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Gilbert Grape – Aprendiz de Sonhador (1993), de Lasse Hallström | Crítica

“Tudo ao meu redor são rostos familiares, lugares desgastados, faces desgastadas. (…) Os sonhos nos quais eu estou morrendo são os melhores que já tive”
(Mad World, composição do Tears for Fears na voz de Gary Jules).

Certos lugares são devastados por catástrofes naturais ou por extermínio bélico. Mas existe um tipo de desolação que chega sem alarde e se instala. Algumas vezes, ela nasce junto com o lugar. Há os que correm desesperadamente para fugir. E há os que ficam. O filme Gilbert Grape – Aprendiz de Sonhador (original What’s Eating Gilbert Grape?), do diretor sueco Lasse Hallström, conta a história de um jovem que permaneceu no mesmo lugar, enterrado pela rotina de uma cidade onde o relógio parou.

Gilbert (Johnny Depp) vive em Endora, pequena cidade engolida pelo tempo. Depois do suicídio do pai, ele assume a responsabilidade pelo sustento da família. E não apenas isso: Gilbert vive integralmente para cuidar de seu irmão Arnie (Leonardo DiCaprio), um adolescente com problemas mentais, e de sua mãe (Darlene Cates), que sofre de obesidade mórbida. Há ainda duas irmãs, Amy (Laura Harrington) e Ellen (Mary Kate Schellhardt), criaturas atrapalhadas que tentam auxiliar Gilbert, mas acabam cobrando mais do que ajudando.

Trabalhando como faz-tudo em uma mercearia, Gilbert leva Arnie a todos os lugares. O grande evento do ano para os dois irmãos é a passagem de trailers pela estrada que cruza a cidade. Em uma dessas passagens, um dos veículos quebra e precisa permanecer na minúscula Endora por algum tempo. Esse simples fato fortuito é o ponto de transformação na cabeça de Gilbert, já que ele conhece Becky, garota viajada e cosmopolita, que acompanha a avó em excursões pelo país. Vivida pela atriz Juliette Lewis, Becky é o contraponto de Gilbert: enquanto o jovem tem olhos tristes, pesados pelas obrigações que nunca cessam e precisa conviver com sonhos acorrentados, a jovem é viva, intensa e efusiva. No lugar dos arroubos escandalosos, Becky oferece outro tipo de carpe diem: ela apresenta para Gilbert a imensidão de um mundo que está ali, expresso no pôr do sol ou na possibilidade de observar a poesia no invisível. Esse é um dos pontos interessantes do filme.

Leonardo DiCaprio, Johnny Depp e Juliette Lewis

O enredo sem pirotecnia começa a ganhar o coração do espectador com a atuação sensacional de Leonardo DiCaprio. Os gritos e brincadeiras de Arnie arrancam emoções do peito e despertam o olhar para a existência interior de pessoas que fogem dos padrões considerados normais. As limitações mentais de Arnie não o impedem de sorrir, ser feliz e procurar o carinho incondicional do irmão. Pelo contrário: o espectador observa um adolescente que consegue viver em Endora sem que a monotonia da cidade o empurre para dentro do poço. Nesse caso, a ignorância do mundo funciona como uma benção. Indicado ao Oscar em 1994 na categoria de melhor ator coadjuvante, DiCaprio merece cada menção honrosa pela atuação. Ele alcança os gestos, olhares e padrões de comportamento de uma pessoa com deficiência mental. Na época com dezenove anos, o ator deixou muito veterano de queixo caído.

Na pele de Gilbert, Depp mostrou ser o homem ideal para viver o papel: os olhos melancólicos e pesados de responsabilidade; o jeito afável e dedicado com o qual tratava seu irmão e o desejo incessante de sair daquele lugar. Todas essas emoções ganharam contornos reais no rosto de Johnny Depp, que ainda não tinha sido possuído pelos trejeitos do famigerado capitão Jack Sparow, personagem que interpretaria uma década depois na série interminável Piratas do Caribe. Mais bonito do que nunca, Depp traz na expressão o desespero silencioso de Gilbert; sua inocência misturada ao comodismo e o medo de abandonar a sua benção e calvário: a própria família. Em Endora, a família Grape é a personificação da imobilidade da cidade: a mãe obesa que não sai de casa há sete anos; a própria residência da família, completamente imutável desde que foi construída pelo pai; a rejeição de Gilbert em conhecer o supermercado novo que abriu na cidade, ameaçando a sobrevivência do mercadinho em que trabalha, e a rotina de vida que leva: de casa para o trabalho e vice-versa. Sua única distração é o assédio constante da mulher do corretor Carver, a dona de casa Betty. Em uma das silenciosas crises existenciais de Gilbert, Betty revela qual é o motivo de querer manter um caso com ele, aumentando consideravelmente o caos interno do jovem Grape.

O longa metragem surpreende pela emoção sincera, dicotomias e dilemas que podem estar perto de nós. Muitas vezes, seguimos mecanicamente os dias porque estamos presos na confortável bolha da vida ou em obrigações pétreas que transformam nossas existências em buracos vazios sem direito à esperança. A felicidade de Arnie, seu modo alegre de viver, a “benção da ignorância” e a capacidade de recomeçar os dias sem remorso são um ponto alto na mudança de perspectiva. O baixo orçamento de Gilbert Grape – Aprendiz de Sonhador provou que existem emoções ocultas na epiderme humana que aguardam a oportunidade de vir à tona, e independem de altos investimentos. O cinema abre espaço para essa pulsação se manifestar.

30/12/2015

Ida (2013), de Pawel Pawlikowski | Crítica

Uma das melhores sensações que eu tenho experimentado na partilha física e mental que acontece nas salas de cinema – basta observar como todos os espectadores parecem estar ligados minimamente pelos acontecimentos que transcorrem na tela – é perceber o exato momento em que um filme hipnotiza toda a plateia, alterando comportamentos e prendendo respirações. Esse é o pêndulo mesmerizador de Ida (2013), filme do diretor polonês Pawel Pawlikowski. O longa conquistou inúmeros prêmios, incluindo European Film Awards e Associação Americana dos Diretores de Fotografia, além de duas indicações ao Oscar 2015 nas categorias “Melhor filme em língua estrangeira” e “Melhor Fotografia”, vencendo na primeira.

Filmado em preto e branco, Ida revisita as máculas do Holocausto através da história de vida da noviça Anna (Agata Trzebuchowska) e sua recém-descoberta tia Wanda (Agata Kulesza). Antes de confirmar os votos no convento onde vive, Anna é enviada pela madre superiora à casa da tia, para que saiba mais sobre a própria vida e decida entrar para a comunidade religiosa de forma consciente. Para Anna, o mundo começa e termina nas paredes do convento e é com insatisfação resignada que ela vai ao encontro da tia.

Wanda é uma mulher dominada por fantasmas amargos, pelo vício do álcool, por amantes passageiros e um secreto histórico de tristezas. No passado, ela integrou a luta do movimento antinazista, tornando-se depois juíza e condenadora implacável dos torturadores/assassinos de judeus. Esse universo é extremamente oposto ao de Anna que, sem eufemismos, descobre que tudo o que conhecia sobre sua vida não passa de um rosário de mentiras. Na verdade, a noviça chama-se Ida Lebenstein e foi entregue na porta do convento quando ainda era bebê. Sem saber do paradeiro dos pais, Ida e a tia partem em busca de respostas; cada qual com suas angústias, medos e dores.

A história se passa em 1962, onde os resquícios da Segunda Guerra Mundial ainda despontavam como feridas abertas, fustigando os espíritos dos sobreviventes e de seus familiares. É nesse mundo novo que Ida mergulha com toda a sua inocência, experimentando a malícia e as chagas emocionais que fazem parte da história de sua família.

O longa-metragem faz uso de uma câmera quase estática, apostando em close-ups. Outro elemento interessante em Ida é a opção pelo formato 4:3 e em preto e branco, apesar da gravação com câmera digital, uma clara referência aos filmes em 16mm. Outra curiosidade é que o filme também foi convertido para película 35mm, sendo exibido nas poucas salas de cinema que ainda suportam esse tipo de película. Com fotografia de cair o queixo – assinada por Ryszard Lenczewski e Lukasz Zal -, o longa revela a atmosfera silenciosa do interior de seus personagens, enfatizada também pela ausência de trilha sonora e passagens só com sons do ambiente. Como o público brasileiro – do qual posso falar baseada em minha vivência — não está acostumado com a linguagem do silêncio, é difícil manter uma constante em salas de exibição. Por isso, foi emocionante presenciar a interrupção imediata do frisar de sacos de pipoca, papéis de bombom, latas de refrigerante e murmúrios eternos. Naquela sessão, a plateia estava hipnotizada: Ida não faz ruídos, comunica-se pela atenção do olhar. É com esse andar sem deixar rastros que a jovem noviça aprende como lidar com a inocência que vai morrendo aos poucos.

Mistura de reflexão e memória, o filme consegue alcançar a poesia que não grita, não gesticula e não balbucia: ela expressa com olhares e não-ditos. Destaque para a atuação das atrizes Agata Trzebuchowska e Agata Kulesza, intérpretes de Ida e Wanda, respectivamente. Como iniciante, Trzebuchowska comprova seu empenho – que vai além da semelhança física com a atriz Sissy Spacek (conhecida pela atuação em “Carrie, A Estranha” – 1976). Já Agata Kulesza recria as dores de inúmeras mulheres judias, guerrilheiras ou não, que viram suas famílias serem despedaçadas pelo horror nazista e tiveram que olhar para o abismo, evitando mirar em seus próprios reflexos.

Trailer:

01/04/2015

Boyhood: Da Infância à Juventude (2014), de Richard Linklater | Crítica

Fazer um filme que seja cinematograficamente inovador não é algo trivial, muito menos quando se deseja que ele chame a atenção do grande público das salas de cinema. Esse feito fica ainda mais difícil quando não é utilizado grandes efeitos especiais ou narrativas complexas, que podem muitas vezes afastar mais o público do que o instigar. “Boyhood: Da Infância à Juventude” (Boyhood, EUA, 2014) conseguiu realizar todas essas proezas, e a ideia para criá-lo veio justamente do desejo de não utilizar efeitos especiais para simular o envelhecimento dos personagens ou então utilizar diferentes atores para representar a passagem to tempo em uma história sobre o amadurecimento da infância à juventude (explicitado no desnecessário subtítulo nacional). A solução encontrada por Richard Linklater, que escreveu, dirigiu e produziu o longa, por mais maluca (e genial) que pareça, foi de filmar os mesmos atores durante 12 anos, mais ou menos uma vez por ano.

A história do filme é bem universal: acompanhamos Mason (Ellar Coltrane), dos 5 aos 18 anos, assim como os outros personagens que convivem com ele durante esse tempo. Mas o foco da história não é somente o crescimento de uma criança, mas também sobre o processo de ser pai/mãe, principalmente em um tempo onde é cada vez mais comum casais se separarem e os filhos acabam por ter duas, ou mais, pessoas que cumprem o papel dos genitores. Não temos aqui a tradicional estrutura, normalmente simplista, de um enredo de cinema, onde é fácil identificar os altos e baixos do desenvolvimento do personagem principal, que vai atravessando as suas dificuldades para, no final do longa, chegar a uma conclusão da história, seja ela positiva ou não. Apesar de Linklater ter um objetivo bem definido para o longa, o roteiro do longa estava sempre bem aberto para poder acompanhar parte das decisões de vida tomada pelo ator principal. O diretor até brinca que se Ellar decidisse virar um lutador, o filme provavelmente iria acompanhar isso de algo forma, mudando drasticamente de rumo.

A vida é um sopro, dizia Oscar Niemeyer, e é justamente assim que acompanhamos o passar do tempo em “Boyhood: Da Infância à Juventude”. Vamos pulando de um ano ao outro, algumas vezes com acontecimentos mais impactantes, outras vezes apenas com a mudança da folha calendário como fato marcante. Quando menos percebemos, já se passaram vários anos. Tudo isso sem qualquer indicação explícita, nada de “um ano depois” ou a data carimbada na tela. Tirando uma ou outra festa de aniversário e acontecimentos marcantes da história, como a candidatura do presidente Obama e a febre do Harry Potter, que ajudam a criar uma noção melhor da temporalidade dos eventos. Isso também ocorre pela escolha da trilha sonora, com os hits que marcaram cada época, que aliás é uma das grandes virtudes do filme, com bandas como Coldplay, The Hives, Foo Fighters, Cat Power, Arcade Fire, entre outros.

