugares.

No final, o cheiro da infância nos torna pessoas fortes.

19/04/2014

Uma História de Sarajevo (2005), de Joe Sacco | HQ da Semana

Diante das tensões políticas que estão explodindo na Ucrânia, Síria e uma possível re-polarização internacional, tento montar o quebra-cabeças individual desta conjuntura turbulenta. Esse “redesenhar” de fronteiras do Leste europeu e adjacências me obrigam a compreender (como professor de História) minimamente isso tudo. Assim, desde que tive acesso às reflexões de Edward Said com “Orientalismo” (2007), da diretora de cinema Kathryn Bigelow e das conversas em sala de aula, fui atrás de novas referências sobre algo que desconhecemos: O outro lado do mapa.

No meu trânsito de leitor/HQ amador, encontrei por acaso dois nomes bem posicionados no debate político que segue: Joe Sacco e Enki Bilal. Hoje quero falar de Sacco, apesar de Bilal possuir algumas convergências poéticas muito interessantes com ele. Talvez o explore nas minhas próximas pontas soltas.

Após sorrir e chorar com “Derrotista” (2006) retiro da estante “Uma História de Sarajevo” (2005). Esse livro prendeu minha leitura numa sentada, pois ele revela o quanto desconhecemos as cicatrizes de um dos conflitos mais sangrentos da História: o conflito na Bósnia entre 1992–95.

Com seu talento voltado para o jornalismo em quadrinhos, o escritor maltês desvenda o cenário de guerra a partir de um conjunto de lembranças da sua fonte mais pertinente: o ex-soldado, Neven.

A partir de pequenos pagamentos (bebidas, almoços) a Neven, Sacco é fisgado para visualizar uma memória sangrenta, marcado por grupos paramilitares que comandavam o conflito na Bósnia, formado por ex-presidiários, mercenários, artistas e qualquer um que decida lutar por Sarajevo “livre”.

Neven é seu guia, um companheiro fundamental: “Entenda, estou vulnerável. É uma guerra pelo amor de Deus, e agora que eu me envolvi nela preciso de um ombro amigo (…), alguém que me carregue suavemente pelas ruínas”.

Através da rigidez típica do seu traço em p&b, somos levados a um universo completamente desconhecido aos ocidentais (leitores da imprensa oficial), no qual o significado da vida perde o valor em nome da “limpeza étnica”, chamuscada por uma complexa teia envolvendo religião, geopolítica, intrigas e morte.

Seu quadrinho-documentário narra o processo de desintegração da Iugoslávia (1991), enquanto “na Bósnia, a república de maior mistura étnica, tudo parece estar em paz na capital Sarajevo, enquanto políticos nacionalistas sérvios debatem acaloradamente o futuro da terra que dividem”. Com o pós-guerra fria e o desmantelo da URSS, novos interesses geopolíticos configuram-se, principalmente a emancipação de países antes vinculados ao gigante soviético. Na Bósnia, a situação não foi diferente.

Trecho de "Uma História de Sarajevo" — Trecho de “Uma História de Sarajevo”

Nesse sentido, Neven faz um retrato da fragmentação a partir da formação de grupos armados que buscam impedir o cerco a Sarajevo pelos sérvios e croatas. No conjunto de soldados dedicados ao conflito, os eixos narrativos principais circulam nas experiências militares como Ismet Bajramovic, Jusuf Prazina, Musan Tapalovic e Ramiz Delalic, e seus pequenos impérios de sangue. Vale a pena frisar que não há didatismo na obra, aqui você não vai “aprender” sobre o conflito na Bósnia, mas sim mergulhar nos seus destroços.

Ao transitar por estes líderes, Neven relata uma história até então pouco conhecida sobre o conflito, da ascensão dos grupos paramilitares, as atrocidades cometidas aos civis, o impacto político que tais “exércitos” provocaram na esfera política nacional até seu enfraquecimento total, após a Bósnia neutralizar suas zonas de atuação “ilegais”.

Neven declara que “começam a se acumular provas comprometedoras contra outros senhores da guerra (…) incluindo o assassinato de cidadãos, em especial sérvios (…) os antigos heróis de Sarajevo não serão perdoados. Eles ameaçaram a autoridade do governo em casa e o envergonharam fora dela”.

Como confiar em Neven? Que limites Sacco estabeleceu para construir uma ponte entre a amizade e a confiança entre os dois? Afinal, o que este conflito representa para nós? Para Bruno Garcia, “contrariando o bom senso, o conflito completa [22] anos sendo melancolicamente ignorado pela imprensa internacional, que parece já ter extraído do evento tudo que era possível para vender jornais”.

A contribuição de Sacco para iluminar nossos olhares para o Outro reforça o abismo criado pelos ocidentais, diante de conflitos expostos nos telejornais na hora do jantar. Até quando não vamos enxergar as crises internacionais como algo que nos afeta diretamente? Inspirado em Edward Said, seria o Oriente um mito Ocidental? Até quando as bombas vão explodir em nossa indiferença? Joe Sacco, com “Uma História de Sarajevo”, provoca e atiça com o objetivo de retirar o leitor do lugar comum.

18/03/2014

Por Dentro do Máscara de Ferro, de Bernardo Aurélio | HQ

Será que temos de ser loucos para sermos heróis? Será que todos não usamos máscaras?

Não, aqui você não encontra ninguém vestido com roupas super-coloridas, poderes daqueles que soltam fogo pela boca, raios pelos olhos, muito menos lutas coreografadas. O trabalho do quadrinista e articulador cultural — isso, articulador: produtor de ambientes culturais na área das HQs em Teresina, o que falta a muitos criadores hoje em dia — Bernardo Aurélio passa longe das explosões gratuitas dos nossos amados heróis imperialistas, mas com uma influência fundamental no seu processo criativo.

Antes de falar de “Por Dentro do Máscara de Ferro”, vale a pena situar a importância do autor na cena das HQs na cidade. Autor de “Foices e Facões – A Batalha do Jenipapo” (junto com Caio Oliveira, seu irmão e artista dos bons, que participa do livro como desenhista convidado), Bernardo faz parte do Núcleo de Quadrinhos do Piauí, onde organiza (ao lado de uma equipe muito coerente) feiras temáticas em Teresina desde 2001 até então, movimentando o circuito dos quadrinhos independentes por aqui com muita responsabilidade.

