Arquivo para Cinema - Page 5 of 13

Crítica: O Homem do Futuro

Uma ótima surpresa no cinema nacional, tanto em produção, efeitos especiais e roteiro é O Homem do Futuro (Brasil, 2011), dirigido por Claudio Torres. Apesar do enredo estar longe de ser original, o fato dele fugir das globochancadas — verdadeiros pastelões de vento — que estão sendo lançados ultimamente, acaba fazendo uma grande diferença ao trazer um pouco de raciocínio e piadas mais inteligentes, sem ter que ficar apelando para baixaria. O filme soube fazer uma boa mescla de ficção científica e comédia romântica, balanceando bem os dois, conseguindo agradar ambos públicos. Além disso, apesar de em várias coisas ser previsível — principalmente para quem já viu filmes no estilo — ele ainda consegue nos fazer pensar sobre a lógica e as várias consequências de uma viagem no tempo.

Falando em filmes do mesmo estilo, aos poucos o cinema brasileiro está fazendo suas próprias versões, como o Se eu fosse você (2005), ou remixes de filmes estrangeiros, algo que Hollywood faz até não poder mais. Tudo bem, seria bem mais legal se coisas mais “originais” destinadas ao grande público fossem feitas por aqui, mas acredito que esta é uma boa maneira de ir se aprimorando para no futuro poder criar algo novo com mais qualidade. O Homem do Futuro é um grande remix de filmes estrangeiros, conseguindo muito bem abrasileirar a fórmula do De Volta para o Futuro (Back to the Future, EUA, 1958), e fazer outras boas referências, como O Exterminador do Futuro (The Terminator, EUA, 1984) e Efeito Borboleta (The Butterfly Effect, EUA, 2004), de forma inteligente.

Uma coisa é certa, Wagner Moura está cada vez se afirmando mais como um ótimo ator. É incrível ver por exemplo a sua transformação para fazer o papel de Zero, um personagem totalmente frágil e inseguro, em O Homem do Futuro, quando a sua imagem que ficou mais conhecida foi como o duro Capitão Nascimento, do Tropa de Elite (2007).

Apenas duas coisas deixam a desejar em O Homem do Futuro. A mais crítica são os gritantes erros de continuação — se fossem pequenas coisinhas até que passava, mas não… — e a outra, de opinião mais pessoal, é o Wagner Moura cantando. A música “Tempo Perdido” até que não ficou ruim, mas quando ele canta um trecho da música “Creep” do Radiohead, em sua própria versão, ficou difícil não dar umas contorcidas na poltrona do cinema.

Alguém por acaso conseguiu sair do filme sem ficar com a música “Tempo Perdido” na cabeça durante dias?

Outras críticas interessantes:

Cinemaorama
Celso Sabadin, no Cineclick

Trailer:

httpv://www.youtube.com/watch?v=IEEE7qbmYUU

21/09/2011

Porta na Cara: O Último Boy Scout — Jogo de Vingança (1991), de Tony Scott

Classe A no quesito filme com tiro, tapa e esculacho, é uma pena que O Último Boy Scout — Jogo de Vingança (1991) não tenha fincado raízes no coração das pessoas como Duro de Matar, por exemplo. Mesmo assim, não se trata de um filme menor.

Juntaram a melhor dupla para fazer o clichê clássico do gênero policial “eu-não-fui-com-sua-cara-de-início-mas-você-é-legal-e-vamos-ser-amigos-e-combater-o-crime-juntos”: Bruce Willis e Damon Wayans (o protagonista do seriado Eu a Patroa e As Crianças). Só por isso, o O Último Boy Scout — Jogo de Vingança já merecia ter recebido o prêmio Nobel por serviços prestados a humanidade.

Dirigido por Tony Scott (que também dirigiu Amor á Queima Roupa e Top Gun, risos) e com o roteiro assinado pelo MESTRE Shane Black (o cara que escreveu Máquina Mortífera merece todo meu aval bajulador nível Galvão Bueno), O Último Boy Scout — Jogo de Vingança conta a história do detetive Joe Hallenbeck (Willis) que não está em seus melhores dias. Cínico, anda bebendo e jogando além da conta, com problemas de relacionamento com a filha boca suja e ainda é coroado com um chifre da esposa.

A vida não é fácil. Nem para os personagens da ficção.

Quem meteu o galho na cabeça de Hallenbeck foi seu melhor amigo e sócio, que após despachar um trampinho para o pobre Joe, explode em um atentado a bomba em seu carro. Hallenbeck se sente um pouco vingado com isso, não podemos julga-lo. A tarefa ingrata nada mais é do que ficar de olho em uma dançarina (Halle Barry) que anda recebendo ameaças de uma rapaziada contravenção e que acaba sendo assassinada.

O namorado da morena que Joe banca o guarda-costas é Jimmy Dix (Wayans), ex-jogador de futebol americano que foi afastado do esporte devido à mutretas com apostadores. Como disse mais acima, os dois vão se estranhar um pouquinho ao se conhecerem, mas acabaram se unindo para combater o submundo do futebol americano.

Shane Black afirmou que o filme é a sua homenagem às histórias de Raymond Chandler com um toque anos 1990. A trama toda se passa em Los Angeles, local da maioria das histórias de Chandler.

O que mais contou a favor de O Último Boy Scout — Jogo de Vingança para mim, é o fator humor nele contido. As piadas são boas e parecem que, apesar de todas as confusões (cresci com os cacoetes da Sessão da Tarde, me deixa) que os personagens se metem, eles conseguem fazer alguma gracinha em determinada situação. Ou seja, o filme é auto-suficiente em frases de efeito e é possível que você queira usar pelo menos umas duas por dia em ocasiões que achar necessário.

Dito isso no parágrafo acima, lembrei do Daniel Galera, que escreveu o seguinte lá no blog do IMS:

Não se fazem mais filmes de ação como antigamente, hein. Acho que a última coisa válida mesmo foi a trilogia do Senhor dos Anéis, e Matrix, claro, cujas enxurradas de clones formam, junto com os filmes de super-heróis de quadrinhos, os três braços do grande rio dos filmes de ação medíocres e sem alma da última década (Eu quase gosto de alguns filmes do Tony Scott, todavia. Quase.) Caçadores de Emoção é um dos últimos exemplares de uma tradição quase extinta da qual fazem parte Predador, Duro de Matar, Aliens – O Resgate, Mad Max 2. Só filmão. Hoje em dia, ou pesam demais no verniz cerebral, como no Inception, que é um meta-filme de ação onde esqueceram de deixar a graça, ou fazem uns mashups de clichês preguiçosos e ineficazes.

Concordo com quase tudo dito acima. Não sou fã de Senhor dos Anéis e nem de Matrix e gosto dos filmes de Tony Scott (exceto Top Gun, claro), mas o que o Galera diz é verdade: estão matando a graça dos filmes de ação, que infelizmente, estão quase extintos.

Mas, assista O Último Boy Scout — Jogo de Vingança e mate a saudade do gênero. Cinco estrelas de cinco possíveis.

Abraço

01/08/2011

Crítica: Natimorto

Lourenço Mutarelli é um dos escritores mais interessantes e híbridos da literatura atual e Natimorto (Brasil, 2011), dirigido por Paulo Machline, é a adaptação do segundo livro deste escritor conhecido pela densidade e ironia de suas obras.

Um homem e uma mulher numa proposta de tentarem viver suas vidas, literalmente, num quarto de hotel. Os personagens se resumem no homem (Lourenço Mutarelli), uma espécie de produtor musical e a mulher (Simone Spoladore), uma cantora de ópera. Enquanto o cotidiano da relação vai se construindo, eles passam a discutir, entre cigarros e cafés, seus futuros através da associação de embalagens de cigarro e cartas do Tarô.

O enredo de Natimorto se foca neste convívio claustrofóbico, exemplificando de forma muito interessante o sufocamento das relações. Os dois personagens podem sair o momento que quiserem da situação proposta, mas não há a iniciativa. Ele por não acreditar na vida fora do quarto e sentir que sua vida se resume em lamento, café e cigarros e ela por ter a necessidade de alguém que alimente a sua perspectiva de existência, ou seja, uma relação extremamente simbiótica.