O que mais chama a atenção em relação ao tempo, é acompanhar como a aparência dos personagens vão se transformando. Difícil dizer se o fato de saber que todas essas mudanças são reais, as tornam mais impressionantes do que se não tivesse essa informação. Mas acredito que seria muito difícil, se não impossível, causar o mesmo impacto através dos métodos tradicionais de envelhecimento.

De início, Mason esta mais para um observador de tudo que acontece em sua volta, sempre com um olhar bem atento, mas sem qualquer poder de ação. São mudanças de cidade, separação dos pais, novas escolas… Tudo acontece a partir da sua perspectiva, na qual muitas coisas parecem não ter muito sentido, elas simplesmente acontecem. Com o tempo, ele vai amadurecendo, não só percebendo mais a complexidade da realidade a sua volta, mas também começando a ter um efeito maior sobre ela. Isso é crescer.

Se assemelhando bastante com a vida fora das telas do cinema, “Boyhood: Da Infância à Juventude” é um filme universal e muito sensível. Difícil não refletir sobre as próprias escolhas, e aquelas que ainda podemos fazer, depois e durante a imersão de 12 anos condensados em quase três horas da vida de Mason, um personagem que ainda tem uma vida toda pela frente.

31/10/2014

Amantes Eternos (2013), de Jim Jarmusch | Crítica

Ser imortal, ou pelo menos algo próximo a isso, é um desejo que inspira muitas histórias e pesquisas, passando desde abordagens mais místicas às mais tecnológicas. Essa condição, além de oferecer várias possibilidades, também levanta várias questões que são muitas vezes difíceis de se imaginar dada a brevidade de nosso tempo de vida. Como será que uma criatura perpétua se sentiria em relação ao caminhar da história da humanidade? E uma relação amorosa que durasse séculos? Estes são os dois fios condutores da trama de “Amantes Eternos” (“Only Lovers Left Alive”, Inglaterra/Alemanha/Grécia, 2013), dirigido e escrito por Jim Jarmusch.

Passando longe da ficção científica para criar tal condição, Jarmusch traz um novo olhar a criatura imortalizada (nos dois sentidos) por Bram Stoker: o vampiro. Antes que alguns torçam o nariz, não se trata de mais uma adaptação pueril ou uma desculpa para colocar pessoas em colantes pretos lutando entre si ou com monstros em câmera lenta. “Amantes Eternos” traz novamente os vampiros para o seu auge nas telonas, assim como fez “Entrevista com o Vampiro” (1994), de Neil Jordan, baseado na obra da escritora Anne Rice. Só que desta vez, o conflito principal não é uma crise existencial consigo mesmo, mas sim com a espécie humana em geral, aqui apelidada carinhosamente de zumbis.

Tal crise tem seus motivos mais que óbvios. Afinal, deve ser deprimente ver, e as vezes também conviver, com várias mentes brilhantes que são ignoradas e até mortas por conta de suas ideias revolucionárias, para somente depois de décadas, serem finalmente escutadas, mesmo que apenas parcialmente. Juntando isso a todo o conhecimento que esta pessoa iria acumular durante séculos, cria-se uma situação no mínimo desanimadora. Os dois personagens principais de “Amantes Eternos” são extremamente cultos, sempre lembrando de seus amigos do passado (Schubert, Gustave Flaubert, Shakespeare…) como se ontem houvessem conversado. Por conta disso, se tornam até meios esnobes, mas nunca sendo pedantes e sempre com um ótimo senso de humor nas suas referências e brincadeiras.

Para sobreviver todo esse tempo, além da constante mudança de local, há algo ainda mais importante a ser prezado: o anonimato. Afinal, seria difícil, para não dizer impossível, esconder a “imortalidade” sob qualquer tipo de holofote. Ou seja, nada de virar astros de rock ou vigilantes noturnos. Fazer isso seria como se intitular “agente secreto” quando todos sabem que seu nome é James Bond e que você é o 007. Mas voltando ao assunto do longa em questão… Adam vive em Detroit, uma cidade nos Estados Unidos que atualmente está praticamente abandonada, tendo declarado concordata no ano passado. Com certeza um dos melhores lugares para alguém se esconder atualmente no EUA.

Em “Amantes Eternos”, acompanhamos o casal Adam (Tom Hiddleston, o ótimo Loki de “Thor”), um músico ávido e genial, e Eve (Tilda Swinton, a imortal “Orlando”), uma amante da literatura, tentando sobreviver no mundo atual. Mas a composição de músicas já não consegue mais mascarar a insatisfação de Adam em relação a vida e a humanidade e Eve vai visitá-lo para ajudá-lo nesta crise. Falando em música, a trilha sonora é um dos grandes destaques do longa, sendo bastante sombria mas ao mesmo tempo sedutora, um verdadeiro post-rock vampiresco.

Com uma fotografia bem sombria, o filme se passa quase todo em ambientes fechados e mal iluminados, sempre a noite é claro. Este foi o primeiro longa filmado digitalmente por Jarmusch, que tem sérias restrições a respeito desse formato por não possuir, segundo ele, uma qualidade boa para áreas abertas e com muita iluminação. Mas como neste longa não há nada disso, acabou se adaptando perfeitamente a estas limitações. Outra curiosidade interessante é que dentro do set de filmagens, não era tocada nenhuma música, foi apenas distribuído um mixtape entre a equipe.

Para condizer com todo o discurso da anonimidade e conhecimento secular dos personagens, esses vampiros não possuem visualmente nada de extravante, tendo apenas como diferencial um cabelo bem animalesco (que foi criado misturando a partir da mistura de cabelo humano com pêlo de cabra e iaque). O longa também brinca com várias das concepções a respeito desses seres da noite, principalmente com a maneira que eles se alimentam, que é sensacional. Outro detalhe interessante está relacionado com a introdução de um novo, concebido pelo próprio diretor, para caracterizá-los. Vamos ver se você percebe ou percebeu qual é ele.

Resumindo em poucas palavras: se você gosta de filmes inteligentes e fica intrigado com as possibilidades de perpétuos sugadores de sangue, é bem provável que fique completamente seduzido por “Amantes Eternos”.

14/08/2014

O Lobo de Wall Street (2013), de Martin Scorsese | Crítica

Considerada como um dos setes pecados capitais, a ganância é um sentimento cuja origem está profundamente enraizada na nossa história como seres humanos. Sendo muito cultuada em certos círculos de negócios, a cobiça é muitas vezes vista como essencial para quem aspira ser bem sucedido. “O Lobo de Wall Street” (The Wolf of Wall Street, EUA, 2013), novo filme do renomado diretor Martin Scorsese, é uma odisseia no mundo de um grupo de corretores de Wall Street, onde a ambição desmedida impera sem qualquer restrições.

Baseado na vida do corretor Jordan Belfort (Leonardo DiCaprio), cuja trajetória foi repleta de drogas, excessos e fraudes, acompanhamos sua evolução de trabalhador inocente vindo de uma família pobre para milionário dono de uma grande empresa. Jordan é um verdadeiro “self made man”, que vende sua trajetória como exemplo da concretização do sonho americano. Afinal, segundo ele, quem não quer ficar rico?

o-lobo-de-wall-street-2013-de-martin-scorsese-critica-4 — A super equipe de vendedores de Belfort

Suas competências como vendedor vão muito além da sua área de atuação, e seu principal produto é ele mesmo. A plateia de Belfort não é formada só por seus clientes e funcionários, que muitas vezes o adoram quase como um deus, mas também pelo próprio espectador do filme. Através de várias falas diretamente para câmera, Jordan não está só contando a sua história, mas vendendo‑a para você, criando simpatia e ganhando sua confiança. Ao mesmo tempo que suas atitudes são intoleráveis, é difícil não sentir certa fascinação por sua “sinceridade” e carisma. É um sentimento muito parecido com aquele criado por alguns dos personagens principais do Woody Allen, que as vezes ele mesmo interpreta, ao se justificar ao espectador o seu comportamento egoísta e muitas vezes bizarro.

As brincadeiras nada usuais dentro da empresa

Falando em não usual, leia-se extravagante e as vezes até grotesco, esqueça totalmente o politicamente correto ao assistir “O Lobo de Wall Street”, pois um dos seus destaques é justamente o humor negro, e as vezes de mau gosto. Preconceitos, drogas, masturbação, sexo, … tudo é contato e mostrado abertamente e sem censura como se fosse uma conversa entre dois amigos íntimos. Se você gostou de filmes como “TED” (2012) e “Superbad: É Hoje” (2007), provavelmente vai adorar este.

O quase irreconhecível Leonardo DiCaprio como Leonardo DiCaprio — O quase irreconhecível Leonardo DiCaprio como Belfort

Outro grande destaque do filme é seu excelente elenco. Depois de fazer dois papéis seguidos de milionário, no péssimo “O Grande Gatsby” (2013) e no ótimo “Django Livre” (2012), Leonardo DiCaprio está sensacional como o magnata Belfort, ficando muitas vezes irreconhecível de tão envolvedora que é sua atuação. Seu papel é quase como uma possível maturação de seu outro personagem, o Frank de “Prenda-me se For Capaz” (2002). Mas apesar de já ter um portfólio bem forte, este é seu sexto trabalho com o diretor Scorsese, DiCaprio ainda não conquistou nenhum Oscar, fato que pode mudar este ano com sua indicação como melhor ator pelo papel, principalmente por já ter levado o “Globo de Ouro” de 2014 na mesma categoria. “O Lobo de Wall Street” também está sendo indicado a mais quatro Oscars, o de melhor filme, diretor, ator coadjuvante (o excelente Jonah Hill) e roteiro adaptado.

Margot Robbie, Leonardo DiCaprio e o diretor Martin Scorsese

Uma curiosidade interessante a respeito desta produção é que o verdadeiro Jordan Belfort ainda está vivo e foi bastante consultado durante a produção do filme. Além de ter passado um tempo junto com Belfort durante a preparação para o papel, DiCaprio também o consultava quando tinha alguma dúvida durante as filmagens. Segundo o ator, Jordan é bem aberto a respeito desta sua fase mais obscura, não tendo problema de falar sobre ela, inclusive em público.

Com três horas de duração, “O Lobo de Wall Street” consegue explorar bem a sua história e personagens, tudo se desenvolve de forma tão natural que você quase não percebe o tempo passando. A não linearidade da narrativa cria um ritmo bem dinâmico, não apelando para flashbacks ou cortes muito rápidos demais somente para envolver o espectador em seu enredo. Sua carga dramática é muito bem balanceada com o seu humor, mas apesar de engraçado não classificaria como comédia. Ao final do filme fica apenas uma grande questão: como você me venderia uma caneta?

Assista o trailer legendado abaixo:

Veja também o makin off dos efeitos especiais:

04/02/2014

Augustine (2012), de Alice Winocour

A Idade Média, período obtuso da história da humanidade, contabiliza um número grande de mulheres condenadas à fogueira ou enforcamento por acusações como bruxaria, possessão demoníaca e pactos diabólicos. Sob a égide do “Não deixarás viver a feiticeira” (Êxodo – Capítulo 22, Versículo 17), a Santa Inquisição, “tribunal eclesiástico criado com a finalidade de investigar e punir crimes contra a fé católica”, promoveu execuções em massa numa ensandecida “caça às bruxas”. Com o apoio do livro “Malleus Maleficarum” (algo como ‘Martelo das Bruxas’), publicado em meados de 1486, os inquisidores difundiam entre a população a existência de supostos “métodos” para identificar, acusar e condenar formalmente uma bruxa.

O manual religioso aponta a arte de manipular e controlar a sexualidade como uma das principais fontes de poder das feiticeiras, associando o ato sexual ao pacto carnal entre mulher e demônio. O sexo é apontado aqui como propulsor da heresia e blasfêmia, digno de repulsa e dominação. Com base nesse argumento, muitas mulheres foram consideradas ‘servas de Satã’ e levadas à morte sem qualquer remorso por parte dos algozes, ao apresentarem um quadro de instabilidade emocional e alteração nos sintomas físicos, entre eles a perturbação dos sentidos, paralisia, dores agudas, contrações, convulsões, dentre outros distúrbios.