O culpo diariamente por me tornar um apaixonado pelos quadrinhos há quase um ano. Depois da indicação de “Batman: Ano Um” não consigo parar de ler HQs. Enfim, vamos voltar ao que interessa!

“Por Dentro do Máscara de Ferro” é um livro que te atrai fisicamente. Grande, vermelho, com uma capa impossível de resistir à leitura, gostoso de segurar e carregar por aí. Um diferencial que gostei foi o cruzamento com outras linguagens, marcados pela inserção do texto em prosa no início da história, seguindo com seus traços em p&b, bem como a preocupação com a paisagem sonora nos momentos mais importantes da saga. Música e HQ transitam no mesmo espaço.

Já no índice, Bernardo lança para o leitor uma trilha indicada, prescrição sonora que desobedeci — quando comecei a ler, veio outro barulho na minha cabeça, já que na minha construção sonora do personagem couberam outros sons, como Ten Years After e alguns momentos de Neil Young — para experimentar outras possibilidades de leitura e exercícios particulares de imaginação.

A cada situação valiosa na trama, Bernardo faz as indicações sonoras aparecerem ao leitor, como podemos visualizar em Acelerando em marcha ré, com a trilha “Foi tudo culpa do amor”, de Odair José ou “As rosas não falam”, de Cartola, e outras sequências musicais articuladas ao enredo. Assim, Bernardo abre espaço para ampliar as sensações do público, tornando seu trabalho mais sonoro-visual-pop-experimental. Um jogo de mixagem que deve ser feito tanto com as músicas sugeridas e as que compõem o universo do leitor, sacudindo as experiências do personagem.

Numa oficina de carros, o jovem mecânico tenta recuperar o motor de um Maverick (entra o som de Alvin Lee e Ten Years After… viu? Não pude evitar). Neste cenário é que a história do Máscara inicia em texto-prosa. Sua mente está dividida entre o fim de um relacionamento e o trabalho que o consome, a rotina, a repetição, a vontade de mudar o percurso: “tenho pensado em tentar coisa nova (…). O problema é esse: não sei o que quero. Só sei que preciso sair dessa oficina vez ou outra (…)”.

Uma inquietação move aquele mecânico, algo estava fora do lugar. A operação de reviver o Maverick foi um fracasso. Fecham-se as portas da oficina. A paisagem fica cada vez mais noturna e úmida. Um leve chuvisco, daqueles leves e demorados, com relâmpagos e trovões ao fundo. Nosso olho está do lado de fora da garagem aparentemente vazia e triste, esperando algo acontecer, pois dá pra ver lá dentro que a luz está acesa.

“A garagem abre. Dois faróis acendem (…). A Kombi ganha a rua. Dentro dele, pela primeira vez, a alma de um aventureiro encontra aquele botão de adrenalina escondido, que injeta batidas fortes no peito”. Eis que explode o Máscara de Ferro.

Caracterizado por uma máscara típica dos soldadores, carregando no seu “cinto de utilidades” um maçarico, umas chaves de boca e roda, martelo, pregos, porcas, um cano e o “antigo 38 do meu velho pai”, o Máscara de Ferro sai em busca de aventuras nas noites de Teresina.

Entre ações frustradas como “super-herói” da noite e explorações das suas habilidades, o Máscara abre para nós uma reflexão que move sua caminhada: “Será que temos de ser loucos para sermos heróis? Será que todos não usamos máscaras?”

E assim, vamos acompanhando o processo de autodescoberta do Máscara. Após a cômica “carga dramática” que movimenta a performance do nosso herói, ele salta pelo ar e vivencia um conjunto de experiências fundamentais para reorganizar seus sentimentos, mesmo em conflito com seu melhor amigo: “Alguma vez, da altura desses teus vinte e poucos anos, tu já sentiu uma maldita certeza de que queria fazer alguma coisa na vida e que só o que te impedia era tu mesmo?”

Caminhando por Teresina (já escura), ele vai em direção aos seus fantasmas, pois a sua máscara é o instrumento que potencializa todas as suas vontades mais secretas, agora compartilhadas entre nós. É aí que fui imaginando os traços autobiográficos em convergência entre Máscara e seu autor, que o toma como elemento para explorar paisagens talvez inabitadas, se não houvesse a armadura construída para tal.

A busca por justiça, ameaçada por um desejo mal compreendido? A angústia e a vontade de invadir os olhos da antiga amada? Uma curiosidade insistente pela felicidade dela? Por que tomar os olhos dos outros? “Você ainda não conseguiu colocar uma pedra por cima disso”? Estaria o Máscara, (como todos nós) buscando uma armadura para resolver seus conflitos mais íntimos? Quantas Kássias precisamos (diariamente) para exorcizar nossos demônios, a fim de reinventar a noção de desejo e todo aquele pó que cobre nossas taras? Aqui entra Marina Lima (na minha trilha sonora), situando o amor dos dois: “Os dois cansados, de tanto amar, empapuçados, pra poder fugir, os dois cansados, de viajar, maravilhados, pra poder fugir, enquanto você se afasta me desenterro…”.

Nada como a água para purificar os conflitos internos, mesmo com Deus cuspindo verdades que a gente não quer ouvir. Às vezes a gente toma o aprendizado como algo doloroso e é dessa forma que vejo o Máscara, um personagem que carrega a vontade de desbravar todos os seus limites e de conhecer esferas que fogem das convenções estabelecidas. Como invadir sem proteção? Como não sentir dor se algumas explorações podem nos custar um preço alto?

Todos os desbravadores da vida, seja por meio lícito ou não, guardam nas mochilas suas máscaras de ferro, pois o corpo não suporta todas as pressões: “somos tão falíveis”!

Sentado na calçada, conversando com uma garota perto da Ponte Metálica, talvez o Máscara tenha encontrado algum estilhaço que possa ser útil para aliviar seus conflitos. “Sabe o que acontece quando se pede algo a Deus? Ele te dá a oportunidade de provar para si mesmo se você merece o que quer… depende mais de você e das suas escolhas do que da vontade dele”.

Os demônios que o cercam são expulsos para que um Amor possa entrar. O Máscara enfrenta todos os seus inimigos interiores, amplia todos os seus horizontes de experiência, para finalmente completar seu objetivo mais importante: se reencontrar a partir do outro.