Antes de ser conhecido pela surpreendente obra e bem sucedida adaptação de O cheiro do Ralo, Lourenço Mutarelli era famoso pelos seus quadrinhos obscuros e repletos de um humor negro inconfundível. Além disso, o paulista também é conhecido na literatura contemporânea pelas idiossincracias e por construir diálogos inteligentes pautados por movimentos de câmeras-narrativas que vem e vão durante as cenas literárias.

O fato de Mutarelli usar recursos de roteiro para escrever seus romances não significa que as adaptações de seus trabalhos, para o cinema, devam sempre ser transpostas de forma literal. Há detalhes na narrativa literária que surtem efeito aos olhos do leitor mas, quando passadas para uma narrativa de imagem, elas aparentam serem mais longas ou fazem pouco sentido num determinado plano. Na adaptação de Natimorto, ocorreu isso algumas vezes, como, por exemplo, nos longos diálogos repletos de reflexões, numa espécie de bate e volta consigo mesmo, do personagem sociofóbico interpretado pelo próprio Mutarelli. Os longos diálogos no longa se tornam, em algum momentos, um pouco cansativos por ocuparem diferentes tempos do que ocorre na narrativa literária. No livro, os discursos se desenvolvem em muitas páginas, enquanto no filme eles são suprimidos a uma cena do roteiro.

Por outro lado, outras situações se encaixaram perfeitamente, como em muitos momentos onde os planos seguem à risca as descrições do livro em que o narrador aponta a câmera para a boca de determinado personagem, como se o leitor — agora espectador — finalmente pudesse entender determinada situação descrita no livro.

Em Natimorto há poucas cenas externas, o que acaba fazendo a atenção se voltar para as interpretações, como a do próprio escritor que se mostra inseguro no ínicio do filme mas que, com o passar do tempo, se torna uma premissa psicológica do personagem. A aparência miúda e nervosa de Mutarelli confunde, de forma muito interessante, o criador e a criatura. Já Spoladore faz um papel que acredito combinar com ela, possuindo uma voz forte e um olhar irônico cabível à personagem.

Natimorto é uma experiência interessante para o cinema nacional que vem apostando em trabalho menos hiperrealistas e configurando associações com a literatura feita no presente. Mesmo para os desacostumados a um cinema com mais diálogos e experimental, o filme vale o ingresso.

Trailer:

httpv://www.youtube.com/watch?v=PfoHx-kHUhQ

26/07/2011

Crítica: Assalto ao Banco Central

Baseado no polêmico caso policial de assalto ao Banco Central de Fortaleza, em 2005, Assalto ao Banco Central (Brasil, 2011), dirigido por Marcos Paulo, parece mais uma versão abrasileirada — com menos graça e estilo — da franquia 11 Homens e um Segredo, entre outros longas e séries do gênero.

Barão (Milhem Cortaz) é o clássico malandro e trapaceiro à moda Brasileira, tem seus próprios negócios, se veste bem e tem uma mulher de formas exuberantes (leia-se piriguete) ao seu lado. Não satisfeito com isso, decide planejar um grande assalto a banco convocando nomes do crime e outros profissionais que querem lucrar bem com a empreitada. O planejamento do roubo — definição mais correta já que a palavra assalto denota outra coisa — é feito milimetricamente para que não haja violência e nem alarde em nenhum momento. Mas claro, nem tudo são flores e a ganância — bem ao estilo brasileiro para estrangeiros — vai dar outros contornos para a trama.

Um dos problemas mais sérios de Assalto ao Banco Central é apostar na narrativa novelesca, praticada desde sempre pela Globo. Os elementos televisivos não se resumem apenas na transposição dos atores — costumeiramente protagonistas de dramas na TV — interpretando papéis levianos, mas também nos elementos que constroem as cenas, fazendo tudo parecer superficial demais.

Mesmo que a montagem do filme, trabalhando com aleatoriedade usando passado, presente e futuro, tenha sido um acerto, o roteiro não convence, deixando a desejar justamente no quesito de conflito do enredo. Como se Assalto ao Banco Central tivesse que funcionar como longa, e ao mesmo tempo como uma série do estilo CSI e afins, a trama acaba ficando morna, sem permitir nenhum tipo de tensão.

Assalto ao Banco Central acaba não criando vínculo narrativo com nenhum personagem e todos são efêmeros e pouco cativantes. Atores que funcionam muito bem na televisão, como o veterano Lima Duarte, Eriberto Leão e o divertido Gero Camilo, se apresentam como personagens levianos, com piadas forçadas e muito fáceis de cair no esquecimento.

Nenhuma novidade quando às dificuldades que o cinema nacional tem de desligar do universo narrativo da televisão. Assalto ao Banco Central é mais um longa que vem reforçar a medianidade das produções que envolvem produtoras firmadas no mercado televisivo e comercial apostando no cinema como extensão. Nenhum preconceito quanto a participação dessas empresas e artistas — já que podem contribuir com belo poder aquisitivo — mas sim quanto ao foco dado à celebridades, roteiros extremamente levianos e produções que beiram ao estilo estrangeiro sem nenhum tipo de glamour que se apresenta lá fora.

Muitos descuidos narrativos são aceitos na televisão, por conta da breviedade e pouca necessidade de assimilação, mas quando transpostos para o cinema, exigindo mais atenção, tomam outras dimensões, deixando claro que televisão e cinema exigem duas forças totalmente diferentes. Assalto ao Banco Central é mais um filme efêmero que pode render bom público, mas cair no esquecimento logo no próximo mês.

Outras críticas interessantes:

Alexandre Carvalho dos Santos, no Revista Bula

Trailer:

httpv://www.youtube.com/watch?v=6pHbFZRRLwk

21/07/2011

Crítica: O Poder e a Lei

Filmes sobre o mundo jurídico já fizeram muito sucesso nas bilheterias e alguns até se tornaram clássicos, como O Advogado do Diabo (1997) e Filadélfia (1993). Hoje em dia são mais comuns seriados, onde o foco é o dia a dia dos advogados, do que filmes desse gênero. O Poder a Lei (The Lincoln Lawyer, E.U.A., 2011), dirigido por Brad Furman, trouxe novamente para as telas do cinema todo o glamour que a profissão de um advogado pode ter.

A trama ja é aquela bem conhecida, um caso que aparentemente é bem simples e vai render muito dinheiro, mas que acaba virando uma dor de cabeça infernal. Mas apesar disso, a maneira como ela é conduzida com todos os encadeamentos e novos elementos que vão surgindo, a torna muito cativante.

Além do ótimo desenvolvimento da trama, outro grande mérito de O Poder e a Lei são as atuações dos personagens, que são muito bem executadas, facilitando assim uma imersão ainda maior no filme. O personagem principal, interpretado por Matthew McConaughey, é um autêntico anti-herói, onde ao mesmo tempo que ele parece admirável profissionalmente, também é pelo mesmo sentido que se torna repudiante. O mesmo também acaba acontecendo com suas atitudes como pessoa, fora do trabalho. E falando no âmbito pessoal dos personagens, normalmente quando se tenta retratar a vida privada deles, se tende a usar facilmente certos ciclhês — ou cenas totalmente forçadas — com aquele clima falso de intimidade, para mostrar que eles também possuem fraquezas, amores, … mas neste longa isto, felizmente, não aconteceu.

A montagem utilizada em O Poder e a Lei é bem interessante pois utiliza, na maioria das cenas, um efeito de continuidade para ligar elas, onde objetos em uma cena viram outra coisa totalmente diferente na seguinte — por exemplo, a parte superior de uma mesa localizada na parte inferior da tela, virou o teto de um carro na outra cena, após essa transição — criando uma fluidez grande entre essas mudanças. Já a trilha sonora também foi muito bem escolhida e usada, não sendo apelativa em nenhum momento e conseguindo também ser divertida, principalmente para sustentar o aspecto cool do personagem principal.

Para quem gosta de uma trama inteligente com boas surpresas e voltada para um público mais adulto, O Poder e a Lei é uma ótima opção. Já quem gosta de filmes do gênero, ambientados no mundo jurídico, não pode deixar de vê-lo também, para possivelmente colocar ele na sua lista de favoritos.

Outras críticas interessantes:

Marcelo Hessel, no Omelete

Trailer:

httpv://www.youtube.com/watch?v=PLDvYjQVCx0

11/07/2011

Crítica: Meia Noite em Paris

A realidade alimenta a ficção e vice-versa e para um escritor a relação das duas pode, inclusive, ser terapêutica. Em Meia Noite em Paris (Midnight In Paris, Espanha/E.U.A., 2011), Woody Allen coloca um escritor — sempre uma personificação de si mesmo — cara a cara com seus ídolos, dando a ele uma chance para alimentar ainda mais sua paixão pelo passado.