Une leçon clinique à la Salpêtrière - André Brouillet - 1887 — Une leçon clinique à la Salpêtrière — André Brouillet — 1887

Somente no final do século XIX, com os estudos iniciados pelo neurologista e cientista francês Jean-Martin Charcot, professor de nomes que viraram referência, como Sigmund Freud e William James, o termo histeria foi ganhando forma para definir o tipo de neurose responsável por determinados distúrbios sensoriais e motores, responsáveis por fazerem com que as mulheres afetadas perdessem o autocontrole e entrassem em colapso.

Jean-Martin Charcot ficou conhecido pelos experimentos e estudos que realizava na famosa clínica psiquiátrica francesa Pitié-Salpêtrière, onde recebia – e fotografava — pacientes em diversos estados de instabilidade mental. Uma dessas pacientes era Louise Augustine Gleizes, uma jovem diagnosticada com histeria.

Esse caso clínico-amoroso foi abordado pela diretora francesa Alice Winocour no drama “Augustine” (2012), adaptação efervescente que narra a história de desejo, ambição acadêmica, investigação científica e ardor sexual entre o médico francês e a jovem paciente. No filme, Jean-Martin Charcot (interpretado por Vincent Lindon), respeitado e temido nas dependências do Hospital Salpêtrière, está às voltas com a recepção de sua pesquisa científica pelo meio acadêmico e pela elite social, tendo em vista que a boa repercussão concederia ao médico aumento de investimentos e maior visibilidade. Em dado momento, chega ao hospital a jovem Augustine, de 19 anos, vitimada por uma forte crise convulsiva e com o lado esquerdo paralisado, fato que ocorreu em meio às atividades domésticas realizadas pela moça durante um jantar, na casa na qual era empregada.

Augustine, interpretada pela cantora pop-folk francesa Stéphanie Sokolinski, conhecida como Soko, torna-se logo um caso emblemático para Charcot, desestabilizando a mente racional do médico ao exalar ingenuidade infantil com luxúria oculta. O filme todo é envolvido por uma atmosfera nebulosa, uma espécie de terror silencioso que Augustine traz nas feições, nitidamente góticas. Após a paralisia do lado esquerdo, ocasionada depois que Augustine vê caranguejos vivos em ebulição na panela, a jovem paciente é invadida por uma nova onda de terror quando presencia convulsões de uma galinha decapitada, trazendo à tona seus ataques eróticos. Dessa vez, o olho direito da jovem é abruptamente fechado.

Estudar os sintomas apresentados por Augustine renova a euforia de Charcot, alimentando a crença pessoal de que ele está bem próximo de uma descoberta crucial no campo da histeria, ciência que se propôs a investigar. Ao lado das investigações internas realizadas pelo médico no corpo de Augustine, há também demonstrações públicas para acadêmicos e pesquisadores da área, onde sessões de hipnose e colapsos públicos dão efetividade à teoria levantada pelo neurologista.

Augustine é submetida a uma verdadeira profusão de testes e observações. A obsessão de Jean-Martin Charcot em fotografar suas pacientes também é apresentada no filme, com uma sequência de registros e análises de Augustine até mesmo nos momentos de sono profundo. A aproximação gera um amor furtivo, uma tensão libidinosa entre médico e paciente, ao embaralhar sucessivamente os sentimentos que Augustine nutre pelo médico. Pensador moderno e formador de plateias, Charcot não consegue lidar de maneira isenta com o tufão de emoções que começam a invadi-lo, percepção que não escapa aos olhos de sua mulher, Constance, vivida pela atriz Chiara Mastroianni. No meio dessa confusão, nasce a transferência. Os limites entre terapeuta e paciente são rompidos, tal qual uma rachadura em um dique. Cedo ou tarde, a correnteza transborda.

A dinâmica perigosa na relação entre o médico e a paciente em crise também é explorada nos longas Um Método Perigoso (2012), dirigido por David Cronenberg, enredo que traz o caso de Carl Jung e Sabina Spielrein, com pitadas de Freud, e o fantástico A Pele que Habito (2011), de Pedro Almodóvar, onde um conceituado cirurgião plástico cria uma nova identidade física para um desafeto e acaba se apaixonando pela própria criação.

O trabalho de Alice Winocour em Augustine não apresenta a massacrante carga da parábola moralizante, criando vilão ou vítima. Pelo contrário: a originalidade da diretora está na aposta em um romance que viola tabus, desconcerta a ética e rompe com os canônicos protocolos de tratamento, para o bem ou para o mal.

A interpretação de Soko realça e encanta, exercendo enorme fascínio pelo modo como a atriz se entrega, seja pelo corpo ou pelas expressões significativas do olhar. Como uma borboleta, a personagem experimenta uma metamorfose ao sair do estado de pavor, manipulação e medo, para a cumplicidade e decisão que marcam os momentos finais do filme.

Adentrar as diferentes esferas do inconsciente, aceitando o risco de suas voltas – muitas vezes sem retorno -, fazem de Augustine um filme maior do que a disputa entre doença/cura e médico/paciente; a sutileza está nas transformações que nascem no rio profundo e inabitado, exatamente onde mora o desejo.

Para conhecer um pouco mais sobre as mulheres que se transformaram em uma espécie de “musas médicas”, recomendo a leitura do livro Medical Muses: Hysteria in Nineteenth-Century Paris, de Asti Hustvedt.

Trailer:

httpv://www.youtube.com/watch?v=FXepn0vkR_8

20/11/2013

Rurouni Kenshin (2012), de Keishi Ohtomo | Crítica

Depois do fiasco de Dragon Ball: Evolution (2009), uma adaptação pavorosa da franquia Dragon Ball, a apreensão em torno do que poderiam fazer com o anime/mangá Rurouni Kenshin era intensa e real. Um dos maiores sucessos japoneses do gênero, a série de mangá “Rurouni Kenshin: Crônicas de um Espadachim da Era Meiji” foi criada pelo artista Nobuhiro Watsuki em 1994, e uma versão em anime foi lançada dois anos depois, alcançando um sucesso estrondoso. No Brasil, a saga do espadachim andarilho ficou conhecida como Samurai X, uma alusão à cicatriz que Kenshin carrega no rosto, e que ainda hoje faz a cabeça de muita gente. Por isso, seria uma desagradável surpresa ter essa série despejada na lama, exatamente como aconteceu com Dragon Ball.

Felizmente, a adaptação japonesa em live-action da saga do “andarilho coração de espada” surpreendeu até mesmo os mais céticos, unindo fidelidade e originalidade na mesma metragem. O cenário, contexto histórico, personagens e diálogos da versão original podem ser facilmente identificados no filme Rurouni Kenshin: Meiji Swordsman Romantic Story (2012), do diretor Keishi Ohtomo, lançado em agosto do ano passado nos cinemas japoneses, sendo um grande sucesso de bilheteria, crítica e público. Por motivos que desconheço – e prefiro nem soltar palpites –, os brasileiros não receberam o filme nas salas de cinema, razão que impulsionou os amantes da série a “adquirir” o DVD, que foi lançado no final de dezembro.

O longa conta a trajetória do andarilho Kenshin Himura que, cansado da vida de assassino que levava – e que o fez ficar conhecido como o lendário Battousai – o Retalhador –, decide sair de forma errante, sem paradeiro ou destino, carregando uma cicatriz em forma de X no rosto. Kenshin toma essa decisão após a Batalha de Toba-Fushimi, fato verídico na história do Japão e que foi crucial para a derrota decisiva do Shogunato Tokugawa, força que o Battousai combatia. Esse sangrento período marca o final do feudalismo de Tokugawa e o início da Era Meiji, caracterizada por um processo de modernização política e social.

Takeru Sato como o samurai Kenshin Himura

Transcorridos dez anos dessa batalha, a lenda da carnificina do espadachim retorna viva e intensa, pois uma série de mortes violentas é atribuída ao Battousai, suspeito de espalhar sangue e terror em Tóquio. No decorrer desse tempo, o andarilho Kenshin (Takero Sato) conhece a destemida Kaoru Kamiya (Emi Takei), herdeira de um dojo de kendo deixado por seu pai, e a partir de um fato inusitadamente perigoso – que não vou mencionar para não gerar spoiler -, o destino aproxima ambos.

Kaoru Kamiya (Emi Takei) e Kenshin (Takero Sato)

O live-action faz uma mistura bem elaborada de acontecimentos presentes na história original, sem focar em pontos específicos, permitindo uma linha de raciocínio geral, e não direcionada somente aos já “iniciados” no enredo. A trama também apresenta outros personagens já consagrados no anime/mangá, como Hajime Saitou (Yōsuke Eguchi) – combatente destemido, frio e de presença extremamente marcante, que comandou o batalhão do antigo regime na Batalha de Toba-Fushimi; o divertidíssimo Sanosuke Sagara (Munetaka Aoki), lutador de rua que ostenta uma espécie de “topete-crista-de-galo” bem curioso; o estridente Yahiko Myojin (Taketo Tanaka), órfão e estudante do dojo, e a bela Megumi Takani (Yu Aoi), descendente de uma família conceituada de médicos e que se vê forçada a trabalhar para um rico traficante local na fabricação de ópio.

O destemido Hajime Saitou (Yōsuke Eguchi)

O traficante em questão é Kanryu Takeda (Teruyuki Kagawa), responsável pelas cenas hilárias e excêntricas do filme, que começam pela sua cara, uma cópia descarada do pasteleiro Beiçola, do seriado global “A Grande Família”. Apesar de ter lido algumas críticas ao imenso espaço reservado a Takeda no filme, um personagem citado por alguns fãs como “ridículo e fraco”, eu achei que foi uma boa opção dar esse ar mais engraçado à trama, já que não desqualifica em nada o curso dos acontecimentos, bem como a apresentação dos três grandes espadachins presentes no live-action: Kenshin Himura, Hajime Saito e Jin‑E Udou, este último interpretado pelo ator Koji Kikkawa. No fim da Era dos Samurais, esses três destemidos sanguinários ficaram sem espaço e tiveram que procurar novos caminhos, já que a antiga prática não era vista com bons olhos na nova reforma política. Kenshin se tornou um andarilho com muito amor – e culpa — no coração, Saitou passa a ocupar um cargo no departamento de polícia do governo e Jin‑E vira um mercenário contratado pelo crime organizado.

Teruyuki Kagawa como o hilário Kanryu Takeda

O filme não tem efeitos especiais espalhafatosos, pirotecnia ou algo do tipo. Em contrapartida, a fotografia e a trilha sonora são excelentes, dando uma aura especial às cenas e interpretações. Achei muito interessante o fato de terem usado uma trilha sonora diferente da utilizada no anime, possibilitando a criação de uma identidade própria e longe de cópias puristas e limitadas. Assinada por Naoki Sato, o track-list é inconfundível, com destaque para a lindíssima “Hiten” (algo como “voando no céu”)!

A escolha do elenco foi acertada e, de certa forma, surpreendente. Confesso que assim que comecei a assistir, pensei que o intérprete de Kenshin, Takero Sato, fosse quebrar ao meio de tão magro! Mas o magérrimo ator foi uma das surpresas do filme, conseguindo transpor para a tela todo o sentimento de solidão, opressão e angústia do ex-retalhador. Outro ponto alto está com a atuação primorosa de Yōsuke Eguchi na pele do inabalável Saitou. Os desfalques ficam com a interpretação de Emi Takei, dando à Kaoru uma feminilidade e obediência que ela não possui, e a lacuna deixada pela ausência do vilão Shishio Makoto, o mais implacável dos inimigos do andarilho Kenshin. Também acho que a relação de amizade entre Kenshin e Sanosuke deveria ser mais explorada, pois ficou meio solta no ar e mesmo no momento em que os dois lutam lado a lado — nas cenas finais do filme -, não dá para acompanhar de onde aquele entrosamento surgiu.