Bernardo é o Máscara de Ferro? E você? Aonde você esconde a sua? Já explodiu em si mesmo para arrancar as armaduras que o impedem de viver um grande amor? Não seria a nossa máscara um artefato moralista-conservador diante da maravilhosa possibilidade de transitar pelo Inferno e por vários corpos oferecidos por Dino Buzzati? A diferença entre Máscara e Orfi é que aquele não usa violão para lutar contra seus maus espíritos, mas convergem no mesmo “inventário de ‘baixezas’ e de ‘nobrezas’, aquelas que se abrigam no coração de todos” (TOSCANI, Cláudio).

Orfi sofre o luto de não capturar Eura e o Máscara vive feliz, jogando fora sua armadura para poder (finalmente) olhar sem medo para a mulher que ama, encerrando uma saga interior, pois “poucas coisas no mundo devem ser como estar no fundo da rede com quem você quer”. A vida segue.

09/03/2014

Revolta! | HQ da Semana

Notícias sobre corrupção no governo não são nenhuma grande novidade e estão cada vez mais presentes no nosso cotidiano. É difícil não mostrar certa indignação a respeito do assunto em conversas com nossos conhecidos e amigos, ficando a discussão ainda mais acalorada em bares, onde o efeito do álcool se une ao forte sentimento de indignação. Quem aqui nunca pensou que talvez seria mais fácil se alguém colocasse uma bala na cabeça desses políticos corruptos para resolver de vez a situação?

É justamente a notícia de uma pessoa que resolveu tomar esta atitude, que cinco amigos escutam na televisão enquanto estão bebendo no bar, conversando sobre suas revoltas com a situação política do país. Na saída, eles acabam esbarrando com esse mascarado assassino e a vida de todos atravessa uma profunda transformação. Assim começa “Revolta!”, uma HQ roteirizada e desenhada pelo curitibano André Caliman, publicada mensalmente, desde outubro de 2012, em seu blog oficial.

O projeto iniciou antes das primeiras passeatas do país, quando ainda pairava no ar um clima desconfortável de calmaria. Na época, André (que é também escritor, ilustrador, caricaturista e professor), queria fazer algo mais autoral, que fosse relevante e falasse sobre o momento atual brasileiro. Quando começou a publicar a história na internet, viu que ela poderia tomar proporções bem maiores e que também havia uma certa urgência para publicá-la, pois a realidade estava se mostrando coerente com suas ideias. Assim, decidiu financiar coletivamente o seu trabalho, através do Catarse, para transformá-lo em um livro, conseguindo inclusive atingir um valor maior do que sua meta inicial em outubro de 2013.

Além da arte muito bem trabalhada, feita inteiramente a mão com nanquim, a história é o grande destaque desta HQ. Com personagens bem complexos, não há aquela divisão simplista de bom/mau e, por conta de várias reviravoltas e surpresas, o enredo prende o leitor de uma forma alucinante entre seus capítulos. É aquele tipo de leitura que uma vez que você inicia, não consegue mais parar.

Por enquanto, a história ainda não foi publicada por inteiro no blog da HQ, mas já está finalizada e em breve os apoiadores do projeto no Catarse deverão recebê-la em suas casas. Posso afirmar que não é fácil quando você se depara com o aviso “Em breve” ao chegar no último capítulo disponível, mas a espera por cada novo capítulo está valendo a pena!

Se você ficou interessado em saber um pouco mais sobre o autor e a obra, confira a entrevista com o André Caliman que o interrogAção fez.

13/01/2014

Entrevista: André Caliman

Iniciando o nosso ciclo de entrevistas com autores nacionais de Histórias em Quadrinhos, conversamos diretamente de Curitiba com o André Caliman, que recentemente teve seu projeto “Revolta!” financiado pela plataforma Catarse.

André também é escritor, ilustrador, caricaturista e professor. Ele foi um dos criadores da revista Quadrinhópole e também da revista Avenida, possuindo vários de seus trabalhos publicados tanto nacionalmente quanto internacionalmente, como as HQs: “Rua”, “Fire”, “Sequestro em Três Buracos” e “E.L.F”.

Como surgiu a ideia de criar “Revolta” e qual foi o estopim para o projeto sair apenas do mundo das ideias?

Escrevi e desenhei o primeiro capítulo em Outubro de 2012. A situação não era a mesma que vivemos agora. Na verdade era bem o contrário. Pairava no ar uma calmaria desconfortável. Parecia que um jogava no outro a culpa por ninguém fazer nada com relação aos escândalos de corrupção. Quantas vezes, em alguma discussão política, eu ouvia alguém falar, não necessariamente pra mim: “Ah, é?! E você, o que está fazendo sobre isso?”

Outro comentário recorrente era: “Quero ver quando chegar algum maluco e matar esses ladrões!”

Nessa época eu queria fazer um projeto meu, e algo que fosse relevante, que falasse sobre o momento atual e sobre essas pessoas que eu encontrava em bares, faculdades, etc. Imaginei o que aconteceria se as pessoas se revoltassem. Ou ao menos, se uma pessoa se revoltasse.

O resto da história veio naturalmente.

Você já pensava desde o início em utilizar o crowdfunding para viabilizar uma versão impressa da HQ?

Não, a ideia era simplesmente escrever e desenhar e esperar que as pessoas lessem. Eu não sabia muito bem no que isso ia dar. O primeiro capítulo, que retrata o bar que eu sempre frequentava e os amigos com os quais eu sempre estava, foi umas das coisas mais divertidas que já fiz. Quando a história foi tomando corpo e vi que seria um grande livro e precisava ser publicado o quanto antes, pois a realidade se mostrou coerente com a ficção, o Catarse pareceu a melhor opção, me valendo do público que já acompanhava a HQ na internet.

Como foi o planejamento para criar a campanha deste seu primeiro projeto de crowdfunding? Onde você sentiu, ou sente, mais dificuldade?

“Revolta!” é uma HQ mais marginal, violenta, transgressora. E quando coloquei ela no Catarse, me deparei com uma suposta obrigação de torná-la comercial, um produto que precisava ser comprado. E o desafio foi fazer isso sem descaracterizar a obra e sua intenção provocativa. Acho que deu certo.

andre-caliman-3 — André trabalhando na HQ “Revolta!”