Gil Pender (Owen Wilson) é um escritor frustrado que trabalha com roteiros hollywoodianos e está noivo de Inez (Rachel McAdams). Ele e a noiva decidem acompanhar os pais dela numa viagem de negócios até Paris, a cidade, que segundo Gil, mantém os espírito dos anos áureos da Literatura e que o inspira profundamente. Além de nostálgico, o escritor está confuso em ter que lidar com sua vida superficial de roteirista e noivo de uma mulher que em pouco condiz com suas ideias. E é passeando pela mágica Paris que Gil Pender vai alimentar sua realidade com boas doses de uma divertida mágica literária onde seus ídolos o ajudam a dar rumos para sua vida.

Woody Allen é sempre o mesmo e de forma nenhuma essa afirmação é ruim. O diretor aposta no seu estilo para sempre tratar assuntos divertidos e com boas doses de inteligência e sarcasmo. Em Meia Noite em Paris é a magia de suas próprias paixões que mesclam o sonho e o real em situações que não são absurdas e sim totalmente desejáveis. O longa tem um clima que lembra bastante A Rosa Púrpura do Cairo (1985) em que a personagem de Mia Farrow deseja muito a ficção mas não sabe lidar com ela quando esta se torna a sua realidade.

Talvez na atualidade, a romântica Paris não ofereça muita inspiração literária, mas no inicio do século a capital francesa era o destino de boa parte dos grandes escritores — que viviam seu auge — em busca de inspiração na vanguardista capital cultural e fugindo da falta de reconhecimento à literatura na América. A capital francesa da época, habitada pela arte e cultura, é a que se apresenta em Meia Noite em Paris. Ao invés de apenas um enredo como desculpa para exibir os pontos turísticos da cidade, o longa traz um universo onírico e delicioso para o espectador, seja ele um novato ou um velho conhecido dos filmes do americano.

Um dos pontos mais interessantes no elenco de Meia Noite em Paris é justamente a escolha de atores que costumeiramente atuam em filmes mais comerciais estarem em excelentes atuações. Owen Wilson realmente impressiona no papel de Gil Pender, um Woody Allen mais alto e loiro, mas que em nenhum momento deixa de ter o sarcasmo, a gagueira e a neurose típicas dos personagens alter-ego do cineasta. Já Marion Cottilard empresta seu charme francês para uma personagem de época incrível, sem citar também os outros atores que interpretam as figuras cânones da Literatura e Artes Pásticas memoravelmente.

Mas Meia Noite em Paris não se destina a ser apenas um filme sobre paixões literárias com ares de homenagem. O longa traz à tona muito das costumeiras críticas — e ao mesmo tempo paixões — do diretor sobre o passado e a valorização dele,superando a premissa do que o antigo é superior ao atual. Ele prova que de forma nenhuma desiste do seu próprio estilo.

Ainda, Allen coloca à prova e faz piada — e boas piadas — do intelectualismo acadêmico. O diretor prova que a verdadeira arte é aquela em que a vida experimenta a arte e vice-versa, deixando mais claro o estilo que marcou a filmografia do diretor.

Sim, Woody Allen é sempre o mesmo e isso nunca será problema. Com Meia Noite em Paris — vale ressaltar que é o filme com maior número de cópias de filmes do diretor no Brasil até hoje — deixa claro que seus filmes não são para uma minoria e muito menos de cunho intelectual. O longa vale para qualquer tipo de expectador que vá em busca de risos ou em busca de genialidade. Com certeza o filme vale o ingresso e inúmeras vezes se possível.

Um único porém é o cartaz de divulgação no Brasil ser tão pouco condizente com o filme em si. Vale a pena conferir o belíssimo trabalho do cartaz internacional, um mix entre a figura do escritor Gil Pender e o quadro A Noite Estrelada de Van Gogh.

Outras críticas interessantes:

Daniel Piza, no Seu Blog

Trailer:

httpv://www.youtube.com/watch?v=kdgdX2Sra5Y

10/07/2011

Felicidade (1998), de Todd Solondz

O que você precisa para ser feliz? Quando conseguir aquilo que deseja, isso lhe fará realmente feliz? Talvez a pergunta mais desafiadora seja a mais básica: o que é felicidade? Todas essas perguntas são, de alguma forma, feitas em Felicidade (Happiness, USA, 1998), do diretor Todd Solondz. Mas, este não é nenhum filme motivacional de auto-ajuda, muito pelo contrário, é uma crítica ácida, cheia de humor negro, sobre pessoas que de feliz, nada tem.

Felicidade não faz carinha do gatinho do Shrek para ninguém. Há personagens que vão desde aquele em tratamento psicológico por suas obsessões sexuais, passando pelo próprio psicólogo em si, uma criança descobrindo a sexualidade, á família perfeita americana, todos são abordados com um humor ácido, cheio de ironias, para descarcar até a última camada das aparências superficiais de cada um.

Temas como violência, assassinato, sexo, pedofilia, estupro, masturbação, isolamento, terapia e remédios são apenas pontos de partida para explorar o vasto questionamento deste estado de espírito peculiar almejado por muitos. O interessante em Felicidade é que, ao mesmo tempo que estes personagens buscam ser felizes a qualquer custo, também vivem repelindo ela, sutilmente e das mais variadas maneiras.

Felicidade é um verdadeiro soco no estômago não só na hipocrisia da vida feliz que muitos dizem ter, mas também um mergulho na busca do que é realmente ser feliz. Como a música Happiness, escrita por Eytan Mirsky e tocada por Michael Stipe e Rain Phoenix, da própria trilha sonora do filme diz: Felicidade, onde está você? Eu procurei tanto por você. ( Happiness, where are you? I’ve searched so long for you. )

Trailer (infelizmente não encontrei legendado):

httpv://www.youtube.com/watch?v=FkQ_JxoWUP8

16/06/2011

Crítica: Padre

Baseado na famosa HQ coreana de mesmo nome, Padre (Priest, USA, 2011), dirigido por Scott Charles Stewart, é mais uma das várias adaptações de Histórias em Quadrinhos feitas pelo cinema americano. Possuindo belos efeitos especiais para representar a já velha luta entre homens e vampiros, temos um filme visualmente atraente, mas narrativamente e cinetograficamente pobres.

Em um mundo pós-apocalíptico, onde desde o começo dos tempos há guerras entre homens e vampiros — que nesta versão são seres cinzas e sem olhos- os humanos tinham poucas chances de vencer esta luta até surgirem os Padres, exímios exterminadores de vampiros. Tempos depois, quando se acreditava que não havia mais perigo, uma família é supostamente atacada por vampiros e a sua filha, Lucy (Lily Collins), raptada. Seu tio, um Padre (Paul Bettany), tenta alertar seus superiores desta ameaça e vai atrás de vingança junto com Hicks (Cam Gigandet), par romântico de Lucy.

É inegável que o cinema e as HQs estão estreitando seus laços cada vez mais, onde um acaba alimentando o universo do outro que, em seguida, acaba servindo de alimento para o primeiro, um verdadeiro ciclo de retro-alimentação. Isto não é nenhuma novidade, Osamu Tezuka — criador do Astro Boy, Speed Racer, … — inovou os mangás na sua época, quando inseriu narrativas mais cinematográficas em seu trabalho, que mais tarde acabaram influenciando muitas obras do cinema. Quando uma obra é adaptada para um outro meio, é desejável que se explore as novas possibilidades deste e não que simplesmente se faça uma transposição de um para o outro. Infelizmente, é justamente neste ponto que Padre não soube explorar.

Antes que você comece a se perguntar, já vou responder: não, não sou daqueles chatos que fica procurando tudo que tem em uma HQ no filme e, neste caso em particular, até nem teria como fazer isto pois ainda não tive ainda a oportunidade de ler a obra. Muitas cenas do Padre, haviam elementos que pareciam ser nitidamente transpostos de um desenho, mas que não funcionavam efetivamente nas telas, só se a imagem fosse estática. A transfomação na mudança de expressão e gestos dos atores, trilha sonora, movimentação da câmera de um ponto ao outro, … todos esses elementos importantes para a linguagem cinematográfica parecem não ter tido tanta importância quanto o de ter cenas “fiéis” aos quadrinhos. Me pergunto, de que adianta você ver uma cena muito bem produzida visualmente se o ator tem expressão de peixe e movimentos mecânicos?