Personagens dos filmes com os do anime/manga — Personagens do filme e seus respectivos personagens do anime/manga

Ao que tudo indica, a saga vai ter continuação. Quem sabe os personagens secundários tenham mais espaço, Shishio dê o ar da graça e Kaoru seja mais Kaoru e menos Amélia.

P.S: Esse texto foi escrito com a preciosa colaboração de Rafaela Torres, psicóloga, gamer e amante do universo anime e mangá.

08/09/2013

O Grande Gatsby (2013), de Baz Luhrmann | Crítica

Com um visual deslumbrante e um elenco com vários nomes de peso, O Grande Gatsby (The Great Gatsby, EUA/Australia, 2013), dirigido por Baz Luhrmann, é com certeza um dos filmes mais esperados deste semestre.

O longa conta a história de Nick Carraway (Tobey Maguire), um aspirante a escritor que ao se mudar para Nova York, deixa sua paixão pelas letras de lado por conta do trabalho na bolsa de valores. Ele mora ao lado da mansão do misterioso Jay Gatsby (Leonardo DiCaprio), que sempre está dando grandes e luxuosas festas e, para sua surpresa, um dia é convidado para uma delas. Do outro lado da ilha vive sua prima Daisy (Carey Mulligan) e seu marido Tom Buchanan (Joel Edgerton), com o qual estudou junto na faculdade. O destino de todos aos poucos é entrelaçado por conta de um grande segredo que Gatsby esconde.

O enredo foi baseado no famoso romance homônimo do escritor americano F. Scott Fitzgerald, publicado em 1925, que já foi adaptado duas vezes para o cinema. A primeira em 1949, dirigida por Elliott Nugent, e a segunda e mais conhecida adaptação, dirigida por Jack Clayton em 1974, com Robert Redford e Mia Farrow.

Difícil não ficar maravilhado com toda a reconstrução da época e seus figurinos estupendos ao assistir O Grande Gatsby. Motivo aliás que fez Luhrmann ficar conhecido também pelos longas Moulin Rouge — Amor em Vermelho (2001) e Romeu + Julieta (1996). Nesta adaptação, o diretor também decidiu explorar extensivamente a técnica travelling para mostrar a Nova York da década de 20 e seus arredores. O resultado ficou visualmente muito interessante, mas pelo seu uso muito repetitivo logo ficou algo cansativo. Aliás, são só nestas cenas em que o 3D é realmente percebido. Há outro recurso visual que foi muito bem trabalhado: as várias animações criadas para retratar visualmente o texto da história narrada pelo Nick, como se ele estivesse escrevendo naquele momento.

A trilha sonora é outro aspecto bem interessante do filme, pois contrasta totalmente com o estilo e imagens da época, outra característica peculiar do diretor. Variando bastante de estilo mas tendo sempre algum elemento mais eletrônico no meio, a trilha traz para o presente todo aquele ambiente festivo, e também aumenta ainda mais a sensação de artificialidade e vazio que todo este glamour e materialismo trazem consigo. As músicas são compostas por nomes famosos como Beyoncé, will.i.am, Florence + The Machine, Lana del Rey e Jack White.

Tobey Maguire, Leonardo DiCaprio, Carey Mulligan e Joel Edgerton

O maior defeito de O Grande Gatsby é não deixar espaço para que o espectador possa tirar suas próprias conclusões e exercitar minimamente sua imaginação. O principal culpado disto é a presença de uma narrador que está sempre preocupado em explicar tudo que se está vendo nos mínimos detalhes, como se ele estivesse literalmente lendo um livro e as imagens da tela fossem apenas uma representação do texto. O uso da narração é tão excessivo que a atuação de profissionais tão talentosos como o Leonardo DiCaprio (que recentemente fez Django Livre) e a Carey Mulligan (do ótimo Drive), ficam em segundo plano. O roteiro, escrito pelo próprio Luhrmann e por Craig Pearce, também não faz questão de manter qualquer tipo de mistério ou possível dúvida a respeito da interpretação de uma situação, não perdendo tempo para logo explicar tudo, seja por flashbacks ou narração.

Cena da adaptação de 1974 com Bruce Dern, Sam Waterston, Mia Farrow, Robert Redford e Lois Chiles

Na adaptação de 1974, dirigida por Clayton e roteirizada por Francis Ford Coppola, muitas coisas ficam subentendidas e o mistério sobre quem é realmente esse misterioso Gabsty e quais suas intenção, só é revelado muito aos poucos. Comparando com a versão atual, é difícil não se sentir tratado como alguém que não consegue entender nada do que está acontecendo na tela, de tão exagerado que são as explicações ou então a demonstração das intensões dos personagens por movimentos físicos exagerados. Certos momentos a impressão é de que este roteiro foi feito para sanar todas as dúvidas que o outro criou, para não haver assim qualquer sensação de confusão.

Muitas flores e talento, mas pouco conteúdo

O Grande Gatsby tinha grandes chances de ser um dos destaques do cinema deste ano, mas acabou sendo apenas uma experiência visualmente deslumbrante por conta da fraca adaptação do roteiro, que não se preocupou em instigar o interesse do espectador para algo além de coisas bonitas na tela. Nem o elenco de peso conseguiu tornar a história do filme razoavelmente cativamente.

09/06/2013

Oz, Mágico e Poderoso | Crítica

Um trailer de encher os olhos e um grande investimento em marketing. Foi assim que a Disney criou uma enorme expectativa com Oz, Mágico e Poderoso (Oz the Great and Powerful, EUA, 2013), seu mais novo lançamento dirigido por Sam Raimi. Explorando a história de como surgiu o famoso personagem do icônico filme O Mágico de Oz (1939), o longa busca agradar toda a legião de fãs já existentes e também uma nova geração que provavelmente nunca ouviu falar da estrada amarela e dos sapatinhos de rubi.

A história começa em 1905 em Kansas com Oscar Diggs, um mulherengo mágico circense apelidado de Oz. Ao tentar fugir em um balão por conta de um de seus “truques” sedutores, é sugado para o meio de um tornado, chegando à fantástica Terra de Oz, onde há uma profecia relatando que o grande mágico de Oz viria dos céus para derrotar a Bruxa Má, trazendo paz para todos. Oscar acredita que esta pode ser finalmente a sua grande oportunidade de obter o sucesso que tanto almeja, porém não tem a mínima ideia das proporções do que implica ser este herói.

Para quem já assistiu O Mágico de Oz, dirigido por Victor Fleming, é impossível olhar para este novo longa sem procurar alguma referência — que são inúmeras. Temos o famoso início todo em preto e branco e a também divertida repetição de alguns atores fazendo personagens similares nos dois mundos. Devido aos direitos autorais da história e do filme de 1939 serem detidos pela Warner Bros, muitos dos elementos mais icônicos (como o sapatinho de rubi) não puderam ser utilizados — problema que irá cessar no ano de 2034, quando a obra entrará em domínio público. Algumas vezes foi possível contornar este problema: para o visual da Bruxa Má foi usado um tom de verde diferente do original e a estrada amarela foi mantida, mas sem o seu início em espiral.

O visual impressionante da terra fantástica de Oz

Um dos grandes atrativos do longa é com certeza o seu visual fantástico, que fica ainda mais surpreendente se for assistido no IMAX. Alguns movimentos de câmera panorâmica são bem inusitados, só sendo possíveis graças a utilização de uma câmera virtual em um ambiente gerado pelo computador. O 3D do filme foi muito bem utilizado, lembrando bastante o ótimo trabalho feito no A Invenção de Hugo Cabret (2011), valendo a pena ser assistido com o uso desta tecnologia.

Apesar de todos os cuidados, em algumas cenas ficou bem evidente o uso do chroma key

Os pontos negativos do longa ficaram principalmente na falta de realismo em alguns momentos. Mesmo com os cuidados para os atores interagirem ao máximo com elementos reais (foi feito por exemplo uma marionete da boneca de porcelana), ficou bem evidente em certas cenas o uso do chroma key, assim como a inserção digital de personagens. Para piorar, essas situações ficaram ainda mais acentuadas por uma atuação beirando o teatral, supondo dar mais credibilidade aos efeitos especiais. Mas são poucos os momentos que isso acontece e na verdade, acabou até de certa forma sendo divertido, lembrando as produções em que o orçamento é curto demais e foi preciso improvisar, apesar de não ter sido este o caso neste filme. Para quem gosta, tem um vídeo bem interessante no canal Making Of do YouTube, sobre os backstages da filmagem.

James Franco e o diretor Sam Raimi no set de filmagem

O desenvolvimento da história de Oz, Mágico e Poderoso, remeteu ao ótimo, e também bem arriscado, trabalho feito em TRON: O Legado (2010), sequência do filme de 1982, ambos da Disney, assim como a história de Branca de Neve e o Caçador (2012), onde o famoso conto de fadas é explorado de forma a agradar um público mais adolescente. Na verdade, ele está se saindo tão bem que a Disney já anunciou que fará uma nova sequência (provavelmente com outro diretor).

Se você não ficou muito empolgado com o remake da Disney de Alice no País das Maravilhas (2010), Oz, Mágico e Poderoso provavelmente irá te surpreender. Além de explorar muito bem toda a história de como surgiu o famoso Mágico de Oz, ele também contou com uma ótima equipe de atores como James Franco, Mila Kunis e Rachel Weisz. Para quem gosta de trilhas sonoras, este é outro destaque do longa, produzido pelo ótimo Danny Elfman, que ficou mais conhecido pela sua parceria com o diretor Tim Burton em filmes como O Estranho Mundo de Jack e A Noiva Cadáver.

Trailer:

httpv://www.youtube.com/watch?v=hBlhviucIxc

13/03/2013

A Viagem | Crítica

Two roads diverged in a wood, and I
I took the one less traveled by
And that has made all the difference.
(Dois caminhos divergiam em um bosque,
e eu tomei o menos trilhado.
E isso fez toda a diferença. – tradução livre)

O fragmento citado faz parte do conhecido poema “The Road Not Taken” (‘A estrada não tomada’ ou, na tradução do poeta português Antônio Simões, ‘O caminho que não tomei’), do poeta norte-americano Robert Frost. O sentimento de insegurança cede lugar à escolha pela “estrada mais difícil”, íngreme e inacessível. Essa é a sensação deixada pelo enredo de A Viagem, título abobalhado para o original Cloud Atlas, novo filme dos irmãos Andy e Lana Wachowski em parceria com o diretor alemão Tom Tykwer. O longa tem dado muito trabalho à crítica, empurrando argumentos e pressupostos contra a parede. Um simples “não gostei” ou “sim, é realmente muito bom” não cabe para descrever essa adaptação fantástica do romance homônimo de David Mitchell.

A narrativa de A Viagem é uma verdadeira mistura de gêneros e ambientações, apresentando seis histórias que se traduzem em inúmeras outras, formando uma teia infinita de novos caminhos, encontros e desencontros e, especialmente, escolhas. As cenas do filme vão pulando de forma enlouquecedora, tornando a compreensão do enredo tarefa digna de olhos bem abertos. Cada história é ambientada em períodos diferentes, passando da época da escravatura, em 1849, para a realidade cyberpunk de um local conhecido por Neo Sul, aproximadamente em 2144. No meio dessas fases, o espectador é surpreendido por diferentes situações e personagens, onde as duas mais interessantes abordam a luta de uma jornalista para investigar os planos megalomaníacos e desumanos de grandes usinas nucleares americanas, na então década de 1970, e a ficção científica da Neo Sul, onde uma garçonete de uma grande rede de fast-food vivencia a revolução das ideias e o poder da mudança gerada pela possibilidade de escolha, ainda que vítima de um universo distópico.

A jornalista Luisa Rey (Halle Berry) e o cientista Issac Sachs (Tom Hanks)

A vida e os desafios de cada uma dessas existências se intercalam em detalhes sutis, em situações, lembranças, memórias, sentimentos e conexões espirituais. Uma marca de nascença na forma de uma estrela cadente conecta alguns personagens e suas buscas que, mesmo diferentes, acabam encontrando um ponto comum: transformar, mudar, arriscar, dar e receber. Particularmente, só consegui captar este detalhe depois de assistir ao filme pela segunda vez, já que os cortes abruptos nas cenas tornam a trama uma estrada mais sinuosa, difícil de entender em um primeiro momento. Algumas passagens são cortadas em momentos indevidos e os detalhes que conectam os fatos são sutis, salvos pela edição que retira ou prolonga o efeito sonoro, como também pela narrativa em off, que traz à tona os sentimentos que conectam as histórias e seus protagonistas.