Há vários projetos de HQs que conseguiram ser viabilizados graças a essa nova dinâmica, para citar apenas alguns: “GNUT”, “RYOTIRAS OMNIBUS” e recentemente o livro “Ícones dos Quadrinhos”. Você acredita que o modelo de crowdfunding pode ser, ou já está sendo, uma grande revolução no cenário nacional dos quadrinhos?

Acho que sim, pois há muito tempo são os próprios autores de quadrinhos que fazem o mercado nacional. As editoras tem uma misteriosa dificuldade para apostar em coisas novas e autores novos. Então o Catarse vem como uma ferramenta para tirar essa dificuldade que os autores tem de atingir o seu público e vender seu produto diretamente.

Por que você decidiu lançar a HQ gratuitamente na internet? Você acredita que isto pode ter um impacto negativo numa futura venda da versão impressa de algum projeto deste tipo?

Acho que não. Pretendo manter o público que começou a ler a HQ gratuitamente no blog, fazendo-os conhecer mais do material e eternizá-lo em suas prateleiras com o livro impresso. Fora que essa inciativa de publicar gratuitamente também teve um intuito de atingir um público mais amplo, que não está acostumado e comprar quadrinhos. Mesmo porque, antes disso, precisa saber que existem bons quadrinhos sendo feitos.

Você já trabalhou roteirizando e desenhando (“FIRE” e “Avenida”), somente desenhando (“E.L.F.” e “Sequestro em Três Buracos”) e recentemente participou em um projeto que apenas roteirizou. Qual você mais gosta de fazer? Como foi trabalhar só escrevendo?

Eu gosto cada vez mais de escrever. E a atualidade está me dando muitas ideias que quero abordar. Não consigo mais me satisfazer desenhando roteiros de outras pessoas que falam de personagens que já não existem há cem anos.

E, para mim, a única forma de ser um quadrinista completo é escrever e desenhar histórias próprias. Recentemente eu escrevi um roteiro que foi desenhado por uma quadrinista super talentosa daqui de Curitiba, a Marina Tyemi, e gostei da experiência.

Mas como disse, não é um trabalho autoral completo.

Você também já possui trabalhos publicados no exterior (“E.L.F.” e “Fire”), como foi essa experiência?

Antes ainda de me formar, comecei a desenhar a série E.L.F. escrita pelo Jason Avery. Antes disso, eu havia feito apenas revistas independentes, então foi um momento de profissionalização do meu trabalho. Tinha muita preocupação com o resultado, e isso me fez crescer muito, pensando novas formas de resolver meu desenho.

Também foi muito bom ser bem remunerado e publicado lá fora. É um mercado para o qual eu quero voltar, mas com projetos próprios.

Falando em publicar no exterior, há planos de no futuro sair uma versão em inglês de Revolta?

Sim. Mas antes preciso publicar aqui. A história pertence a este país e esse é o momento de ser publicada aqui. Mas num passo seguinte, com certeza.

Acho que o tema da Revolta é universal. E os conflitos dos personagens da HQ com certeza são reconhecíveis em qualquer parte do mundo. E isso fica provado com algumas críticas que recebo no blog onde a HQ é publicada. As pessoas sempre criticam aquilo que as aflige, que as provoca. E na minha opinião, é isso que uma boa história deve causar nas pessoas.

Quais são os autores e artistas que exercem algum tipo de influência no seu trabalho?

Muitos, mas eu poderia citar alguns: Hugo Pratt, Flavio Colin, Victor de La Fuente, Dino Battaglia, Lourenço Mutarelli.

Se você pensar na sua trajetória até agora no mundo dos quadrinhos, houve algo específico que te deixou extremamente revoltado?

Algo óbvio: As editoras nacionais se empenharem tanto em republicar material estrangeiro e não fazerem muito esforço para apostar em algo feito aqui, muitas vezes com uma qualidade maior.

Inclusive autores brasileiros que estão acostumados a publicar por editoras estrangeiras, que possuem trabalhos autorais superiores ao que fazem lá fora, encontram dificuldade em achar espaço com as editoras daqui.

Acho que a atitude a ser tomada pelas editoras é: Apostar em coisas novas e interessantes. Os autores já estão fazendo isso, e se elas não os acompanharem, vão ser deixadas cada vez mais de lado.

Na maioria das vezes que te vi desenhando Revolta, você estava com fone de ouvido. Que tipo de música você costuma escutar para desenhar?

Na maioria das vezes ouço palestras filosóficas. Hahaha

Ouço todo tipo de música.

Analisando o cenário atual de HQs, tanto nacionalmente quanto internacionalmente, quais são os quadrinistas que mais estão chamando a sua atenção?

Gipi, Sean Murphy, Danilo Beyruth, Cyril Pedrosa, Guazzelli, Craig Thompson.

Muito se discute sobre os novos jeitos de se criar quadrinhos na web, adicionando animações, interatividade e até realidade aumentada. Como você vê isso? Acredita que ainda possam ser chamados de quadrinhos ou é outra coisa? Tem alguma dessas novas possibilidades que você gostaria de explorar?

Quando você muda de formato, é natural que perca alguns elementos e ganhe outros. Acho que essas possibilidades tem que ser bem aproveitadas. E se chegarem ao ponto de se tornarem outra coisa que não quadrinhos, ótimo. Os quadrinhos vão continuar do jeito que são.

Não penso em nada do tipo agora, mas é uma possibilidade.

Na maioria de seus quadrinhos você sempre aparece de alguma forma, as vezes você mesmo é o personagem principal das histórias e em outras as vezes aparece discretamente apenas em um desenho. Essa aparição é algo estilo Hitchcock ou tem algum significado específico?

É inevitável. Em todos os personagens há um pouco de mim e quando eu retrato a mim mesmo, tem um pouco de outras pessoas ali. E isso acontece porque gosto de humanizar bastante meus personagens, torná-los reconhecíveis. A minha melhor referencia sou eu mesmo e as pessoas ao meu redor.

No Revolta, além de você como referência para o “Animal”, há também há seus amigos como inspiração para o visual dos personagens. Até onde eles se misturam com a realidade?

No começo da HQ, eu queria que os personagens fossem eles mesmos, inteiramente. Mas conforme a história foi avançando, os personagens foram se definindo dentro da trama de formas diferentes. E me dei a liberdade de dar autonomia aos personagens, desvinculando-os em parte das pessoas que os inspiraram. Mesmo assim, ainda agora quando vou desenhar os gestos dos personagens ou colocar uma fala nos balões, penso nos meus amigos que serviram de modelo. Isso enriquece e humaniza muito cada um dos personagens.