Os momentos de climax das cenas de ação em Padre ficaram simplesmente fracos, devido a falta da utilização mais elaborada destes elementos, ficou difícil haver aquele envolvimento com tensão e emoções que o cinema permite. O roteiro fraco certamente ajudou neste quesito também, não que seja necessário muitas explicações em uma trama de padres matando vampiros, mas um pouco mais de desenvolvimento teria feito grande diferença.

Padre provavelmente é daquelas obras que por enquanto — uma sequência é deixado em aberto no final — deve funcionar mais como HQ do que como filme. Aliás, fiquei bem curioso de ler ela, aqui no Brasil foi publicada pela Lumus Editora.

Outras críticas interessantes:

Rodrigo Ortiz, no seu Blogs POP Cinema
Diego Benevides, no seu Cinema com Rapadura

Trailer Legendado:

httpv://www.youtube.com/watch?v=_nOxYl80FDA

10/06/2011

Crítica: Não se pode viver sem Amor

Histórias e vidas que se entrecruzam não são novidade no cinema e em Não se pode viver sem Amor (Brasil, 2011), o diretor Jorge Durán já joga as cartas dizendo que não pretende reinventar o estilo narrativo e sim ver de outros ângulos o entrelaçamento das relações humanas. O longa, que parte de um estilo mais experimental, surge trazendo tendências bem diferentes do costumeiro cinema hiperrealista do país.

Gabriel é um garoto de 10 anos que vive com Roseli no interior do Rio de Janeiro. Os dois, decididos a encontrar o pai do menino, partem na véspera do Natal para a capital numa saga de encontros e desencontros em busca dele. A trajetória da dupla vai ser partilhada com outros personagens em um Rio de Janeiro urbano e caótico onde todos estão em busca de algo.

Jorge Durán é conhecido pelos roteiros com conteúdos bem engajados socialmente e considerados clássicos do cinema nacional dos anos 80 como Pixote — a lei do mais fraco e Lúcio Flávio, Passageiro da Agonia. Mais tarde trabalhou como diretor em longas como o premiado Proibido Proibir onde já se contornava um estilo de entrelaçamento de personagens sociais. Em Não se pode viver sem Amor o diretor chile-brasileiro continua no estilo do último longa, mas dando um contorno que beira mais para um realismo-fantástico onde situações corriqueiras e fantasiosas funcionam como elementos fundamentais para que a realidade se torne mais suportável de se encarar.

A fotografia, assim como as atuações e produção em geral de Não se pode viver sem Amor, são muito interessantes. O filme tem uma pegada bem ao estilo latinoamericano, não focando situações sociais que normalmente caem no sensacionalismo como, por exemplo, um assalto na periferia do Rio de Janeiro se tornar uma ação existencialista e não meramente uma consequência crua e social.

Aparentemente, há uma falta de lógica na narrativa que não se preocupa em nenhum momento em cumprir linhas de raciocínio. Segundo o próprio diretor Jorge Durán, Não se pode viver sem Amor é um filme que trata da sobra nos relacionamentos e, principalmente, da falta do sentimento que segue o título, o amor. Portanto, partindo desse ponto de vista de que a preocupação está nas faltas, o filme cumpre o papel fugindo da narrativa clássica e beirando para um cinema mais de sensação e experimentos.

O elenco de Não se pode viver sem Amor chama atenção por contar com nomes que vêm aparecendo constantemente nas produções como Simone Spoladore e Fabiula Nascimento. Mas, ao mesmo tempo, parece que nenhum dos atores se destaca muito, não sendo isso um problema mas apenas uma lacuna na proposta do longa. O que incomoda nas atuações é o menino interpretado por Victor Navega Motta, em muitos momentos se apresenta num papel um pouco forçado e até típico de atuações de primeira viagem mas acaba não comprometendo o longa.

Não se pode viver sem Amor pode causar sensações adversas na plateia, mas vale o ingresso para aqueles que preferem experimentar rumos diferentes de dramaturgia fílmica, se propondo a novos questionamentos no entorno da ficção.

Trailer:

httpv://www.youtube.com/watch?v=-Xr8TuzuK1A

08/06/2011

Crítica: A Minha Versão do Amor

Finalmente uma adaptação bem sucedida de best-seller para o cinema. A Minha Versão do Amor (Barney’s Version, 2010, Canadá/Itália), dirigido por Richard J. Lewis, baseada no livro, A versão de Barney, de Mordecai Richler, faz jus a divertida narrativa do escritor canadense, que segundo especulações, tornou ficção suas próprias peripécias no livro de sucesso.

Barney Panofsky (Paul Giamatti) é uma dessas figuras esquisitas que sempre que tenta acertar acaba enfiando os pés pelas mãos. Ao tomar conhecimento que um policial aposentado escreveu um livro sobre o desaparecimento de Boogie, melhor amigo de Barney, ele próprio começa a refletir sobre a sua versão dessa história e da sua vida movimentada — foram três casamentos e muitas situações cômicas — até aquele momento.

A Minha Versão do Amor é a proposta de Barney, ao envelhecer, de relembrar como transcorreu boa parte dos eventos de sua vida. Ele se propõe a buscar na sua memória cada acontecimento ao longo dos anos partindo do seu ponto de vista e sentimentos. E o mais interessante é que os elementos ¨memória¨ e ¨tempo¨ funcionam como um personagem-elemento do filme indo, retornando e sumindo em alguns momentos. O espectador é convidado a observar a vida desse homem, que de bonzinho, certo e sério não tem quase nada — o que caracteriza um personagem genial — além de criar a sua própria versão sobre a vida dele.

Nenhuma novidade na sensacional atuação de Paul Giamatti que sempre parece estar agindo tão normalmente que mal sabemos se ele interpreta ou as personagens que ganham um pouco dele em suas identidades. Ainda, as cenas que Giamatti contracena com Dustin Hoffmann são sensacionais, os dois formam um belo par de pai e filho com boas doses de humor negro judeu.

O trabalho de maquiagem em A Minha Versão do Amor é ótimo, como o tempo faz um vai-e-vem o pesonagem de Giamatti ganha tons bem naturais de envelhecimento que funcionam de forma muito boa. Por se tratar de um filme que oscila entre a comédia e o drama, a direção de fotografia trabalhou em boa parte do longa com tons claros que suavizam e dão charme no transcorrer do argumento, sem forçar nenhuma situação.

O espectador não sai imune da sessão de A Minha Versão do Amor pois o lado da história que Barney apresenta é extremamente graciosa, um homem que cometeu muitos erros como qualquer outro ao longo da vida. Sem muitas pretensões o personagem — que sendo ou não um alterego de Richler — empresta um saudosismo de personagens clássicos da Literatura Marginal. Barney é um personagem que vive dos extremos, faz tudo por amor, mas também vive fazendo coisas que vão contra seus relacionamentos, ou seja, um anti-herói bem ao estilo que agrada ao espectador que sabe muito bem que a vida é como Panofsky vive, desregrada, cheia de altos e baixos e no fim, mesmo você não sabendo mais quem é de fato, sabe que era assim que tinha que ter sido.

Trailer:

httpv://www.youtube.com/watch?v=5v6pWOvUpc8

18/05/2011

Crítica: Água para Elefantes

Mais um longa baseado em best-seller de sucesso, Água para Elefantes (Water for Elephants, E.U.A., 2011), escrito originalmente por Sara Gruen e dirigido por Francis Lawrence, aposta em elenco de nome mas, devido ao roteiro fraco ele se coloca na lista de apenas mais um dos dramas medianos nos lançamentos do ano.

A vida de Jacob Jankowski (Robert Pattinson) tinha tudo para ser bem sucedida após o término da faculdade de medicina veterinária. Mas após um grave incidente, o jovem acaba se juntando ao Circo Benzini Bros para poder se sustentar, em pleno período da Grande Depressão americana. Na companhia do circo, Jankowski descobre muitas coisas, inclusive o amor pela artista Marlena (Reese Witherspoon) e não vai poupar esforços para que isso dê certo.