Rede de fast-food do futuro servida por clones

O apoio do diretor Tom Tykwer, responsável pelos sensacionais O Perfume, Corra, Lola, Corra e Trama Internacional, foi fundamental no sucesso dessa produção dos irmãos Wachowski, já que a dose de genialidade da dupla, observada em Matrix, derrapou vertiginosamente com Speed Racer, um verdadeiro fracasso comercial. A Viagem enfrentou dificuldades no financiamento, conclusão e desenvolvimento, já que no início o projeto não animou muitos patrocinadores. Obstáculos à parte, o elenco faz jus a essa aposta corajosa, trazendo nomes como Tom Hanks, Halle Berry, Hugh Grant, Susan Sarandon, Jim Broadbent, Hugo Weaving e Keith David, com outros atores não tão conhecidos do grande público, como o lindíssimo Jim Sturgess, Ben Whishaw e David Gyasi, e as atrizes Zhou Xun e Doona Bae, chinesa e sul-coreana, respectivamente. Um detalhe interessante e que condiz com a proposta do filme é o fato de todos os atores fazerem mais de um papel, estando presentes nas diferentes épocas. A direção de arte e figurino ajudou bastante e é uma fórmula à parte, transformando negros em brancos, ocidentais em orientais, novos em velhos, homens em mulheres e vice-versa, dando uma rotatividade – em muitos casos, irreconhecível – ao elenco.

Mapa dos atores/personagens em A Viagem (clique na imagem para ampliá-la)

Muito mais do que um padrão diferente, A Viagem e sua belíssima trilha sonora são, na verdade, uma fantástica descoberta rumo ao desconhecido, navegando na direção de existências que dependem das nossas boas ações ou crimes, dando sempre uma nova chance, seja para repetir os mesmos erros ou fazer novos começos. É verdade, este não é um filme fácil, mas deixa como legado ao espectador uma experiência que foge do tradicional formato do gênero, que não cede ao roteiro fechado e previsível, criando um atlas de sensibilidade, filosofia e movimento inesquecível!

05/03/2013

TPB AFK: The Pirate Bay Away From Keyboard | Crítica

O documentário TPB AFK: The Pirate Bay Away From Keyboard (2013), dirigido pelo sueco Simon Klose, acompanha o processo judicial por pirataria enfrentado pelos três criadores do site The Pirate Bay entre os anos 2008 a 2012. Talvez você esteja se perguntando “legal, mas o que eu tenho a ver com toda essa história?” e é aí que entra o ponto principal do longa. Ele não é a respeito da vida dos fundadores do site ou uma imersão no mundo do copyright, mas sim um filme sobre a liberdade de compartilhar e o futuro da própria internet.

Para quem não conhece, o The Pirate Bay é possivelmente o maior site de torrents da internet e, uma hora ou outra, acaba sendo um ponto de parada obrigatória para quem costuma fazer downloads. Mas se você pensou, ou só ouviu falar, que lá é apenas um paraíso de arquivos ilegais, onde você pode encontrar praticamente tudo que quiser para baixar, está completamente enganado. O seu propósito é simplesmente possibilitar o compartilhamento de arquivos, mas o que os usuários vão fazer com esse serviço, já é completamente outra história.

os fundadores do The Pirate Bay: Gottfrid, Peter e Fredrik — os fundadores do The Pirate Bay: Gottfrid (anakata), Peter (brokep) e Fredrik (TiAMO)

Apesar da ideia inicial de que assistir a um documentário sobre um processo judicial seja algo maçante e restrito apenas para fãs da causa da internet livre, o ótimo trabalho de edição de Per K. Kirkegaard, faz com que você praticamente não sinta o tempo passando. Esta foi inclusive uma das maiores preocupações do diretor, ele tinha filmado muito material, mas não queria mostrar aquilo de uma maneira chata, então criou um projeto no KickStarter para conseguir contratar um editor profissional. Ele estimou o custo para isso de $25.000 e conseguiu atingir essa meta em menos de três dias, conseguindo no total $51,424. Também vale a pena destacar a ótima trilha sonora criada por Ola Fløttum, que é sutil mas muito envolvente. Para quem está preocupado em não entender alguns termos técnicos, há uma explicação deles durante o filme, então não precisa se preocupar.

O título do documentário veio da abreviação AFK (Away From Keyboard — que seria algo como: Longe Do Teclado) que é uma oposição a ideia da sigla IRL (In Real Life — Na Vida Real), utilizada por algumas pessoas para designar quando algo acontece no mundo fora das telas dos computadores. O IRL separa o on do offline, enquanto o AFK vê o online apenas como uma extensão do offline, ou seja, está incluso no que podemos perceber como realidade e não como algo imaginário ou ficcional. Os três fundadores do site, como a maioria dos membros do Partido Pirata, exibidos no documentário, se conheceram inicialmente pela internet e o fato deles nunca terem se encontrado pessoalmente, não foi um obstáculo para poderem criar uma relação verdadeira de amizade e confiança.

Monique Wadsted, a advogado que representa Hollywood no processo

Um dos motivos do diretor ter feito o filme, era que ele não conseguia ver a relação que a indústria de mídia faz alegando que o compartilhamento de arquivos é uma ameaça à criatividade. Para ele, o acesso irrestrito à cultura era o cerne da revolução online, onde qualquer expressão artística imaginável pudesse aflorar criativamente. De um lado, seus amigos artistas estavam sofrendo pela redução nas vendas, mas por outro, as possibilidades de produzir, comercializar e distribuir a arte deles tinha mudado fundamentalmente para melhor. Ele ficou então pensando que deveria haver formas de construir uma próspera economia digital, que incorporasse essas novas ferramentas, em vez de criminalizá-las. Com este documentário Simon espera levantar questionamentos a respeito desse processo legal e também dos já realizados contra pessoas que compartilhavam arquivos, para que este cenário mude.

Simon Klose no vídeo da campanha do KickStarter

Esse foi um dos motivos para que que o documentário fosse distribuído sob a licença BY-NC-SA da Creative Commons, assim qualquer um pode compartilhar e modificar com atribuições, mas não pode fazer uso comercial da mesma. Simon até fez um post no blog do documentário explicando detalhadamente porque ele escolheu esta licença. O diretor incentiva não só que as pessoas façam o download, mas que também compartilhem e remixem o filme, criando outras obras. A mesma proposta também foi feita, e inclusive o remix foi parte da produção, pelo documentário RIP!: Um Manifesto Remix, do canadense Brett Gaylor, provavelmente o primeiro documentário aberto (open source) criado.

TPB AFK: The Pirate Bay Away From Keyboard foi lançado dia 8 de fevereiro de 2013 no 63º Festival Internacional de Filmes em Berlim e também simultaneamente na internet, uma atitude totalmente condizente com toda a filosofia do site. Inclusive uma pessoa que foi ao festival fez uma filmagem pirata do mesmo, grudando uma câmera na cadeira com silver tape, captando além do filme completo, o bate-papo com o diretor após a exibição. Veja o mesmo no YouTube ou faça o download via torrent.

Desta vez se você ficou interessado em assistir o filme, não vai ter somente a possibilidade de assistir ao trailer logo abaixo, como também vê-lo na íntegra legendado pelo YouTube. Se quiser também pode fazer o download em diferentes qualidades (480p, 720p e 1080p) e baixar a legenda separadamente.

Trailer:

Filme Completo:
httpv://www.youtube.com/watch?v=eTOKXCEwo_8

25/02/2013

As Aventuras de Tadeo | Crítica

Há algum tempo que o mercado da animação vem saindo do eixo das grandes produtoras americanas e a internet é uma poderosa ferramenta para a divulgação de trabalhos que surgem no mundo todo. Alguns deles acabam ganhando as telas e entrando no circuito comercial, como é caso de As Aventuras de Tadeo (Las aventuras de Tadeo Jones, Espanha, 2012), do espanhol Enrique Gato.

Tadeo Jones cresceu sonhando em ser um arqueólogo aventureiro, inteligente e descobridor de grandes tesouros. Como descendente de imigrantes latinos em Chicago, consegue ser apenas um trabalhador da construção civil, onde o máximo que se aproxima da arqueologia é através dos vídeos que assiste de Max Mordon, um arqueólogo garanhão bem ao estilo de apresentador da National Geographic. Tadeo é amigo do Professor Humbert, que o ajuda a alimentar as histórias fantásticas de descobertas. Um dia o professor é chamado para uma escavação no Peru, mas por uma série de obstáculos acaba não conseguindo ir e por ironia, Tadeo toma o seu lugar e vai para a América do Sul.

O enredo de As Aventuras de Tadeo se desenrola através da velha premissa de mocinhos e bandidos, com direito a romances no meio disso. Lá no Peru, Tadeu conhece Sara, a versão Lara Croft arqueóloga do longa, e é ela que irá levar ele até o tesouro da cidade mítica de Paititi. O título e cartaz já anunciam muitas aventuras a la Indiana Jones, fugindo das típicas buscas no Egito ou na submersa Atlântida. Aqui, os personagens rumam ao Peru atrás de tesouros dos ameríndios tornando o longa bem mais interessante apesar dele não fugir do comum. É possível reconhecer facilmente as referências dos personagens, como as citadas acima, e o diretor consegue se sair bem nessa empreitada, apesar de não inovar muito.

O animador espanhol vem trabalhando desde 2004 na figura de Tadeo como um personagem simples e carismático, que fizesse homenagem e sátira dos filmes de aventura, sendo um anti-herói que se metendo em enrascadas acaba desvendando mistérios e ajudando pessoas. Já a técnica da animação é parecida com os traços do Mickey mais antigo com rostos e corpos bem esféricos com membros longos e cenários bem coloridos. O diretor recebeu duas premiações do Goya — uma espécie de Oscar espanhol — com Tadeo Jones (2005) e Tadeo Jones e o Porão da Desgraça (2007).

As Aventuras de Tadeo é divertido e descompromissado, vai agradar bastante o público infantil, com personagens carismáticos e divertidos, apostando naqueles mascotes que arrancam boas risadas, como o papagaio mudo. Apesar de que provavelmente a animação não vá permanecer muito tempo na memória dos fãs do gênero, ela é bem divertida e merece ser vista.

Trailer:

25/02/2013

As Sessões | Crítica

As Sessões (The Sessions, 2012), de Ben Lewin é, infelizmente, o tipo de filme que passa despercebido pelo circuito comercial de cinema. O longa traz o jornalista e poeta Mark O’Brien, que quando criança contraiu a poliomelite, perdendo quase todos os movimentos do corpo. Por conta desta situação, necessita ficar pelo menos quatro horas dentro de uma maquina de respiração. Mas não se engane achando que a vida de O’Brien era sofrida ou até mesmo triste.

O recorte que As Sessões faz é de um Mark O’Brien aos 38 anos, narrando a sua necessidade de sexo – pois ainda era virgem — de toque e a grande carga de sensibilidade e sentimentos que isso traz ao corpo. O fato dele passar boa parte do dia dentro de uma câmera chamada “pulmão de aço”, não interfere na sua sensibilidade tanto de criação poética como corporal, mesmo sem compreender totalmente o seu corpo. Para essa nova descoberta, a terapeuta sexual Cheryl, interpretada por Helen Hunt, vai ser fundamental. Ela trabalha para que ele descubra como sentir o próprio corpo e o da outra pessoa com quem vai se relacionar. A delicadeza das cenas que retratam as sessões entre paciente e terapeuta é arrepiante e emotiva. O que poderia ser em muitos momentos apenas sessões de terapia levadas de forma profissional, são carregadas de emoção, principalmente quando ela começa a se envolver com as emoções de Mark, que é como um adolescente sentindo cada centímetro novo do seu corpo.

O título do longa se refere às seis sessões inicialmente propostas para que o paciente comece a perceber e entender o seu corpo e os desejos dele. Cheryl Cohen-Greene é a chamada “substituta sexual”, alguém que trata um paciente deficiente para a conscientização sexual do mesmo, de forma mais sensível e menos agressiva como normalmente pode acontecer, além de ser uma pesquisadora do assunto.