Alguém já reclamou por ter se visto desenhado em algum dos quadros da HQ?

Não, todo mundo gosta. (até agora)

Você acha que é possível a ideia principal do Revolta sair do papel e se transformar em realidade?

Foi uma sensação estranha quando, em Junho, eu vi na televisão as manifestações no Brasil todo. Foi quase como se a HQ estivesse se tornando realidade, pois esse era o caminho para o qual eu estava direcionando a trama.

Quando eu participei das manifestações, vi e senti o que estava acontecendo, sabia que eu deveria aproximar ainda mais a HQ da realidade. Se antes eu havia invadido as ruas, colando páginas nas paredes, agora as ruas pareciam estar entrando na HQ. As pessoas que eu desenhava gritando agora gritavam de verdade. E eu deixei que elas entrassem de volta nos quadrinhos. E tudo fez muito mais sentido.

Ainda assim, é uma peça de ficção, e o que eu vi se tornar realidade foi o clima da HQ, a intenção de gritar, falar, se revoltar, reclamar. E não se preocupar se tem um bando de gente dizendo que tudo não passa de uma ingenuidade, porque querem parecer cultas e controladas, quando no fundo o que querem é estar ali gritando junto, mesmo na chuva e depois de um dia de trabalho duro.

andre-caliman-revolta-2 — Trecho da HQ “Revolta!”

Vários quadros do Revolta são bastante cinematográficos, as vezes é quase possível escutar o que está acontecendo em cada um deles. Isso me fez ficar imaginando que tipo de trilha sonora a HQ teria. Qual seria a sua indicação de tracklist perfeita para escutar enquanto se lê Revolta?

Acho que de tudo um pouco, não consigo pensar em uma trilha específica. Mas posso dizer que eu colocaria algumas coisas épicas para os capítulos que ainda estão por vir.

Quais ferramentas físicas e virtuais você utiliza para desenhar este projeto?

Eu desenho tudo com pena e nanquim em papel A3. Depois faço um tratamento no photoshop e coloco as letras. Gosto de manter a simplicidade que os quadrinhos permitem.

Muito legal a sua ideia de colar algumas páginas pela cidade, como está sendo o retorno desta iniciativa? Já pensou em colar eles em algum lugar bem inusitado mas ainda não teve coragem?

O retorno é muito bom. As pessoas me mandam e‑mails, comentam, mas a maior parte do retorno é silencioso. Eu gosto de pensar que as pessoas olham a página colada em algum lugar, gostam ou desgostam e voltam à sua vida normal.

Eu sempre penso em colar onde as pessoas possam ler. Pontos de ônibus, paredes de bares, faculdades. Eu faço isso apenas para as pessoas lerem, e não para provocar os donos de estabelecimentos.

Mas eu gostaria de colar dentro dos ônibus ou dentro da prefeitura.

Você já tem ideia no que quer trabalhar depois deste projeto?

Primeiro eu vou tirar férias (curtas). Mas já tem alguns projetos quase acabados que vão sair logo em seguida do Revolta!

Depois pretendo enveredar por quadrinhos jornalísticos por um tempo.

Mas tudo isso só depois de publicar o livro do Revolta!, que é a minha prioridade.

Para finalizar a entrevista: o sentimento de revolta pode ser um grande catalisador, o que te move a desenhar?

Quando eu comecei a ler, quadrinhos e livros (lá na adolescência), me surpreendi com a possibilidade de conhecer novas ideias e principalmente pensar sobre elas, seja concordando ou discordando. É isso que eu busco agora como autor, abordar ideias, de várias formas. E com isso, sacio a minha necessidade de me expressar.

E o que me mantêm escrevendo e desenhando é ver que as pessoas estão lendo.

Por isso, agradeço a todos que acompanham o blog e que contribuíram no Catarse. O livro da “Revolta!” vai existir graças a vocês.

Obrigado.

22/10/2013

Ratolândia (Rat Park)

Consultoria científica da tradução por Luís Fernando Tófoli. O interrogAção é o tradutor oficial das HQs do Stuart McMillen.

21/10/2013

Folheteen: direto ao ponto | HQ da Semana

Arranjar um novo emprego, ajudar a pagar o aluguel e as contas da casa, estudar pras provas no colégio, aceitar o novo namorado da mãe dentro da família. Esses são os problemas de Malu.

Malu não tem super-poderes, não precisa salvar o mundo, não teve uma experiência traumática, não vive uma grande história de amor. Ela é a menina que te atende no caixa do supermercado, é a menina que distribui folhetos nos sinais de trânsito.

Essa é a protagonista do álbum Folheteen: direto ao ponto, escrito pelo curitibano José Aguiar. E a cidade de Curitiba se faz presente em toda a história, nos detalhes dos lambrequins, prédios, pontos de ônibus. Ainda assim, não é uma história bairrista. A moça Malu poderia morar em qualquer cidade. O forte do álbum é essa narrativa despretensiosa e adorável sobre essa menina absolutamente comum.

A trama de Folheteen começa quando a protagonista perde seu emprego no supermercado. A partir disso, acompanhamos as dúvidas e preocupações de Malu, tentando ajudar a manter sua casa, equilibrando estudos com sua vida pessoal. Ela precisa resolver problemas dentro de sua família e, principalmente, problemas dentro de si mesma.

Os personagens no traço de José Aguiar ganham uma forte expressão gráfica em linhas geométricas e formas simples. O estilo de desenho ajuda na narrativa que flui de maneira natural e aumenta ainda mais a sensação de “cotidiano”.

Trata-se de um trabalho honesto, muito bem realizado e cheio de humanidade. O acabamento gráfico do álbum é belíssimo e ainda apresenta um texto sobre a carreira profissional do autor e a gênese de sua obra.

Folheteen: direto ao ponto foi lançado agora, em de junho de 2013, e pode ser encontrado nas livrarias e comic shops com preços variando entre R$40,00 e R$49,00. Você também pode adquirir um exemplar direto com o autor, autografado, pelo e‑mail projeto.quadrinho [arroba] gmail [ponto] com.