Como não conheço a obra original fica difícil dizer se Água para Elefantes é somente mal adaptado ou se o argumento em geral é que é fraco. Segundo o diretor, a intenção foi reforçar o romance entre Marlena e o jovem Jacob, mas a dupla de atores não têm a mínima química. O jovem Pattinson ainda tem um longo caminho dentro do cinema para se desvencilhar do caricato vampiro da saga Crepúsculo. Já Reese é visivelmente a pior escolha para uma artista circense, sendo muito magra e pequena para as grandes artistas do circo da década de 30. Claro que o elenco possui um trunfo, o interessante Christopher Waltz, que sempre se sai muito bem, como August o vilão-dono-de-circo e marido traído. A relação mais interessante e trabalhada de forma bacana é entre Jacob e a aliá Rosie, que sem sombra de dúvida arranca risos e alegrias do espectador se comparada ao resto do elenco.

Todo universo do circo poderia ter sido bem aproveitado em Água para Elefantes se não fosse o tom romanesco forçado entre Marlena e Jacob. Até no polêmico Freaks, de 1932, o universo do circo é mostrado de forma mais autêntica e interessante. Mas o longa tem suas qualidades, a fotografia é bem contrastante e aliada ao figurino dos atores faz jus ao período em que se passa o filme.

Um dia desses brinquei com a expressão ¨fordismo no cinema¨, por causa da nova moda de atores que estão em alta no mercado fazerem papéis em vários filmes, um atrás do outro. Numa mesma semana estreou dois filmes com a Witherspoon, o espectador mal tem tempo de digerir um personagem e na outra semana o ator aparece em um novo papel.Já o Pattinson vem tendo oportunidades — mesmo que ainda não as aproveite — de se desvincular do personagem adolescente. Água para Elefantes reforça o sentimento mais recorrente quando saio da sala de cinema atualmente, que aparenta ser tudo feito muito às pressas. Não que os filmes deixem a desejar na produção, fotografia e afins.

Na ânsia de adaptar uma boa história e que ela seja rentável, muito do processo artístico se perde. Água para Elefantes é mais um drama focado em romance que agrada com a sensibilização de algumas situações contadas a partir do narrador, já idoso, Jacob, mas que no restante não preenche o vazio que o cinema americano vem deixando com as últimas produções.

Trailer:

httpv://www.youtube.com/watch?v=QVFfESV4Vww

10/05/2011

Crítica: A Garota da Capa Vermelha

Depois de adaptações voltadas à seres mitológicos do imaginário cultural como vampiros e lobisomens, as novas produções em série do cinema americano apostam em releituras de clássicas fábulas infantis. Seguir um viés mais realista para essas fábulas é uma proposta interessante e em A Garota da Capa Vermelha (Red Hiding Hood, USA, 2011) de Catherine Hardwicke, baseado no clássico A Chapeuzinho Vermelho, a premissa da adaptação acabou ficando desfocada diante de tantos elementos de entretenimento, voltados principalmente ao público jovem.

O vilarejo de Daggerhorn convive há várias gerações com a presença mitológica de um lobo. Tanto que criaram uma espécie de pacto de paz que acaba de ser quebrado pela morte de uma jovem e com isso descobrem que o lobo é na verdade um lobisomem e que este pode ser qualquer um da vila. Ao tentarem solucionar o problema chamam o carrasco padre Salomon (Gary Oldman), que traz a questão sobre o mito versus religião. Valérie (Amanda Seyfried) é a irmã mais velha da vítima e está fadada a ter um destino infeliz ao se casar com um rapaz que não ama e ao descobrir que é a única com quem o lobo conversa, muito do destino da jovem irá mudar.

A configuração histórica e a presença do cenário na idade média, contando com todos os elementos religiosos da época tenta recriar, de forma bem interessante, o paradoxo de Deus e Diabo diante da lenda do Lobisomen que ronda o imaginário do pequeno vilarejo. A situação de lidar com a religião e os mitos é bem presente na intenção de A Garota da Capa Vermelha e poderia ter sido bem utilizada se não fosse o foco no obscurantismo — forçado! — da lenda e no romance fraquinho entre os possíveis personagens principais.

A personagem de Valérie, interpretada por Amanda Seyfried é bem pouco carismática, sendo apresentada como uma possível mulher forte e diferente mas acaba não se sustentando de forma convincente durante o longa. Aliás, A Garota da Capa Vermelha possui todos os clichês do trabalho anterior da diretora, o primeiro filme da franquia Crepúsculo, deixando claro que ela não se sustenta como boa realizadora, repetindo as mesmas jogadas. Ainda, os personagens que deveriam sustentar o enredo ficam perdidos em superficialidade na atuação, se prendendo a jogadas de olhar para as câmeras e juras de amor eterno, esquecendo da trama em si.

Os efeitos de CGI estão bem presentes em A Garota da Capa Vermelha, o lobisomem é um misto de todos os seres caninos existentes e transformado num enorme cão com olhos e dentes raivosos, mas nitidamente manipulado. Esse efeito e alguns externos, principalmente em cenas de visão aérea da vila, soam forçados quando colocados em contraste com os elementos medievais apresentados no longa. Mas a fotografia, em cenas ambientadas dentro da vila, é geralmente muito boa e o figurino também é um ponto positivo e bem agradável.

O principal problema em A Garota da Capa Vermelha é tentar parecer convincente — de forma consciente ou não — forçando a visão romântica entre humano e criatura, algo já proposto desde os tempos de Drácula, Frankenstein e atualmente na literatura pop infanto-juvenil. A diretora força as atitudes no decorrer do longa que acabam o levando para o rol de filmes-rótulos e fórmulas que funcionam para o atual cinema-instântaneo, facilmente esquecido em menos de 2 semanas em cartaz. Talvez o longa valha o ingresso pela curiosidade de se ver uma fábula revista para o cinema, ou ainda para um grande público que se interessa pelo estilo. Parece também que muitas outras versões de fábulas vem por ai, resta esperar…

Outras críticas interessantes:

Thiago Siqueira, no Cinema com Rapadura
Marcelo Hessel, no Omelete

Trailer:

httpv://www.youtube.com/watch?v=rr6wiWSrJ48

24/04/2011

Crítica: Eu Sou o Número Quatro

Depois do sucesso das histórias românticas de vampiros para adolescentes, agora talvez se inicia um novo nicho a ser explorado: alienígenas. Eu Sou o Número Quatro (I Am Number Four, USA, 2011), dirigido por D.J. Caruso, desenvolve sua trama focando principalmente nas dificuldades de aceitação dentro de uma escola e, é claro, em um romance fenomenal — e impossível — entre dois personagens.

John Smith (Alex Pettyfer) é o disfarçe do número Quatro entre os humanos, que está quase sempre acompanhado de seu protetor Henri (Timothy Olyphant). Os três primeiros membros de sua raça foram assassinados e ele é o próximo da lista. Enquanto se esconde na tranquila cidade Paradise e vai descobrindo seus poderes, conhece a estudante Sarah Hart (Dianna Agron) pela qual logo se apaixona. Mas, logo é localizado pelos inimigos e ao lado da número Seis (Teresa Palmer), que também o encontra, tentam lutar juntas para salvar sua espécie.

Apesar de haver muitas possibilidades de desenvolvimento em torno do tema de alienígenas, Eu Sou o Número Quatro mal chega a tocar a superfície delas. Isso tanto explicitamente quanto implicitamente, pois muitas vezes o enredo do filme em si foi mal trabalhado, mas a riqueza visual ficou incrível, como aconteceu por exemplo em O Último Mestre do Ar. Uma ou outra vez se tentou fazer uma referência inteligente ou engraçada a série Arquivo X — que ficou ridícula — e a jogos de videogames, mas deixaram e muito a desejar.

Isso sem falar na curva de aprendizado do personagem principal que é simplesmente absurda. Parece que ele simplesmente fez um download do programa “super poderes versão: número 4”, estilo Matrix, e pronto, já sabia fazer tudo. E eu acreditava que em Percy Jackson e o Ladrão de Raios isso já tinha sido bem rápido, mas Eu Sou o Número Quatro definitivamente superou em questão de velocidade. Acredito que este tempo, a menos que tenha alguma razão especial para ser diferente, é essencial para o desenvolvimento da trama do filme e todos os seus indivíduos.