É impossível ver As Sessões e não pensar sobre todo o processo de sensibilidade que o corpo necessita e, como um deficiente físico é privado disso por padrões sociais que o caracterizam como incapaz ou simplesmente como anormal. Ver Mark O’Brien passando por esse processo de descoberta, é pensar o quão pouco somos inclusivos quando se trata do diferente, por achar que sabemos o real sentido de normal.

O longa é repleto dessas peculiaridades gerando um estranhamento no espectador em relação ao mundo dessas pessoas que fazem o possível para ter uma vida comum do seu próprio jeito. As cenas de Mark sendo levado a vários lugares em sua maca, são tratadas com uma simplicidade arrebatadora. Ele conversa com suas assistentes enquanto elas o levam de um lugar para outro, vai à Igreja e inclusive sai para comprar roupas, tudo isso acoplado à sua maca e a um cano de ar para que possa continuar respirando.

O’Brien tem muito a seu favor, costuma agradar as mulheres fazendo poemas e dizendo coisas que elas desejam ouvir, mesmo na sua situação é um verdadeiro galanteador. O longa também mostra que ele já se relacionou emocionalmente com algumas mulheres, mas que não conseguiram se adaptar ao seu estado. Há ainda o fator da religião na vida dele, um dos seus melhores amigos é – um bem pouco ortodoxo – padre. Várias das cenas mais divertidas do filme se passam com Mark se confessando e contando sobre sua terapia para o amigo católico, sendo tudo tratado de uma forma incrivelmente normal, bonita e divertida.

É justamente essa rotina de Mark, alheia aos padrões humanos, que fazem o espectador apreciar as sessões dele com a Dra. Cheryl. Uma relação que vai se construindo na base da descoberta de ambos, um que percebe que tem um corpo que sente além do seu cérebro e o outro que passa a perceber o seu objeto de estudo como um ser humano com sentimentos.

Se tratando de elenco, é importante destacar John Hawkes, que interpreta O’Brien talvez num dos papéis mais fortes do gênero, juntamente com Helen Hunt, que está bem à vontade no papel de “substituta”. Apesar do ótimo trabalhos dos atores coadjuvantes, todos transmitindo uma leveza incrível, o destaque vai mesmo para essa dupla que consegue emocionar sem dramatizar.

O diretor Ben Lewin, que também foi acometido pela poliomelite quando criança, diz que em 2009 estava navegando pela internet procurando sobre o sexo no cotidiano do deficiente físico e encontrou o artigo de Mark O’Brien intitulado de “Saindo com uma Substituta Sexual” . O longa é baseado nesse relato e em entrevistas com a própria Cheryl e Susan Fernbach, a última companheira de Mark. Lewin conseguiu tratar de dois assuntos tabus – sexo e deficiência física – de uma forma que somente alguém que conhece de perto a situação consegue dar cores e formas tão leves e simples para um enredo emocionante.

Trailer:

21/02/2013

O Som ao Redor (2012), de Kleber Mendonça Filho

O Som Ao Redor (Brasil, 2012), de Kleber Mendonça Filho, foi um dos longas nacionais mais comentados no ano de 2012, recebendo inclusive uma posição na famigerada lista de A.O. Scott, o principal crítico de cinema da jornal americano New York Times. Trazendo a assinatura de mais um promissor diretor e roteirista de Recife, o longa trata de forma sutil a violência e a sua relação com os problemas sociais da classe média.

Um bairro de uma grande cidade, um lugar onde vive famílias típicas de classe média. Condomínios e casas perto da praia montam um contexto. Apesar de haver condomínios de luxo, há também casas mais simples, do alto de um prédio se avista uma favela próxima. Essa região vem sofrendo um surto de assaltos e violência, e um grupo de seguranças independentes propõe fazer uma espécie de ronda diária para proteger os moradores do lugar. Com a chegada desses elementos estranhos aos padrões de vida do lugar, o longa faz um recorte de um momento muito atual das cidades brasileiras.

Uma vizinhança é um convívio coletivo mas que sempre haverão os que estão coordenando no topo. Em Som ao Redor as hierarquias são estabelecidas através da cor da pele, do poder aquisitivo de compra de uma TV, de uma ameaça ou de tradicionalismos sociais. Kleber Mendonça reflete no longa uma Recife que ainda ecoa uma sociedade do século XVIII, escravocrata e feudal, mas que poderia ser em qualquer lugar do Brasil.

O som do longa confunde num primeiro momento o espectador. As vozes saem baixas, em alguns momentos é inaudível o que os personagens falam. O que parece ser um problema de captação de som funciona mais como um recurso bastante ousado de narrativa. O som externo é o que prevalece, o som ao redor que torna o cotidiano desses moradores um só, independente do que acontece no interior das residências. São os latidos de cachorro, o vizinho que liga o aspirador na janela para provocar intrigas ou mesmo os ambulantes de CDs e DVDs que passam com seus carrinhos de som que realmente importam no enredo.

A forma e o conteúdo do longa andam muito bem juntos. Além do aspecto de som, o longa passeia pelos personagens trazendo sutilezas de cada um em pequenas metáforas de cenas cotidianas. Muitos ângulos trazem sentidos diversos e são esses pequenos cuidados com a câmera que universaliza todo o enredo do longa em cenas carregadas de sentido. As grades das casas com seus próprios cadeados ganham um sentido diferente quando a câmera filma de fora da porta um quadro católico de Jesus e Maria separados pela grade. São sutilezas poéticas facilmente identificáveis no cotidiano.

“Não queria dizer nada, mas tenho recebido minha Veja fora do saco plástico” diz uma moradora de um condomínio da região e a frase deixa clara uma vida morna, entediante e competitiva de uma classe média que vive para provar que pode ostentar um padrão de vida enquanto muitos subordinados – empregados, porteiros e seguranças – são as verdadeiras bases para que essa classe consiga se manter em pé. E enquanto essa classe se preocupa em ostentar seu poder de dinheiro – ganho na forma de um regime de trabalho deprimente – os que são nivelados por baixo como simples prestadores de serviços dessa classe se organizam para que eles possam sobreviver das paranoias dos que estão acima.

O Som Ao Redor lembra de certa forma o que o ótimo Sérgio Bianchi fez em Os Inquilinos, além de outros longas do diretor em que a realidade é tratada de forma cínica quando vista do ponto de vista ficcional. Quando observamos como espectadores os pequenos detalhes de convivência urbana e social, estes se tornam abomináveis. Por exemplo, uma simples chegada de compra de uma TV causa a ira de um vizinho que não pode tê-la ou um “não” dado ao cuidador de carros da rua pode levar ele riscar o carro num ato de vingança. Nessa pirâmide social os que estão acima ou abaixo, até mesmo os que vivem do outro lado da cerca acham seus meios de burlar os limites impostos pelas regras ou perpetuar o seu espaço, sempre há os que se acham vitimizados pelo meio e dispostos a se dar bem.

Um ponto bastante interessante e próprio ao contexto da cidade de Recife apresentado no longa, é como a questão da escravidão negra no Brasil ainda reflete de forma tão sutil na caracterização dessa classe média dos personagens de O Som ao Redor . Desde os empregados até os seguranças da rua, a situação social construída sobre os aspectos históricos do país é nítida, forte e ao mesmo tempo sutil e metafórica. Vive-se na sombra de um problema que foi construído ao longo de pelo menos cinco séculos.

O Som ao Redor é um excelente trabalho que surge no mar de produções tão descaracterizadas do cinema nacional atual exibidas no circuito comercial. Flertando com as críticas propostas no Cinema Novo, ele também apresenta os cenários urbanos atuais de um Cinema de Retomada. Vale a pena prestar atenção no trabalho de Kleber Mendonça Filho, que além de curtas premiados como O Vinil Verde, em seu primeiro longa soube olhar criticamente ao seu próprio redor.

Trailer:

18/02/2013

O Lado Bom da Vida | Crítica

Apesar de carregar o rótulo de comédia romântica e seguir um determinado roteiro padrão do gênero, O Lado Bom Da Vida (Silver Linings Playbook, USA, 2012), de David O. Russel, baseado no livro homônimo de Matthew Quick é um longa que foge dos clichês narrativos, flertando com algumas facetas sobre limites dos relacionamentos e tratando de forma leve e sensível as formas diferentes que as pessoas lidam com os fins e suas próprias instabilidades mentais e sentimentais.

Pat Solatano Jr. é um homem que ficou cerca de oito meses internado em um hospital psiquiátrico diagnosticado com bipolaridade. Ele já demonstrava alguns sintomas do transtorno antes de ter uma crise de violência após encontrar sua esposa com o amante no chuveiro da sua casa. Durante esses meses, Pat assiste à tratamentos de positividade e auto-estima, além dos medicamentos que não gosta de tomar. Recém-saído da internação ele quer somente reconquistar a esposa e ter uma vida comum.

Mas não é simples se livrar dos fantasmas que tanto lhe causaram dor. Agora morando com os pais, ele necessita se tornar obsessivo com outras coisas para se acalmar. Corre muito para gastar energia, lê inúmeros livros um atrás do outro e passa o tempo todo lembrando das dicas ouvidas dos especialistas do hospital. Pat quer manter a todo custo sua sanidade e em um jantar na casa de um velho amigo, conhece Tiffany. Ela é ao mesmo tempo idêntica e o oposto de Pat. Perdeu o marido repentinamente e também passou por alguns surtos, mas tem uma personalidade mais determinada do que Pat. Ela aceita suas loucuras, algumas obsessões, procura suas próprias resoluções e tenta entender que ninguém mantém um nível de sanidade o tempo todo.

A relação de Pat e Tiffany é o que faz o enredo de O Lado Bom da Vida ser um tanto atraente e divertido. Os encontros dos dois são instáveis e ao mesmo tempo redentores. Pat precisa de um subterfúgio e um laço com a ex-mulher. Tiffany precisa de um parceiro para uma competição de dança. E nesses momentos aparentemente tolos, mas bem próximos da vida real, que Pat e Tiffany vão construir uma relação divertida, com altos e baixos e muitas peculiaridades.

ladobomdavida3 — Uma das cenas mais divertidas e irônicas do longa

“Preste atenção nos sinais” é o que diz várias vezes Tiffany para Pat Solatano. Ao invés de reagir sobre qualquer situação ele deveria apenas observar tentando compreender. É engraçado ver vários elementos de auto-ajuda embutidos no roteiro de O Lado bom da Vida – incluindo o título nas duas línguas, já que em inglês é uma expressão para “algo bom encontrado numa situação ruim” – mas que dentro do enredo são apenas cenas pertinentes e divertidas para quem sofre de bipolaridade, um diagnóstico nada incomum atualmente. A pessoa que sofre do transtorno de bipolaridade pode ir de um extremo ao outro em questão de pouco tempo. No longa é mostrado a importância da pessoa sempre manter em mente que tudo é passageiro, inclusive a tristeza e as lembranças.

Mas esse uso exagerado da positividade também pode incomodar o espectador, principalmente pela repetição no roteiro da crença de que acreditando tudo pode acontecer. Não que isso seja ruim, mas o filme chega pregar um tanto de exagero no lema de “tudo fica bem no final se você quiser assim”. Mas como dito anteriormente, as cenas de auto-ajuda soam extremamente sarcásticas e cínicas colocadas no contexto dos personagens.

São cenas como Pat tentando ler toda a lista de livros que sua mulher ensina em literatura em pouco tempo e no meio da noite ficando irritado com o pessimismo de Ernest Hemingway, acordando todos na vizinhança ou quando se encontra com Tiffany em uma lanchonete onde ambos causam uma cena caótica tentando provar um para o outro que não são malucos, que fazem o espectador dar algumas risadas sobre a inconstância de ser humano.

Tanto Bradley Cooper (Se beber não case e etc), acostumado a ser visto em papéis de galã e Jennifer Lawrence (Jogos Vorazes e o ótimo Inverno da Alma), a mais nova queridinha do cinema americano, estão bem diferentes dos seus costumeiros papéis no cinema. Ele está em um papel simples e engraçado e ela se sai muito bem como uma instável jovem viúva. O elenco ainda conta com um Robert De Niro, que já teve seus tempos áureos, mas que sai bem como o pai de Pat, deixando claro que muito das loucuras dos filhos são herdadas dos pais.