Folheteen: direto ao ponto
Autor: José Aguiar
Editora: Quadrinhofilia
Preço: Entre R$ 40,00 e R$49,00

16/06/2013

Vertigo Especial: Atire | HQ da Semana

Lançada esse mês, essa edição de 232 páginas reúne um grande apanhado de diversas histórias publicadas pelo selo Vertigo, da editora norte-americana DC Comics. A maioria são histórias curtas, de 8 páginas em média, falando sobre fantasia e ficção científica. Mas há aquelas que fogem desse tema.

Atire é uma delas e recebe grande destaque, sendo capa da edição. A história, protagonizada pelo mago John Constantine, causou muita polêmica. Ela foi completamente censurada na época de sua realização, em 1999, e só veio a ser publicada em 2010.

A trama de Atire mostra uma investigadora do congresso norte-americano tentando compreender o porquê de uma série de matanças que aconteciam nas escolas do país. Crianças e adolescentes que matavam outros e se suicidavam. Seria culpa de videogames, drogas, violência na tv? Durante a investigação, a mulher percebe a presença de Constantine em muitas filmagens feitas em cenários de diversos crimes. A princípio isso levaria o leitor, que acompanha as histórias do personagem, a imaginar que os assassinatos seriam causados por forças sobrenaturais. Mas o real motivo das mortes que John Constantine sugere é muito mais perturbador e corriqueiro. A conclusão da história é impactante.

Atire foi escrita e estava prestes a ser publicada quando aconteceu o massacre em Columbine. A editora DC Comics sugeriu alterações na história, que o autor Warren Ellis não aceitou. Então, a editora decidiu simplesmente não publicar e arquivou o material. Inconformado, Ellis demitiu-se.

Embora Atire seja a principal atração, a melhor HQ da revista é Mate seu namorado, um dos roteiros mais inspirados e instigantes do escocês Grant Morrison. A mais longa história apresentada nessa edição, com 56 páginas, Mate seu namorado não tem nada a ver com fantasia ou ficção científica. Trata-se de uma trama sobre amor, violência, rebeldia e adolescência, que lembra um bocado filmes como Assassinos por Natureza (1994).

Recorte de uma das páginas de “Mate seu namorado”

Vertigo Especial: Atire apresenta diversos autores e desenhistas renomados em suas páginas, como Morrison, Ellis, Brian Azzarello, Garth Ennis, Peter Milligan, Jim Lee, Frank Quitely, Brian Bolland, Jeff Lamire, Eduardo Risso e muitos outros.

Como toda coletânea, há histórias fracas, porém a média do material apresentado é ótima. Vale conferir com atenção as HQs Parceiros, Ultra: o multialien, Brinquedos Novos, O Kapas… Enfim, trata-se do lançamento com a melhor relação qualidade/custo do mês.

Vertigo Especial: Atire
Autores: diversos
Editora: Panini
Preço: R$19,90

06/06/2013

Frequência Global | HQ da Semana

A Frequência Global é uma força-tarefa não governamental, independente, composta por 1001 agentes. Miranda Zero, a líder do grupo, e Aleph, a moça que coordena a comunicação da equipe, são as únicas personagens constantes nas histórias. O elenco da equipe principal, assim como os próprios desenhistas da série, não se repete nunca.

A partir dessa premissa, Warren Ellis cria 12 episódios que podem ser lidos em qualquer ordem. São histórias fechadas que versam sobre diversos temas, ancorados em ideias contemporâneas sobre sistemas de informação e tecnologia. Frequência Global lembra um pouco o espírito do seriado Arquivo X, com a equipe reunindo-se para resolver situações extraordinárias.

Cada caso requer uma habilidade específica e sempre há urgência na ação. Assim, uma bomba escondida em Londres pede uma especialista em le parkour para encontrá-la a tempo, uma invasão alienígena via um vírus cognitivo deve ser combatida por uma especialista em linguística, e por aí vai.

Como cada missão requer um tipo de agente e não há necessariamente um protagonista fixo, nunca se sabe se o personagem que acompanhamos conseguirá cumprir sua missão ou chegar vivo ao final da história.

Além do ritmo acelerado e da ação constante, Warren Ellis enriquece suas tramas apresentando conceitos tecnológicos instigantes e explorando-os dentro de uma ficção fantástica.

A série foi escrita entre 2002 e 2004 e muitas das ideias tecnológicas abordadas por Ellis já não impressionam mais. Ainda assim, vale acompanhar pelos outros méritos da série, como o roteiro instigante e as criativas situações.

O grande mérito de Frequência Global é a valorização do trabalho coletivo. É a coletividade, a cooperação e a diversidade de seus agentes que permite atingir soluções para os problemas mais terríveis e emergenciais.

Frequência Global — Volumes 1 e 2
Autores: Warren Ellis (roteirista) e diversos desenhistas
Editora: Panini.
Preço: R$ 39,90 (volume 1) e R$42,00 (volume 2)

28/05/2013

O Inescrito | HQ da Semana

Essa história em quadrinhos mostra um mundo muito, muito parecido com o nosso. A principal diferença é que nele o maior best-seller de fantasia não é Harry Potter, mas um garoto bruxo chamado Tommy Taylor. Ao invés de enfrentar Voldmort, o inimigo é Conde Ambrósio. No lugar de uma coruja, temos um gato com asas.

O autor Wilson Taylor escreveu 13 livros com as aventuras de Tommy e então desapareceu misteriosamente. Seu filho, Tom Taylor, jamais descobriu o que aconteceu ao pai. Hoje, Tom ganha a vida participando de convenções, autografando pôsteres e livros e tirando retratos com a legião de fãs do personagem que inspirou.

Tudo vai muito bem até que aparece uma moça que tenta convencer Tom de que ele não é bem quem pensa que é.

Essa é a premissa de O Inescrito, série de quadrinhos que começou a ser lançada no Brasil esse ano e que se encontra em seu segundo volume. Os autores baseiam-se claramente na obra de J.K. Rowling, mas com outra abordagem. Ao invés de falar de mágica, eles querem falar de literatura e ficção.

À medida que se acompanha as aventuras de Tom Taylor, percebemos que a história é fantástica, mas baseia-se na força das ficções, dos personagens inventados. Partindo da premissa que algo não precisa ser real para ser verdadeiro (e vice-versa), os autores apresentam uma trama instigante onde os mistérios do destino de Wilson Taylor, de uma sinistra organização secreta e de um mapa com os locais de livros e ficções se misturam e prendem a atenção do leitor.