As atuações em Eu Sou o Número Quatro são muito fracas, a impressão que fica é que não houve uma entrega total dos atores em relação a seus personagens, que juntando ao fato de serem bem superficiais apenas piorou a situação. O destaque de péssima atuação vai principalmente para o ator Timothy Olyphant — alguém mais achou ele muito parecido com o Jim Carrey? — que faz o papel de protetor de John, as cenas dele se indignando com algo ficaram engraçadas de tão ruins. Além disso, os efeitos especiais também não são nada demais, chegando até a cansar um pouco pois você já sabe exatamente o que esperar.

Como uma sessão bastante pipoca para adolescente ou adultos que gostam de tramas envolvendo problemas escolares e amores eternos e impossíveis, Eu Sou o Número Quatro é uma ótima opção. Já se você esperava ver algo diferente disso, nem que fosse alguma coisinha interessante sobre alienígenas ou belos efeitos especiais, recomendo fortemente escolher outro filme ou assistir a série Smallville.

Outras críticas interessantes:

Thiago Siqueira, no Cinema com Rapadura
Celso Sabadin, no Cineclick

Trailer:

httpv://www.youtube.com/watch?v=YwkVBUhlDkw

22/04/2011

Crítica: Catfish

Cada vez mais, nossas vidas estão mais conectadas — ou registradas — na internet. Você posta um pensamento rápido no Twitter, se comunica com seus amigos no Facebook, envia suas fotos para o Flickr, … Catfish (USA, 2010) é um documentário, dirigido por Henry Joost e Ariel Schulman, que explora justamente as relações, cada vez mais, virtuais.

Nev Shulman é um fotógrafo de 24 anos de idade que ao ter uma foto publicada em um jornal, conhece Abby Pierce, uma menina de 8 anos que gosta de pintar. Através do Facebook, ele acaba conhecendo a irmã mais velha de Abby, Megan Faccio, a qual logo cria uma afinidade e a partir daí um relacionamento virtual se inicia.

Não vou falar muito pois Catfish é aquele tipo de filme que o quanto menos você sabe a respeito do decorrer da trama, melhor. Assim você consegue experienciar ao máximo sem ficar aguardando algum acontecimento já previsto, com as grandes surpresas já conhecidas. Tive a mesma sensação quando vi Ricky, outro longa muito interessante, sobre um bebê bem diferente do normal, onde qualquer informação a mais sobre ele estraga a surpresa.

Em A Rede Social, foi possível acompanhar o surgimento do Facebook e várias mudanças que esta ferramenta proporcionou. Já Catfish, simplesmente leva você muito mais além do uso dela e da comunicação á distância em geral. Para quem usa redes sociais na internet é muito difícil não haver qualquer tipo de identificação com o filme, pois ele lida com situações que acontecem todos os dias nelas. As várias questões entre o real e o virtual vividas por Nev, repercutem diretamente sobre todos os usuários mais ativos da internet. Uma das frases dita por ele que realmente traz o que pensar a respeito deste assunto é: “ela deve ser bem massa, pelo menos no Facebook…”.

Além disso nos faz refletir sobre a maneira que lidamos com relações no mundo virtual, com as novas possibilidades e limitações que existem dentro delas, sem ser de maneira alguma uma lição de moral ou algo educativo, mas sim um relato muito pessoal. Aliás, acredito que Catfish também poderia ser um ótimo estímulo para iniciar discussões sobre este assunto entre jovens, dentro ou fora das salas de aula.

Uma das grandes perguntas que fica durante e após ver Catfish é se aquilo realmente aconteceu da forma que foi exibido. Assim como o questionamento a respeito da internet levantado acima, temos o mesmo em relação ao próprio filme. Seria ele ficção, realidade, ou até uma mistura entre os dois? Devido ao seu estilo bem caseiro, descontraído e pessoal, é muito fácil esquecer de que há alguém segurando uma câmera em algum lugar, pois a sensação é de que estamos realmente lá com ele acompanhando aquelas situações.

Para quem ficou curioso do porque do título Catfish, no final dele um personagem fala uma curiosidade bem interessante sobre o bagre (catfish) que acaba explicando o motivo da escolha. Outra coisa interessante foi a apresentação, no início do filme, do logo da Universal, que ficou muito bem feita para poder combinar com o longa. Ideia parecida também foi feita para o longa Scott Pilgrim Contra o Mundo.

Conforme a trama de Catfish vai se desenvolvendo, uma certa tensão vai aumentando, a ponto de em certos momentos ficar tão grande que faz você se retorcer inteiramente numa mistura de curiosidade, medo e inconformidade. Confesso que poucos filmes me deixaram tão tensos quanto este. Infelizmente o mesmo ainda não foi lançado oficialmente aqui no Brasil, mas se por algum meio — há algumas versões legendadas pela internet — você tiver a oportunidade assistí-lo, não pense duas vezes.

Para quem quiser pesquisar mais depois de ter assistido, o site oficial do documentário Catfish é excepcional. Ele simula o acesso ao computador de Nev, onde você pode além de acessar alguns materiais sobre o longa, ver fotos, registro de conversas via chat e emails dele. Além disso há também uma pasta protegida, alguém por acaso conseguiu descobrir qual é a senha?

Outras críticas interessantes:

Alexandre Maki, no seu blog

Consegui achar um trailer legendado, mas mesmo havendo vários erros de tradução na legenda, para quem não entende inglês continua sendo válido. Mais abaixo coloquei o trailer original sem legendas.

Trailer Legendado:

httpv://www.youtube.com/watch?v=TOQmDxOV4‑0

Outro Trailer — Sem Legendas:

httpv://www.youtube.com/watch?v=1xp4M0IjzcQ

22/04/2011

Crítica: Hobo With a Shotgun (O Vingador)

Primeiramente, é inegável que Hobo With a Shotgun (EUA/CAN, 2011), de Jason Eisener, entrega com sobras aquilo que promete. Aliás, promete antes mesmo de ser um filme de fato, desde que ainda era apenas mais um dos trailers falsos de Grindhouse (EUA, 2007). Em tempos em que praticamente não podemos mais considerar qualquer longa como “o mais violento que já vimos”, porque tal cargo é suplantado por uma série de novos filmes a cada ano, Hobo With a Shotgun certamente coloca seu nome entre eles.

E longe de mim considerar essa “competição” pela violência como uma coisa ruim. Considero a violência estilizada como uma das coisas mais divertidas que o cinema pode nos proporcionar e me posiciono radicalmente contra as manifestações contra os chamados “filmes violentos”. Claro que há casos e casos, há a violência fantástica de um Machete (EUA, 2010) ou de um Kill Bill (EUA, 2003), enquanto há aquilo que é gratuito e injustificado de filmes que nada tem a dizer, como O Albergue (EUA, 2005).

Hobo With a Shotgun se enquadra na primeira categoria. A violência pode, sim, ser gratuita, mas ela está ali muito mais para divertir que para chocar. E sim, funciona, inegavelmente. Mas infelizmente, e talvez aí a culpa seja minha por ter depositado esperanças demais no filme desde que ele começou a ser divulgado, as coisas acabam não sendo tão boas como poderiam…

O título é a melhor sinopse possível para o que acontece nos pouco mais de 80 minutos de Hobo With a Shotgun: um mendigo com uma espingarda que resolve colocar uma cidade corrompida de volta ao eixo. Rutger Hauer interpreta o personagem principal, um mendigo recém-chegado à citada cidade que, logo em seus primeiros instantes, presencia uma execução a céu aberto perpetrada pelo “dono” da cidade, o traficante Drake (Brian Downey), que culmina com uma dança sensual banhada pelo sangue que literalmente esguicha do corpo decapitado. É basicamente assim que somos introduzidos ao filme.

Ao salvar a vida de Abby (Molly Dunwstowth), o Mendigo é castigo pelos filhos de Drake e pela polícia corrupta da cidade. Depois disso, durante um assalto numa loja na qual estava, decide fazer justiça na cidade e começa a ir atrás de cafetões, pedófilos e todo e qualquer tipo de desajustado, até chegar ao próprio Drake.

Tudo o que acontece em Hobo With a Shotgun é muito gráfico e exagerado, e vai desde mutilação da mão com um cortador de grama a tiro no saco. Porém, tudo é TÃO exagerado que não chega a ser chocante, ainda mais para os padrões cinematográficos atuais.