O Lado Bom da Vida é um filme agradável que merece destaque por fugir dos costumeiros casais perfeitos de comédias românticas. Apesar do longa conseguir segurar o público pela inconstância divertida de seus personagens, que buscam sua sanidade em pequenas coisas em um mundo tão inconstante, é bastante exagero ele concorrer a sete Oscares em 2013.

Trailer:

15/02/2013

O Voo | Crítica

Um homem pode ser absolvido pelos seus vícios por conta de um grande ato de heroísmo, que salvou muitas vidas em uma situação onde provavelmente todos iriam morrer? Este é o grande questionamento em torno de O Voo (Flight, EUA, 2013), dirigido por Robert Zemeckis e com Denzel Washington no papel principal.

A história começa em uma manhã que parece ser como qualquer outra, depois de uma noitada de álcool, drogas e sexo, Whip Whitaker vai trabalhar como se nada tivesse acontecido. Só tem um pequeno detalhe, ele é piloto de aviões domésticos em uma grande companhia aérea. Para piorar a situação, o avião que estava pilotando sofre uma pane no meio do voo e começa a cair de ponta cabeça em direção ao chão. Esta era uma situação que dificilmente alguém poderia sair vivo, mas ele teve a genial ideia de virar o avião de cabeça para baixo e assim nivelá-lo novamente para poder pousar, salvado praticamente quase todos a bordo. Só que quando as investigações a respeito do que poderia ter acontecido com a aeronave começam a ser feitas, é descoberto que ele estava bêbado durante o acidente e o mesmo pode ser preso por conta disso.

As atrizes Nadine Velazquez como Katerina Marquez e Tamara Tunie como Margaret Thomason — Nadine Velazquez como Katerina Marquez e Tamara Tunie como Margaret Thomason

Apesar do trailer dar uma impressão de ser um filme de comédia, ele é na verdade um drama bem intenso. Com vários outros filmes de peso no currículo como a trilogia De Volta para o Futuro, Forrest Gump, o Contador de Histórias e Náufrago, talvez este seja o longa mais pesado, ou o mais adulto, que o o diretor Robert Zemeckis já fez. Não só falando da temática, mas também da escolha de filmar cenas de maneiras que normalmente são evitadas. É inesquecível, por exemplo, o momento em que o avião está caindo e toda a aeronave simplesmente vira de cabeça para baixo e vemos detalhe por detalhe tudo que acontece dentro do avião. Depois dessa você vai pensar duas vezes antes de não querer usar o cinto de segurança na sua próxima viagem. Também não são poupadas as cenas de nudez, principalmente da atriz Nadine Velazquez que faz o papel de aeromoça e amante de Whip, não ficando naquele esconde esconde hollywoodiano ridículo.

Não é por menos que Denzel Washington está concorrendo ao Oscar de 2013 como Melhor Ator por conta deste filme, que segundo ele é um dos papéis mais complexos que já fez. Devido as suas várias facetas, é constante a alternância entre admiração e repulsa em relação ao comandante Whip. Você não sabe se adora ou se odeia aquele personagem. Bem diferente por exemplo do seu papel em O Livro de Eli (2010), dirigido por Albert e Allen Hughes, onde ele é simplesmente o herói bondoso de coração puro.

Bruce Greenwood e Don Cheadle como os protetores do personagem de Denzel Washington

O Voo desenvolve bem toda essa questão do dualismo herói/vilão e do vício de Whitaker, assim como os de outros personagens secundários, sem entrar em todas aquelas cenas e argumentos clichês que estamos acostumados a ver em longas do gênero. Além disso, ele também aproveita para fazer algumas piadinhas e questionar algumas instituições, como as próprias companhias aéreas e o sistema legal, mas sem se perder nelas. Para a felicidade ou o desgosto de alguns, o filme acaba tendendo fortemente para a religião, mas totalmente plausível considerando as circunstâncias do acontecimento. Algumas pessoas talvez achem o filme cansativo por ter um pouco mais de duas horas de duração, mas isso acaba sendo importante para poder desenvolver sem pressa toda a sua trama.

Trailer:

httpv://www.youtube.com/watch?v=LdpzTsqRSPw

14/02/2013

Os Miseráveis | Crítica

Musicais sempre dividem o público de cinema, ainda mais se tratando do cinema contemporâneo que preza em manter o foco na ação e diálogos. Os Miseráveis (Les Misérables, Reino Unido, 2012) de Tom Hooper, já chegou querendo realizar duas grandes façanhas, primeiro a de adaptar um cânone de cinco volumes do romantismo francês e segundo o de transpor um musical de teatro para a narrativa cinematográfica.

Os Miseráveis se passa em um período delicado na política e na sociedade francesa do século XIX. Em 1815 acontece a Batalha de Waterloo, conhecida pela queda de Napoleão Bonaparte e do retorno da Monarquia. É nesse clima de descrença e retorno das repressões que o protagonista Jean Valjean, um homem condenado à prisão por roubar um pão para alimentar o sobrinho, é apresentado. Se hoje um homem pobre é condenado por esse mesmo ato, imagine a situação no século XIX numa França economicamente arrasada e porém imersa nos moralismos monarquistas.

osmiseráveis1 — A ótima caracterização dos motins de 1832

Jean Valjean é o homem ferido pela injustiça, após 19 anos encarcerado em regime de escravidão é jogado à liberdade em uma sociedade que exclui qualquer um que vá para a prisão. A trajetória do homem, que dura cerca de 17 anos indo até os momentos cruciais dos motins de junho de 1832, é marcada por escolhas, nem sempre politicamente corretas mas carregadas de redenção. Valjean tenta sempre ser o oposto do que cobram as leis da época, exageradas e que privilegiam apenas os grandes. Ao passo que tenta ser o “bom cristão”, Valjean enxerga nitidamente as desgraças que o povo francês vivia por conta das leis monárquicas e tenta acima de tudo ser um humanista.

As adaptações de livros para as telas sempre correm o risco de não atingirem toda a narrativa e construirem um enredo alheio à forma que os escritores o fazem. E não é diferente com uma obra de mais de mil páginas que trata ricamente dos seus personagens como é o caso de Os Miseráveis, de Victor Hugo. No longa, o espectador é levado a já saber o mote da história e de compreender os vários nuances das relações entre Valjean, Cosette, Fantine e todos os outros personagens que compõem a obra, pois várias situações apenas acontecem sem as suas causas prévias.

Como o longa foi baseado no musical de teatro dos anos 80, de Claude-Michel Schönberg, Alain Boublil e Herbert Kretzmer, ele conta apenas com dois grandes atos onde muitos eventos do livro são livremente adaptados para dar maior velocidade à peça de quase três horas.

osmiseráveis2 — O filme abre com uma cena emocionante

O longa abre com uma cena extremamente bela e grandiosa de Jean Valjean (Hugh Jackman) e outros presos puxando um navio. A cena é digna de espetáculo, uma obra de arte impecável mostrando justamente a que veio. Aliás, Os Miseráveis é um tipo de filme para ser grandioso como espetáculo, a direção de arte chega exagerar por exemplo com os dentes dos personagens — os closes nas bocas são bem exagerados — visivelmente estragados.

osmiseráveis5 — A comitiva do impiedoso Javert

Claro que há a necessidade de se contextualizar a história que se passa em um momento bastante crítico da história da França. As pessoas morrem de doenças, vendem seus dentes e cabelos para poder comprar pão e Victor Hugo retrata essa dor até que o leitor sinta na sua pele. Mas aqui tudo fica explicitamente artístico, inclusive a sujeira e a tristeza. Mas claro que se deve levar em conta que o longa é um musical e carrega todas as características do gênero. Muitos closes prolongados nos rostos dos personagens cantando, cenários ora bastante escuros, ora contrastantes com foco no trabalho de direção de arte, visivelmente inspirada nos pintores do século 19, e a construção do roteiro em formato musical com muitas canções cativantes — preste atenção na música Do You Hear the People Sing? que inicia a fase dos motins — são elementos muito bem executados.

O elenco é bastante interessante e consegue dar conta de cantar, ainda mais levando em conta que o diretor exigiu que não houvessem playbacks, ou seja, todos cantavam enquanto atuavam e ouviam um pianista através de um ponto auditivo. Hugh Jackman demonstra uma certa falta de ritmo em alguns momentos mas sua caracterização como Valjean, principalmente na primeira parte, é muito forte. Anne Hathaway se sai muito bem, é uma Fantine com cenas muito bonitas. Já Amanda Seyfried como Cosette e Russel Crowe como Javert não seguram muito bem seus papéis, soando bastante falsos, a primeira que há vários filmes não me convence muito, sempre parecendo uma adolescente insegura e Crowe, apesar de ser um ótimo ator, não chega aos pés da maldade de Javert. Helena Bonham Carter e Sasha Baron Cohen são os malandros Thenardiers, com uma estética muito parecida com os seus papéis no também musical Sweeney Todd, de Tim Burton. Mas um dos grandes destaques do time de atores é o pequeno Daniel Huttlestone como Gavroche, o pequeno menino de rua que tem uma enorme representação dramática nas cenas do motim.

osmiseráveis4 — Anne Hathaway como Fantine

Os Miseráveis merece destaque pela ousadia de Tom Hopper de adaptar cinematograficamente um musical que por si só já tem suas complexidades. É um longa que trabalha com a emoção do espectador e quando visto de uma tela como a do IMAX consegue cumprir seu papel, já que musicais requerem uma disposição do público e também da necessidade dos enredos soarem mais próximos do público. Mas por outro lado ainda tenho minhas dúvidas se esse é um filme que vai permanecer no imaginário como uma grande adaptação. Resta acreditar que o espectador sinta-se tocado a ler o livro que provavelmente vai deixá-lo ainda mais impressionado com os personagens e esse forte momento histórico.

Trailer:

13/02/2013

Caça aos Gângsteres | Crítica

Cada geração tem seu filme de gângster icônico e esperamos que este seja o próximo.

É com esta frase que o diretor Ruben Fleischer apresenta o seu novo filme de ação Caça aos Gângsteres (Gangster Squad, EUA, 2013), que estreou dia 1 de fevereiro nos cinemas brasileiros, com participação de nomes de peso como Sean Penn, Ryan Gosling, Josh Brolin e Emma Stone.

O filme se passa no ano de 1949 quando um grupo de policiais é secretamente formado para derrubar Mickey Cohen (Sean Penn), um gânster que praticamente comanda toda a cidade de Los Angeles. Apesar de Cohen realmente ter existido, as similaridades com o mundo real praticamente acabam por aí, o resto da história foi inspirada em rumores e, para transformá-lo em um grande longa de ação, uma boa dose de ficção.

O principal destaque é o trabalho feito para recriar a Los Angeles pós-guerra, que ficou simplesmente fantástica, mas acabou sendo totalmente ofuscada pela péssima qualidade do longa em geral. A reunião do elenco de peso, que é o grande chamariz ao lado das cenas de ação, foi literalmente jogada fora por um roteiro muito fraco e uma péssima edição. Os personagens são muito forçados e totalmente rasos, não há qualquer motivação real para suas atitudes que não sejam um ou outro pequeno acontecimento, ou uma pseudo reflexão a respeito de uma situação. Isso acaba tornando o filme realmente cansativo, pois quando parece que algum deles vai se aprofundar em alguma questão, ela é simplesmente jogada fora com a mudança de assunto ou um corte seco.

Não que eles deveriam entrar em uma reflexão filosófica e existencial para justificarem suas atitudes, mas um pouco de embasamento faz muita falta. Aqui vale a pena também chamar a atenção para o maléfico vilão, sim é para ser exagerado e repetitivo, protagonizado por um Sean Penn com rosto transfigurado para enaltecer seus traços sombrios, que mesmo colocando os pulmões para fora com seus ataques de raiva, não conseguiria assustar uma joaninha de tão vazio que ficou seu personagem.