Além do bom ritmo e do suspense, as referências à literatura, cultura pop e mídias são excelentes e dão uma dimensão dinâmica e extremamente contemporânea à história. Vale muito a pena conhecer e acompanhar a trajetória do senhor Tom Taylor.

O Inescrito
Autores: Mike Carey (roteiro) e Peter Gross (desenhos)
Editora Panini
Preço: R$ 18,90

21/05/2013

Homem-Aranha 2099 | HQ da Semana

homemaranha2099-capa — Edição lançada pela Panini

No começo da década de 1990 a editora Marvel tentou lançar uma nova versão de alguns de seus personagens mais populares. Imaginando um mundo futurista, cheio de elementos tecnológicos de ficção científica e uma sociedade com um forte legado cultural dos super-heróis, o selo “2099” chegou às bancas com quatro títulos apresentando versões do Justiceiro, Dr. Destino e Homem-Aranha. O quarto título era um personagem inédito chamado Ravage. Mais tarde, diversos outros personagens entraram para o universo 2099: X‑Men, Hulk, Motoqueiro Fantasma.

Essas versões futuristas foram publicadas nos Estados Unidos entre 1993 e 1996. No Brasil, a série fez bastante sucesso. Dentre todos os títulos, o mais popular era o Homem-Aranha. Mas ele não tinha muito a ver com o Peter Parker que conhecemos hoje. Em 2099, o Homem-Aranha era um cientista, empregado de uma grande corporação, chamado Miguel O’Hara. Geneticista, ele se inspira no herói dos nossos dias para criar um novo tipo de ser humano, capaz de escalar paredes e dar saltos de 15 metros.

Como toda boa história de super-herói, O’Hara é vítima de um acidente no laboratório que, ao invés de matá-lo, lhe confere superpoderes. Esse Homem-Aranha do futuro possui garras nas pontas dos dedos e com elas é capaz de escalar paredes, além de rasgar inimigos. Também é capaz de produzir organicamente a própria teia, produz veneno, é sensível à luz. Enfim, é muito mais “aranha” do que o Homem-Aranha atual.

O grande atrativo desse gibi é o roteiro de Peter David. Ele cria uma sequência de histórias alucinante, onde o pobre Miguel O’Hara vai saindo de uma encrenca para entrar em outra pior ainda num ritmo frenético. Mas o melhor são os diálogos. Peter David dá a Miguel O’Hara um senso de humor sensacional, mordaz, cínico. É difícil não rir ao ler as histórias. Além disso, o roteirista também não leva a sério a história como um todo: sempre há espaço para uma piada, para uma brincadeira ou uma situação engraçada.

Homem-Aranha 2099 é lançado como encadernada, que reúne as 10 primeiras histórias do personagem publicadas em 1993 e 1994. É boa, despretensiosa e pura diversão.

Homem-Aranha 2099
Autores: Peter David (roteiro) e Rick Leonardi (arte)
Editora: Panini.
Preço estimado: R$ 22,90

15/05/2013

Valente para todas | HQ da Semana

Quem nunca deu suas cabeçadas por causa de amor? Quem não meteu os pés pelas mãos, fez confusão, quem nunca teve dor-de-cotovelo? Quem acredita em amor?

Se essas perguntas mexem com você, Valente para todas é um livro de quadrinhos que vai te agradar em cheio. Valente, Dama, Bu, Princesa e outros personagens parecem apenas mais um punhado de bichinhos fofinhos, mas quando começar a ler as aventuras dessa turma vai perceber que ali tem muito mais do que fofura.

O autor, Vitor Cafaggi, recria com esses simpáticos personagens situações com as quais que todo mundo que já foi adolescente apaixonado (ou apaixonada) vai se identificar. Seu texto é ótimo, os diálogos são cativantes e a trama, baseada em um inusitado triângulo amoroso, não deixa largar o livro antes do fim.

As histórias tem o formato de tiras em quadrinhos, que funcionam muito bem quando reunidas em um só livro, mantendo coerência e continuidade.

Valente para todas é o segundo volume de uma série, dando continuidade às histórias de Valente para sempre. Graças a uma boa apresentação resumindo os eventos anteriores, é perfeitamente possível ler e se envolver com as desventuras do cãozinho.

Cafaggi pretende fazer uma série com cinco livros contando a saga de Valente. O final do segundo volume deixa o leitor ansioso pela continuação.

Também é possível conferir todas as aventuras do personagem no blog do autor, que disponibiliza semanalmente atualizações das aventuras de Valente.

Para adquirir Valente para todas, entre em contato direto com o autor por e‑mail (vitorcafaggi [arromba] gmail [ponto] com) ou acesse o site da Comix , onde estão disponíveis os dois álbuns da série.

Valente para todas
Autor: Vitor Cafaggi
Publicação independente.
Preço: R$ 12,00

07/05/2013

Asterios Polyp | HQ da Semana

Ignazio era irmão gêmeo idêntico de Asterios Polyp, mas morreu durante o parto. Sua ausência foi sentida pelo sobrevivente durante toda sua vida e é justamente esse gêmeo fantasma que narra essa história fabulosa sobre arte, caos e ordem.

O autor Dave Mazzucchelli trabalhou nesse livro durante 10 anos. Durante os anos 80 desenhou alguns clássicos dos quadrinhos de super-heróis, como Batman – Ano Um e Demolidor – A Queda de Murdock. Ao longo dos anos 90 dedicou-se à produção de diversas histórias em quadrinhos alternativas. Asterios Polyp foi sendo desenvolvido lentamente, enquanto Mazzucchelli lecionava na School of Visual Arts de Nova York. E, de fato, é a obra-prima do autor.

Asterios Polyp é uma ironia viva. Um brilhante arquiteto que foi consagrado no meio acadêmico graças à inovação e ousadia de seus projetos, que, apesar de geniais, jamais foram construídos.

Mazzucchelli explora ao máximo a linguagem dos quadrinhos, brincando com recursos gráficos como cor e estilos de desenho para ampliar a gama de significados que permeiam a história. O design da edição é belíssimo e todo detalhe tem função narrativa.

Polyp interage com diversos personagens interessantes, cada um interpretando uma perspectiva sobre a vida, a arte, o caos e a ordem. Para cada personagem foi desenvolvida uma caligrafia especial para caracterizar suas falas.