Mas nem tudo são flores. O filme é divertido, é violento, o personagem principal é carismático. OK. Mas falta “algo”. Li comentários que certos elementos ruins do cinema dos anos 70 são usados propositalmente, mas não acho que tenha sido a melhor escolha. O expectador não é realmente apresentado a nenhum dos personagens e nem às relações entre eles. Não que o pano de fundo seja extremamente necessário para o que o longa se propõe (como eu disse anteriormente, isso Hobo With a Shotgun cumpre com sobras), mas no fim fica um certo vazio, o que, para mim, acaba sendo um ponto negativo que pesa bastante. Já os diálogos ruins (aí sim, nitidamente propositais) divertem por um tempo, mas acabam cansando no desenrolar da história.

Rutger Hauer é convincente como o Mendigo, mas o resto do elenco, quase que totalmente formado por desconhecidos, não segura a peteca em momentos importantes da história. Talvez isso tenha a ver, também, com a direção do inexperiente Jason Eisener (este é praticamente seu primeiro longa), que contribuiu para que falte o punch necessário ao filme. Se isso também foi proposital, aí sim a escolha foi definitivamente errada.

No lado positivo, a trilha sonora e o Technicolor garantem a parte boa do climão exploitation, mas não fazem de Hobo With a Shotgun uma experiência tão boa quanto poderia ser para os fãs deste tipo de cinema.

Assisti Hobo With a Shotgun querendo adorá-lo, mas não consegui. Me prendeu, sim, da primeira à última cena e em momento algum me pareceu uma perda de tempo, mas eu queria muito que fosse algo mais, como foi Machete (o outro – e brilhante – spin-off de Grindhouse). É o típico filme cujas opiniões a respeito divergirão muito. Só por isso, acho que vale a pena assistir e tirar sua própria conclusão.

Trailer:

httpv://www.youtube.com/watch?v=6qLinsS4rjk

21/04/2011

Crítica: Fora-da-lei

Fora-da-lei (Hors-la-Loi, França/Argélia/Bélgica, 2010), com roteiro e direção de Rachid Bouchareb, é bem mais do que apenas um filme de ação, ideológico, ou até histórico. Além de juntar esses três elementos de maneira primorosa, é criado uma atmosfera de época belíssima que em conjunto com um enredo bem desenvolvido torna‑o um longa muito interessante.

Abdelkader, Messaoud e Said são três irmãos argelinos que, após serem expulsos de sua terra natal seguem caminhos separados. Depois de alguns anos eles voltam a se reencontrar na França para, cada um de sua maneira, lutar pela liberdade pessoal e de sua nação.

Diferente de muitas outras representações de movimentos com luta armada, Fora-da-lei não se utiliza daquele tom aventureiro e, de certa forma, vangloriador — para não dizer fantástico ou utópico — das ações e vidas dessas pessoas. Sua visão está mais para um filme de guerra, onde o máximo de glamour que você pode ter são roupas — ou uniformes — mais bonitos e armas mais poderosas, mas não escondendo em nenhum momento a situação real dessas pessoas. Aliás, o estilo estético remete bastante aos filmes de mafiosos, que ficou uma mistura bem interessante junto com o contexto político.

Aliás, a política é o tema principal do longa e em cada um dos três personagens principais de Fora-da-lei, temos um pensamento bem diferente de como fazer uma revolução. Um é o teórico ao extremo que não consegue aplicá-la na prática, outro um ex-soldado que apenas sabe seguir ordens e usar sua força e por fim, o último imagina uma meio indireto e completamente diferente dos outros dois, e da maioria destes revolucionários, de realmente cosneguir mudar algo. Este conflito de ideais e caminhos divergentes é algo muito pertinente quando se discute esta questão também fora das telas. Mas o filme também não se propõe a dar uma resposta exata para ela, cada um terá uma conclusão dependendo de sua própria visão. Pois não há, nem nunca houve, só uma resposta “certa”.

Fora-da-lei é um filme longo (2h18min) — em relação à maioria dos lançamentos — mas isso permitiu também um desenvolvimento maior da formação de seus personagens e da própria história. Mas a transição entre os períodos do enredo, sempre exibindo a data ou a estação do ano, infelizmente, acabou sendo meio confusa e muitas vezes até desnecessária. Culpa talvez de um desejo da criação de algo, de certa forma, mais documental. Mas graças a boa estrutura da história e cenas de ação bem construídas, não ficou cansativo.

É principalmente o questionamento ideológico que se destaca, mesmo havendo cenas com muita violência e ação, levantando várias questões não só sobre os atos, mas também o impacto real que eles causam. Como saber o que realmente fez a diferença? Para concluir, Fora-da-lei é um filme que se você tiver oportunidade de ver no cinema, com certeza vale o ingresso! Caso o contrário, sempre há a opção de alugá-lo.

Outras críticas interessantes:

Heitor Augusto, no Cineclick
Ritter Fan, no Metido a Crítico
Marcelo Hessel, no Omelete

Trailer:

httpv://www.youtube.com/watch?v=qAljVInNDik

09/04/2011

Crítica: Rio

Animações sempre são muito esperadas pelo grande público e Rio (Rio, E.U.A., 2011), do já cultuado Carlos Saldanha, já estava no topo da lista dos lançamentos do ano. Preparando o público para as Olimpíadas 2016, o longa veio como um prato cheio para salientar a beleza e a cultura do Brasil, mais especificamente da cidade do Rio de Janeiro.

Blu é uma arara azul macho que desde muito cedo foi tirada do seu habitat natural pelos contrabandistas de aves. Indo parar numa cidadezinha gelada no estado de Minnesota, nos E.U.A., o lindo pássaro azul é encontrado por Linda, ainda garotinha, que cuida e o ensina muitas coisas durante 15 longos anos. A vida de Blu era perfeita até aparecer o biólogo brasileiro, Túlio. Sabendo que Blu é o único macho da espécie, ele convence a sua dona Linda a irem até o Rio de Janeiro para que ele com a última fêmea, Jade, perpetuem a espécie. Só não contavam que o contrabando de aves ainda estivesse atrás de araras azuis, fazendo da viagem uma verdadeira saga.

Blu é muito além de um pássaro ¨da família¨, como ele mesmo diz, é uma arara azul inteligente, cheio de performances mas que ainda não sabe voar. A relação dele com Jade, uma arara livre e amante de vôos, faz de Rio uma animação que foca o enredo em vários pontos interessantes. Além de ser a jornada sobre as situações engraçadas de um pássaro desacostumado ao seu habitat, ele traz um Brasil menos costumeiro, mesmo com carnaval, favela e etc. sem despencar para nenhum lado, soando simplesmente agradável.

O roteiro de Rio conta com um argumento extremamente divertido e envolvente. Mesmo o trio de roteirista terem no currículo filmes extremamente fracos, a junção deles foi extremamente produtiva. O longa conta com tiradas muito divertidas e os personagens tem suas personalidades bem marcadas, que se transpõem de somente bichos animados com belas texturas. Aliás, a parte técnica é inquestionável. O diretor explica que houve meses de observação quanto ao comportamento das aves para que a animação fosse realista mas ao mesmo tempo encantadora aos olhos (leia-se fofinha). O 3D da animação é bem sutil mas agradável e as dublagens — ainda bem — são ótimas, realçando o teor das piadas, mas ainda quero ouvir Jesse Eisenberg com a voz de Blu.

Não é nenhuma novidade que o Brasil — cada vez mais — vem se tornando um país com mentes extremamente criativas no genêro da animação, seja para o cinema ou publicidade. A exportação desses artistas é inevitável já que os estúdios brazucas ainda dependem de muita verba. Carlos Saldanha tem sido uma bela surpresa na área desde que botou no currículo o projeto de A Era do Gelo, seus trabalhos sempre resultam em produções de altíssima qualidade técnica e roteiros sempre muito divertidos. Com Rio não é diferente, um longa que consegue exaltar uma cidade tão popular mundo afora sem se focar somente ou no carnaval ou nas mazelas sociais vividas ali. Vale o ingresso, com pipoca e muito bom humor!

Participe também da Promoção Rio e concorra a convites para ver o filme de graça.

Outras críticas interessantes:

Leandro Melo, no Pipoca Combo

Trailer:

httpv://www.youtube.com/watch?v=jDAJCc1IkPI

05/04/2011

Crítica: Elvis e Madona

São poucos os filmes de comédia romântica que conseguem sair um pouco do padrão do gênero. Elvis e Madona (Brasil, 2010), dirigido por Marcelo Laffitte, faz da inversão de opções sexuais dos personagens principais, o grande chamariz para o seu longa sair do lugar comum.