Já o esquadrão anti-gângster, é supostamente formado por profissionais que são selecionados por terem cada um uma qualidade especial, premissa completamente esquecida durante o desenvolver do enredo. Na verdade, a grande especialidade do grupo parece ser enfraquecer totalmente a capacidade de mira dos seus adversários, porque é incrível como eles são os únicos que conseguem acertar alguém no meio de um tiroteio. Também é curioso notar que a equipe foi claramente escolhida para abranger os diferentes tipos de etnia, idade, temperamento e nível de testosterona, formando um grupo totalmente inclusivo e politicamente correto, apesar de atuarem por trás da lei.

Assim chegamos ao ponto principal de Caça aos Gângsteres, o uso e abuso de praticamente todos os clichês possíveis de um filme de gângsters. Em vez de ter feito um super remix, como faz por exemplo o Tarantino em Django Livre com o western, ele simplesmente repete integralmente as fórmulas com um toque dos clichês de veteranos de guerra, sempre em busca de mais violência, e do bom e velho american way of life. Assim, é contínua a sensação de que você já sabe exatamente o que vai suceder, porque é claro que nada de ruim realmente pode acontecer. Afinal, estamos na terra do Tio Sam.

Além das atuações pra lá de caricatas, os efeitos especiais acabam caindo no mesmo problema: muito se quer mostrar, mas realmente pouco se sente. Utilizar cenas no estilo bullet-time para adicionar mais dramaticidade nas cenas de ação não é nenhuma novidade, mas ainda não havia visto nada tão sem sal utilizando esta técnica. Pode até ter ficado legal no trailer, mas quando utilizadas dentro da narrativa do filme, parecem terem sido colocadas de forma totalmente aleatória pois parecem completamente perdidas e sem grande acréscimo na sensação de perigo ou ação.

Depois do Ruben Fleischer ter feito o ótimo Zumbilândia (2009), fica até difícil de acreditar que foi ele quem dirigiu Caça aos Gângsteres, de tão fraco que é. Para um filme que pretendia marcar uma geração, como por exemplo fez Scarface (1983) de Brian De Palma, este com certeza será icônico no abuso e mau uso de clichês.

Se você não gosta de spoilers ou de informações demais antes de assistir um filme, recomendo que não veja o trailer oficial, pois ele não só acaba entregando muitas das melhores cenas de ação, como também mostra algumas cenas cruciais que podem estragar as várias surpresas que o longa tenta criar.

Para os apreciadores de design, vale a pena assistir aos créditos do filme que foram montados no estilo dos cartões postais da época.

Caça aos Gângsteres — Comercial de TV

httpv://www.youtube.com/watch?v=m72cJm8DYUg

04/02/2013

O Mestre | Crítica

O Mestre (The Master, E.U.A., 2012), o aguardado novo longa de Paul Thomas Anderson, já nasceu com bastante expectativa. Em 2008 o diretor foi um dos mais indicados ao Oscar — mas levou apenas duas estatuetas — trazendo Daniel Day-Lewis em Sangue Negro, um papel arrebatador como um homem do petróleo no início do século XX, mostrando o novo rosto da modernidade marcada pela solidão e individualismo. Nesse novo longa, o diretor segue um caminho parecido trazendo uma trama ficcional, apesar de ser bem realista, do surgimento da Cientologia, uma religião que tem agregado muitos americanos e vive na sombra do mistério.

Ninguém permaneceu igual depois da Segunda Guerra Mundial, eram vísiveis as marcas do combate nos corpos e mentes dos homens que voltavam de lá. E para quem ficou desse lado do oceano havia uma comoção em busca de uma fé, de explicações que ajudassem a compreensão e o sentido da vida. O momento era propício para o encontro de dois homens, Freddie Quell, um veterano da marinha perturbado pelo passado e alcoólatra, e Lancaster Dodd, um homem inteligente, carismático e ambicioso que começa a conseguir fiéis com as suas ideias de “A Causa”.

A primeira parte de O Mestre é dedicada à introdução de Freddie (Joaquin Phoenix), um homem de poucas palavras e trejeitos brutos, apresentado sobre uma trilha sonora bem ao estilo do diretor, alta e apoteótica. O espectador se apropria da imagem de Freddie voltando da Guerra, se embriagando — ele faz sua própria bebida — e levando seus dias de uma forma sem maiores perspectivas até conhecer Dodd (Philip Seymour Hoffmann) em um momento de decadência. Apesar da relação dos dois personagens ser o motor do enredo, o foco sempre permanece em cima de Freddie e suas reações desmedidas.

Ele “deve deixar de ser um animal estúpido” é o que diz Dodd, e Freddie é caracterizado exatamente dessa forma, seus trejeitos físicos mostram que seu corpo foi deformando com o tempo, assim como suas feições faciais e grunhidos que ele emite em alguns momentos. Já o homem, o mestre da Causa é calmo, perseverante e além de médico, cientista, filósofo e como ele mesmo diz “acima de tudo, sou um homem”.

O longa tem um ritmo bastante parecido com o anterior Sangue Negro, com uma narrativa arrastada, focada nos personagens que em seus contextos históricos, por mais chamativos que sejam, são apenas plano de fundo. Em ambos os filmes os protagonistas e coadjuvantes são uma excelência à parte. Tanto Joaquin Phoenix e Daniel Day-Lewis se susbmetarem a excelentes trabalhos de atuação e vivência dos personagens. E vale ressaltar que em O Mestre, os coadjuvantes também são defensores de uma fé extrema, não há como não relacionar os ataques defensivos de Lancaster Dodd com o culto encenado do pastor Elie Sunday de Sangue Negro.

A Cientologia surgiu em 1952 e logo depois virou igreja. Segue os preceitos de L. Ron Hubbard, que morreu em 1986, supostamente interpretado aqui por Philip Seymour. Hubbard criou a Dianética, prática focada no poder da mente sobre o corpo, onde muitos de seus exercícios são exibidos no filme. Apesar das especulações do longa se basear na historia da crença, ele não se compromete muito com o assunto e acaba caindo na mistificação da Causa e que tipo de grupo misterioso eles seriam.

Paul Thomas Anderson filmou em 65 mm, fazendo com que o longa tenha um aspecto muito próximo da estética da época. A trilha sonora foi feita por Jonny Greenwood, guitarrista do Radiohead, que causa obrigatoriamente um momento dramático em cenas apáticas, o que de fato não é ruim, dando um tom de espetáculo para várias cenas, contribuindo assim com o estilo exagerado do diretor.

O longa concorre a três Oscares nesse ano e de fato é bastante competente nos três atores apontados. Joaquin Phoenix, Philip Seymour Hoffman e Amy Adams — sendo a mais fraca do trio — são a base do filme. O Mestre é misterioso e tem isso a seu favor, mas com um roteiro tão arrastado não possui as mesmas seduções de Sangue Negro e também passa longe do estilo Magnólia de um Paul Thomas no fim dos anos 90.

Trailer:

29/01/2013

Lincoln | Crítica

Abraham Lincoln é com certeza uma das figuras públicas mais conhecida e amada nos Estados Unidos, e ninguém melhor do que o diretor Steven Spielberg, para enaltecer ainda mais essa figura em Lincoln (EUA, 2012), seu mais novo filme. Baseado em uma das partes do livro “Team of Rivals — The Political Genius of Abraham Lincoln” escrito por Doris Kearns Goodwin e lançado aqui no Brasil pela Editora Record sob o título “Lincoln”, o longa abrange os últimos 4 meses de vida do presidente, que foi assassinado em 15 de abril de 1865.

Este foi justamente o período em que o Lincoln batalhava para conseguir que a 13º emenda da constituição, a qual proibia a escravidão nos Estados Unidos, fosse aprovada, bem como para terminar a Guerra Civil Americana, provavelmente a maior crise interna vivida pelo país. Sabendo que a guerra era uma oportunidade única para conseguir a abolição da escravatura, tentou de todas as maneiras possíveis que ela fosse legalizada. Utilizando diferentes tipos de artimanhas e subornos, lembrando em alguns momentos a história do Papa Rodrigo Borgia, que possui uma série em quadrinhos incrível ilustrada por Milo Manara e escrita por Alejandro Jodorowsky, tirando todo o sexo, é claro. Esse tipo de manobra traz um questionamento bem interessante não só a respeito das vulnerabilidades de uma república, assim como da validade do aspecto, de certa forma maquiavélico (o fim determina os meios), de uma ambição cujo propósito é um bem maior para a humanidade. Questões que certamente dão muito o que pensar e discutir.

Acompanhamos também vários momentos íntimos de Lincoln em situações que geralmente não imaginamos um presidente fazendo, como ele engraxando suas próprias botas ou de joelho no chão colocando lenha na sua lareira. O foco do filme é mostrar como era o dia a dia desta pessoa que teve um papel tão importante em modelar o país como ele é hoje, revelando mais o homem e menos o mito. A facilidade, em relação a hoje em dia, de pessoas comuns falarem com o presidente a respeito de problemas que estavam tendo, também causa certo estranhamento. Assim como toda a mentalidade racista e cheia de preconceitos de uma época em que falar sobre mulheres terem o direito ao voto causava uma grande confusão. Este é um momento anterior ao ambientado no filme “Django Livre” (2012), onde a escravidão predominava e a Guerra Civil Americana estava prestes a estourar.

O grande destaque do longa são as ótimas atuações, principalmente o Daniel Day-Lewis como Lincoln, cujo último trabalho foi o fraquíssimo “NINE” (2009) dirigido por Rob Marshall, e Tommy Lee Jones (“Homens de Preto 3″). Há também um pequeno papel do excelente Joseph Gordon-Levitt (“Looper: Assassinos do Futuro” e “Batman — O Cavaleiro das Trevas Ressurge”) como filho do presidente, o qual foi indicado ao Spielberg pelo próprio Day-Lewis, mas acabou ficando ofuscado pelas outras atuações. Apesar de já terem sido escritos muitos livros sobre o Lincoln, há vários pontos de vistas em relação a sua personalidade, o que acaba gerando certa discrepância entre os historiadores e tornando a definição do personagem mais difícil. Devido à inexistência de material audiovisual sobre o presidente, um dos problemas por exemplo foi achar a “voz” do mesmo. O próprio Day-Lewis foi responsável por grande parte da construção de seu personagem. As cenas que provavelmente ficarão gravadas na memória, são os momentos em que Lincoln interrompe o trabalho de todos e conta uma história, para o deleite ou o desprazer de quem está a sua volta.

Witching Hour by Andrew Wyeth — “Witching Hour” por Andrew Wyeth

Visualmente o filme chama bastante atenção por ser bem escuro e utilizar somente a iluminação natural, seja por velas, lareiras ou janelas com a cortina aberta. O diretor conta que se inspirou bastante nos quadros dos pintores impressionistas do século 19, onde eles começaram a usar o efeito da luz natural para iluminar o conteúdo de suas pinturas. A principal referência foram as obras do pintor Andrew Wyeth, que possui um contraste bem forte em seus quadros, característica que é bem marcante no longa. Interessante também, foi a escolha de deixar de fora certas cenas que mostravam o grande resultado de um acontecimento, como o final da votação da 13º emenda ou o seu assasinato, para focar em lugares e acontecimentos mais periféricos. É claro que este não deixa de ser um filme do Spielberg, apesar de ter uma ou outra cena de batalha com sangue, a enaltação da beleza e da bondade das pessoas transborda pela tela. Também temos algumas tomadas bem estratégicas não só para enfatizar o quão alto o presidente era, mas também toda a grandiosidade que o mesmo transmitia, tanto em presença quanto em espírito.

Lincoln pode não fazer muito sentido em território nacional como um “cinema pipoca”, não só pelo pouco — ou inexistente — apelo emocional desta figura pública por aqui, mas principalmente pela sua longa duração, praticamente duas horas e meia de filme. Sendo o mesmo assistido mais como uma experiência pela curiosidade histórica, o longa acaba sendo muito interessante, mas realmente é preciso estar nesse movimento. E com o Oscar aí, não há dúvida que este seja o queridinho dos americanos, resta agora torcer para que o nacionalismo não fale mais alto do que a qualidade dos candidatos entre si. Se não ocorrer novamente toda a trambicagem na hora da votação, é claro.

Trailer:

httpv://www.youtube.com/watch?v=b6WkKvgn2G4

26/01/2013

Category: Críticas