Ao mesmo tempo em que aborda diversas ideias e abre portas para muita discussão e reflexão, o livro não é em nenhum momento pedante ou modorrento. A narrativa flui e os personagens cativam o leitor. Além de Asterios, a adorável Hana, a excêntrica Ursula e o vaidoso Willy Ilium se destacam.

Trata-se de uma obra espetacular, plena de significados e leituras, que conquistou a crítica ao redor do mundo e estabeleceu um novo patamar de qualidade para as chamadas graphic novels.

Quem quiser se aprofundar um pouco mais na obra, veja também este post no meu blog que escrevi sobre ele.

Asterios Polyp
Autor: David Mazzucchelli
Editora: Quadrinhos na Cia.
Preço estimado: R$ 63,00

30/04/2013

Xampu | HQ da Semana

Roger Cruz trabalhou muito tempo como desenhista de gibis de super-heróis. X‑men, Hulk, Motoqueiro Fantasma. Mas em 2009, entre um trabalho e outro, Cruz arranjou tempo pra fazer uma série de histórias com um estilo de desenho, enredo e espírito completamente diferentes do modelo do super-herói.

O álbum Xampu reúne essas histórias que falam sobre pessoas comuns, jovens e adolescentes, em São Paulo no final da década de 1980. Pra quem viveu essa época, o álbum tem um sabor de nostalgia delicioso. São detalhes nos desenhos: cartazes, capas de LP, livros…

Mas o mérito maior do livro não está na nostalgia e sim na maneira envolvente como são narradas as desventuras de seus protagonistas. Difícil não se identificar com as incertezas e paixões que movem essa turma. Cruz consegue criar personagens que cativam o leitor, que se tornam importantes e que permanecem na memória.

As histórias são relativamente independentes umas das outras, embora possuam cronologia e um elenco principal estável, todos jovens, de uma periferia. Tudo gira em torno do apartamento do edifício número 78, onde o Sombra, Max, Nicole, Pedrão e mais uma galera se “mocosavam” pra curtir um som, drogas e amassos.

O estilo rock&roll, cabelo comprido, calças jeans, jaqueta de couro, tatuagens, bebidas, sexo… A vida dos personagens vai se construindo em torno disso e acompanhamos trajetórias que nem sempre terminam em finais felizes.

A capa do álbum mostra um disco de vinil e brinca com a ideia de que não apresenta histórias, mas sim “faixas”, “canções” que recebem nomes como “Xampu Generation”, “O Sombra”, “Raquel”, “Max & Nicole” e outras. Há também uma “faixa bônus: UnPlugged”: uma sessão cheia de esboços e testes de estilos de desenho.

É um trabalho excelente, com uma narrativa cativante, ótimos desenhos e histórias.

Lançado em 2010, o álbum ainda pode ser encontrado nas livrarias e comic shops. O autor fez um post em seu blog com várias fotos de originais e também criou um blog oficial da HQ.

xampu-3 — Desenhos originais e ferramentas de trabalho do autor

Xampu
Autor: Roger Cruz
Editora: Devir
Preço estimado: R$ 29,50

23/04/2013

A Chegada | HQ da Semana

Uma história em quadrinhos que usa apenas imagens e nenhuma palavra. Ou melhor, nenhuma palavra em idioma conhecido. Vemos textos em caracteres imaginários, letras fantásticas incompreensíveis que acabam se tornando parte das imagens.

Isso é um artifício narrativo do autor Shaun Tan, que pretende criar no leitor a sensação do protagonista da história: ser imigrante em um país completamente estranho, de cultura praticamente alienígena.

A arte do álbum é embasbacante, magnificamente desenhada a lápis. As imagens procuram reproduzir fotografias antigas que retratavam a chegada de estrangeiros à América no começo do século XX.

Há todo um clima de nostalgia, mas o tempero especial do álbum é a fantasia. Nesse novo país, o nosso protagonista toma contato com estranhas criaturinhas que parecem Pokémons, com hábitos e estruturas de trabalho radicalmente diferentes das que conhecia e, principalmente, com outros estrangeiros como ele, que vieram de lugares ainda mais estranhos com histórias comoventes e surpreendentemente reais.

A Chegada é uma belíssima obra sobre diversidade e solidariedade. Com suas silenciosas imagens em tom de sépia, está cheia de sons, histórias, cores e vida. Shaun Tan compôs uma história cheia de poesia e sensibilidade, marcada por elementos fantásticos que parecem simultaneamente estranhos e familiares. Uma história sobre pessoas tão diferentes e ao mesmo tempo com tanto em comum.

A Chegada
Autor: Shaun Tan
Editora: Edições SM
Preço estimado: R$48,00

16/04/2013

We3 – Instinto de Sobrevivência | HQ da Semana

Imagine uma mistura insana de Robocop com A Incrível Jornada e pitadas de Matrix. O resultado disso é We3 – Instinto de Sobrevivência.

De A Incrível Jornada vêm um trio de bichinhos: um cachorro, um gato e um coelho. Animaizinhos de estimação que são roubados de seus donos pelo exército para participar de um projeto militar secretíssimo.

Daí vem a parte do Robocop: os três são transformados em ciborgues, máquinas de matar extremamente sofisticadas e se envolvem em sequências de ação cheias de violência sanguinolenta.

De Matrix vem os experimentalismos ousados: uma disposição de quadrinhos e páginas que fazem lembrar toda a revolução do bullet time, mas transposta agora para a linguagem dos quadrinhos. São páginas em que o sentido de percepção de tempo dos animais é representado através da disposição de quadrinhos que invocam multiplicidade de leituras e exploração da terceira dimensão na página.

transposição do bullet time para a linguagem dos quadrinhos

We3 é uma história alucinante que combina de maneira magistral ação, violência e ternura. Ternura porque é impossível não criar empatia pelo sofrimento e destino dos protagonistas. Mesmo com as alucinantes sequências de ação, há diversos momentos e detalhes que dão um aperto no coração, como os cartazes dos animaizinhos perdidos.

Apesar de tudo eles ainda são animais que necessitam de cuidado e carinho

Essa edição ainda tem uma porção de extras bem bacanas, com comentários do roteirista Grant Morrison e do desenhista Frank Quitely sobre os bastidores dessa HQ. Simplesmente imperdível.

We3 – Instinto de Sobrevivência
Autores: Grant Morrison (roteiro) e Frank Quitely (arte)
Editora: Panini
Preço estimado: R$45,00

09/04/2013

Category: HQs