Elvis (Simone Spoladore) é uma motociclista que sonha em ser fotógrafo e em uma de suas entregas como “motogirl” de uma pizzaria, conhece Madona (Igor Cotrim), uma cabelereira que sonha em produzir um show de teatro. Deste encontro inusitado, entre uma lésbica e um travesti, nasce uma história de amor nada convencional.

Em Elvis e Madona temos todos os clichês das comédias românticas, mas por trazer essa roupagem diferenciada, consegue despertar o lado cômico deles. Apesar disso, não traz nada mais inusitado, ou inteligente, sobre o assunto. Graças a uma trilha sonora bem presente e agitada, muitas situações do longa se tornam menos cansativas do que realmente seriam se não houvesse esse recurso. Inclusive, uma de suas músicas é “Reflexo” da banda Beep-Polares, que é liderada pelo próprio Igor Cotrim.

O foco do filme é mesmo a construção e o desenvolvimento do amor entre esse dois personagens, sem fazer qualquer questionamento ou aprofundamento em relação a opção sexual de cada um deles. Apesar de em poucas cenas de Elvis e Madona haver um preconceito de outros personagens, desde incompreensão á repulsa ficar mais aparente, essas situações são rapidamente ignoradas ou concluídas.

Elvis e Madona é um filme mais para diversão, bem cinema pipoca, que questiona com o conceito de casal mais usual, além é claro de também mexer na ferida do preconceito de muitos. Se você estava esperando algo mais questionador e profundo sobre a questão de gêneros, este não é o longa que você estava procurando.

Após a exibição do filme no 7º Festival de Verão do RS de Cinema Internacional, houve uma conversa com o ator Igor Cotrim, que falou um pouco sobre como foi sua preparação para o papel e também como houve a preocupação de não fazer algo que ficasse caricato ou esteriotipado, além de outros detalhes sobre a produção do longa.

Outras críticas interessantes:

Thiago Lasco, no Introspecthive
Fabricio Longo, no Ambrosia

Trailer:

httpv://www.youtube.com/watch?v=SUqDKzzxzgM

04/04/2011

Crítica: Uma Manhã Gloriosa

No cinema, repetições de fórmulas podem ser perigosas. Um roteiro leviano pode fazer um enorme sucesso nas mãos de alguns diretores e produtores, mas infelizmente o inverso é bem mais comum, principalmente quando o longa é voltado para o cinema de entretenimento. Uma manhã Gloriosa (Morning Glory, EUA, 2010), de Roger Michell, comprova que nem mesmo os bons currículos de diretor e roteirista pode salvar um longa com argumento fraco.

Becky Fuller é mais uma garota do interior que sonha em ser uma produtora de noticiários matutinos — bem comum nos E.U.A. — de uma das maiores emissoras do país. Ela é dedicada e completamente workaholic até que um dia, esperando uma promoção, ela é mandada embora. Como bom roteiro de auto-ajuda americano, Fuller não desiste e aceita a primeira opção que lhe aparece, produzir um noticiário em decadência, o Daybreak. Além de lidar com a falta de criatividade dos profissionais, o maior desafio da jovem será lidar com um grande jornalista de outrora que não aceita desempenhar nenhuma espécie de papel que possa estragar sua reputação.

O assunto do Uma manhã Gloriosa por si só, não convence para o público brasileiro. Não temos o estilo de jornalismo televisivo praticado nos E.U.A. e lidamos mais com as estrelas que apresentam os programas, sendo que o trabalho por trás das câmeras é menos valorizado e interessante ao grande público nacional. A protagonista, Rachel McAdams, até parece se esforçar em ter uma personagem carismática mas acaba ficando numa lenga-lenga sem fim com os personagens — muito fracos por sinal — de Diane Keaton e o grande Harrison Ford, esse último até que salva em muitos momentos o sono arrebatador dentro da sala de cinema.

O diretor e a roteirista de Uma manhã Gloriosa, em outros tempos, assinaram roteiros de comédias bem sucedidas como O Diabo Veste Prada e Um lugar chamado Notting Hill, sendo que o atual trabalho é bastante carente do carisma que cobria os argumentos dos outros. O longa segue um ritmo muito enrolado e quando consegue algumas piadas, simplesmente as banaliza a ponto de irritar o espectador porque acaba sendo algo tão clichê, que nem rísivel se torna. Aliás, é bastante carente de bons elementos que funcionam para entreter o grande público, como por exemplo a falta de um romance estratégico — que no longa é um vai-não-vai — e a grande lição, que normalmente ficaria no fim da exibição, é apenas subentendida numa cena perto do final.

O cinema americano continua com uma crise profunda em filmes de entretenimento, Uma manhã Gloriosa é mais um deles, e em 2011 ainda não houve um lançamento mais ponderado e aceitável. No gênero de comédia, o jeito é esperar o humor de Woody Allen em seu próximo trabalho, ou ir até uma locadora e reforçar os clássicos da sessão da tarde da década de 90.

Participe também da Promoção Uma Manhã Gloriosa e concorra a convites para ver o filme de graça.

Outras críticas interessantes:

Érico Borgo, no Omelete

Trailer:

httpv://www.youtube.com/watch?v=4g2i7RIMpY0

03/04/2011

Crítica: Fúria sobre Rodas

Nem todo filme rodado em tecnologia 3D dá certo. Bem da verdade, nem a metade funciona como bons longas-metragens. E Fúria sobre Rodas (Drive Angry 3D, USA, 2011), de Patrick Lussier, veio para provar que mesmo longas filmados completamente na — tomara que passageira — moda de três dimensões, contando com fraquíssimos roteiros, podem ser símbolo de fracasso.

Milton é um homem com sede de vingança que veio diretamente do inferno para salvar a honra de sua filha assassinada por uma seita satânica. Munido de armas de outro mundo, possantes turbinados da década de 60 e 70 e uma loira — tipicamente americana — desbocada e que bate como um homem-macho-alfa, ele vai sair matando todos que aparecerem na sua frente durante essa jornada.

Fúria sobre Rodas é um filme sobre vingança, mas não convence. O paradoxo de céu e inferno, seitas demoníacas e alguns elementozinhos do gênero que dominou os anos 70, por exemplo o ótimo Thriller — Um filme cruel, não ficam nem de longe numa harmonia agradável. E não somente no roteiro super clichê, que até tenta ousar mas não passa da tentativa, mas também nas péssimas atuações. Nicolas Cage — que há muito deve desistir do cinema — com uma peruca loira fazendo cara de mal e atirando na cara de todo mundo chega a causar sonolência. Tudo pode piorar com a aparição de Piper, a sem sal Amber Heard, proliferando palavrões embutida em roupinhas sexy e milimetricamente rasgadas, sujas e etc.

O diretor — mais tarde descobri que era o mesmo do péssimo Dia dos Namorados Macabro — acreditou fielmente que usando no título do filme o selo 3D iria salvar a péssima história. Deve-se admitir que a tecnologia funciona bem com filmes de animação onde as imagens não brigam com a realidade fora das telas, tendo que ser, obrigatoriamente, uma experiência única para o espectador. Ao trabalhar em tornar essas experiências reais os roteiros passam ser deixados de lado sendo muito pouco convincentes e esse é o caso de Fúria sobre Rodas. O longa poderia até ter funcionado se os roteiristas tivessem ligado de madrugada para Robert Rodriguez e Quentin Tarantino para salvar o argumento. Mas não, o filme tenta forçar o humor típico desses cineastas citados mas não passa de um longa risivel, de tão ruim.

Nem para o público americano Fúria sobre Rodas tem convencido, parece que o filme alcançou metade do que foi gasto para produção e não vale o 3D de forma nenhuma. Creio que já chegou a hora do mercado cinematográfico — principalmente para os lados do Tio Sam — admitir que precisam de novas forças em roteiro e posteriormente se preocupar com os efeitos-passageiros visuais. Enquanto isso não acontece, o público vai pagando para dormir nas salas de cinema.

Outra crítica interessantes:

Renato Silveira, no Cinematório

Trailer:

httpv://www.youtube.com/watch?v=z_x93o7IbPA

03/04/2011

Category: Cinema